domingo, 10 de setembro de 2017

UMA BREVE HISTÓRIA DO ESTÚDIO COMO UM INSTRUMENTO: PARTE 3 - ECOS DO FUTURO


Na Parte 1 e na Parte 2 da nossa História do Estúdio Como Um Instrumento, olhamos para trás e vimos alguns dos pioneiros da composição com som gravado, e rastreamos os antecessores mais antigos das técnicas de sampler, loop e sequenciamento. A história continua com o surgimento do dub, krautrock e a discoteca; todos os estilos musicais que estão intimamente ligados a alguns produtores criativos, que pressionam a ideia do instrumento além do que anteriormente era possível.


No final dos anos 60 e início dos anos 70, o dub - como um estilo distinto de música definido por um conjunto de técnicas de manipulação de som em evolução - emergiriam para transformar profundamente a música reggae. Usando (e abusando) de delays, reverbs, filtros e máquinas de fita, os praticantes do dub tomariam faixas gravadas anteriormente, tirando tudo, exceto a bateria, graves, algumas notas de piano, metais, alguns fragmentos de vocais ou melodia, e retrabalhando essas estruturas esqueléticas, para novas formas hipnóticas. Em essência, o dub marcou o nascimento da remixagem; tendo material existente e criando composições inteiramente novas a partir dele. Como uma abordagem (se não for necessariamente um som), o dub é uma parte importante do DNA da produção de música contemporânea. Do hip-hop ao techno, do grime ao jungle, do drum 'n bass, e (talvez mais obviamente) o dubstep. Muitos gêneros de música atuais podem ser rastreadas com pelo menos algumas de suas raízes, voltam à tradição do dub.

King Tubby no seu estúdio em Kingston     

Na vanguarda do movimento dub jamaicano estava King Tubby. Nascido Osbourne Ruddock em 1941, a família de Tubby mudaria do centro de Kingston para Waterhouse, uma área expansiva do oeste de Kingston, no início dos anos 50, e se instalou na casa onde Tubby acabaria por criar seu estúdio lendário. Mostrando uma propensão para a eletrônica em sua adolescência, Tubby passou a receber treinamento formal na Faculdade de Artes, Ciência e Tecnologia da cidade de Kingston. Inicialmente, Tubby usou seu treinamento para encontrar trabalho corrigindo os transformadores que estabilizaram a eletricidade para empresas e casas em torno da Jamaica, mas ele logo começou a usar seus conhecimentos em benefício de sistemas de som locais também. Por volta de 1958, Tubby estabeleceu seu próprio sistema de som da cidade Hometown Hi-Fi e tornou-se conhecido por tocar música americana (rhythm & blues). De acordo com as exigências da cultura do sistema de som, na tentativa de enfrentar os concorrentes do Hometown Hi-Fi, Tubby desenvolveu constantemente maneiras de configurar seu sistema para melhorar, e ser melhor do que o restante e - como a legenda - ser o primeiro sistema de som para reverberar e ser Rei.

Como uma progressão natural de seus anos de sistema de som, Tubby eventualmente abriu caminho para o lado do estúdio da música jamaicana, embora seja exatamente conhecido sobre seus primeiros dias atrás das mesas de som. Eventualmente, Tubby pegou nas mãos uma máquina de fita de duas pistas, que ele começou a usar para fazer mixagens exclusivas de "versões" para sistemas de som - revisões de músicas vocais gravadas anteriormente, com tomadas instrumentais alternativas ou ovações em nome de vários DJs e sistemas de som.

Em 1971, Tubby adquiriu uma mesa de mixagem MCI do estúdio Kingston Dynamic Sounds - o estúdio mais avançado da Jamaica na época. O aparelho expandiu consideravelmente as capacidades de produção de Tubby quando foi trazido para a sala da frente de sua casa na 18 Dromilly Avenue. Com seu alcance técnico recém-ampliado, Tubby agora conseguiu encaminhar as partes individuais de suas versões através de copiosas quantidades de reverberação e delay, e filtram e silenciam elementos com muito mais controle e fluidez; Foi assim que nasceu o dub. Um primeiro exemplo inicial é a sua reformulação do "Baby I Love You So" de Jacob Miller ; nas mãos de Tubby, os ritmos do delay, a adição da melodica de Augusto Pablo e o delay aplicado com moderação, mas precisamente, transformar a faixa suficientemente boa em algo par de ordens de grandeza mais pesadas:


King Tubby's Meets Rockers Uptown

Logo, o estúdio de Tubby começou a atrair o interesse dos talentos locais, alguns dos quais passariam a estar entre as figuras mais importantes do dub, incluindo pessoas como Augustus Pablo, Niney the Observer, Keith Hudson, Yabby You e parte colaboradora / rival Lee "Scratch" Perry. Configurando uma cabine vocal em uma casa de banho convertida em sua casa, o estúdio de Tubby tornou-se o lugar para adicionar vocais a faixas de ritmo pré-gravadas, mas, o mais importante, fez do estúdio o lugar onde esses artistas chegaram a ter suas versões dub mixadas, muitas vezes pelo próprio Tubby. (Note-se que Tubby foi sempre assistido por uma equipe de engenheiros, incluindo Pat Kelly, Philip Smart, Prince Jammy e Scientist). As marcas registradas do estilo de Tubby - inundações de reverberação cavernosa, trilhas de ruídos, atrasos de feedback, filtragem extrema, fase e modulação - tornaram-se os pilares do gênero dub.


I Trim The Barber - King Tubby’s a reformulação radical de “Ali Baba” de John Holt


Infelizmente, a vida de KingTubby chegou a um final trágico em 1989, quando ele foi roubado e baleado por um homem armado não identificado. Embora seu tempo tenha sido cortado cedo demais, Tubby foi extraordinariamente prolífico durante sua vida, deixando um legado que não só mudou o reggae, mas teve um impacto profundo na onda de gêneros de produção que emergiriam nos anos 70 e 80, e continua até o presente dia. É difícil exagerar: o surgimento do dub foi verdadeiramente um momento visionário, uma mudança fundamental na relação entre música e produção, cujos traços permanecem discerníveis em quase todas as veias da criação de música moderna.


A Imaginação Indescritível de Lee "Scratch" Perry 


Embora King Tubby possa ser  mais ou menos creditado como o invetor do dub, Lee "Scratch" Perry provavelmente estendeu seus limites o mais longe que pode, infundindo-o com elementos de humor e misticismo ao elaborar seu próprio estilo distinto em mais de 50 anos de trabalho de estúdio.

Perry nasceu em uma vila jamaicana rural em 1936, e depois de chegar a Kingston, começou sua jornada musical na década de 1950, trabalhando pela primeira vez para o artista de ska Prince Buster e vendendo discos para o Sistema de Som Coxsone Downbeat de Clement "Coxsone" Dodd. Em pouco tempo, Perry começou a produzir e a gravar grupos para a lendária operação do Studio One de Dodd, onde emprestou seus talentos a inúmeras canções de sucesso. Em 1968, Perry deixou o Studio One para seguir com seu próprio selo independente, o Upsetter. O primeiro single lançado por ele foi "People Funny Boy", um recorde que não só vendeu extremamente bem, mas também marcou o início de uma nova evolução no reggae, iniciando a mudança do gênero de ritmos rápidos como era o ska para um mais lento, com mais loping, baixo - O lapso inicial que se tornaria conhecido como o "riddim".

Lee Perry - “People Funny Boy”

No início dos anos 70, Perry ouviu as surpreendentes experiências do dub de King Tubby, e como estava trabalhando, e viu como seu conhecimento de estúdio e experiência de produção poderia ser usado para efeito semelhante. A partir daí, uma inundação de mixagens de batidas de Perry, e o levou a abrir seu próprio estúdio em 1973: chamado de Black Ark. Uma nova liberdade artística tomou posse de vez assim que Perry teve um estúdio próprio, e embora o equipamento estivesse longe do estado da arte, ele não teve problemas para criar faixas fascinantes e expressivas no pequeno espaço que ele havia construído no jardim da frente de sua casa em Kingston.

Sala de controle do estúdio Black Ark de Lee 'Scratch' Perry     

Nos primeiros dias da Black Ark, o equipamento principal era um gravador de fita de 4 pistas Teac, ao lado de uma mesa de mixagem Alice, um reverb de mola Grampian e um delay analógico de fita Echoplex - mais tarde um Roland Space Echo e um Mutron Phaser. Esparsamente talvez, mas essas poucas peças de artes, combinadas com a engenhosidade de Perry, resultaram em obras-prima do dub e do reggae como Max Romeo & The Upsetters - 'War Ina Babylon, The Congos - Heart of the Congos, e seu próprio Super Ape, Cloak And Dagger e Blackboard Jungle Dub- entre muitos outros álbuns.


The Upsetters - “Fever Grass Dub”


No final de 1978, Perry tinha atingido um ponto de ruptura, e então começou a extinção da Arca Negra. Em primeiro lugar, Perry tornou-se recluso, segundo notícias, começou a destruir sua engrenagem antes que o estúdio fosse queimado misteriosamente. Isso, é claro, não foi o fim da produção musical de Perry. Nos anos que se seguiram, Perry tornou-se um tipo de nômade musical, embora ele, pelo menos, se estabelecesse o suficiente para eventualmente construir outro estúdio, o Secret Laboratory, na Suíça (que infelizmente também queimou no final do ano passado). Na verdade, Perry permaneceu um produtor ativo por mais de cinco décadas, continuando a evoluir o seu estilo no dub, colaborando e explorando todo o tipo de novos territórios musicais, já que o seu impressionante catálogo continua a alcançar novas gerações de produtores através de uma série de inúmeras reedições e antologias. Mesmo que Perry tivesse parado depois que Black Ark queimou, provavelmente não teria feito muita diferença; Perry, Tubby e todos os seus dubs compatriotas já haviam transformado o reggae e o processo de estúdio, estabeleceram as bases sobre como os produtores interagem com o áudio nas próximas décadas.


Conny Plank Redefine o Produtor




Com o advento das máquinas de fita de 24 pistas, o surgimento de ferramentas de estúdio cada vez mais sofisticadas, e a proliferação de estúdios de gravação profissional que começaram nos anos 70 e 80, a era moderna da produção musical nasceu. Os consoles de mixagem maciços permitiram que combinados, isolados e fossem superados ainda mais combinados, mais novos e mais sofisticados, com delays, reverberações e efeitos que podem ser combinados para que sons e espaços auditivos pareçam tão reais ou artificiais quanto a música. Essencialmente, essa explosão de ferramentas de áudio preparou o cenário para o estúdio se tornar uma ferramenta composicional na elaboração de quase todas as gravações.

Ainda assim, há alguns que abraçaram mais plenamente as novas possibilidades. Um visionário era Konrad "Conny" Plank, um engenheiro e produtor alemão cujo trabalho com grupos como Kraftwerk, Can, Neu!, Kluster/Cluster, Ultravox e muitos outros lançaram um novo caminho em efeitos sonoros criativos. Depois de um período como engenheiro assistente e produtor em Colônia, Plank embarcou sozinho como produtor freelancer no final da década de 1960, trabalhando inicialmente com a lendária banda krautrock Kluster e gravando o álbum de estréia auto-intitulado do Kraftwerk em 1970.


Neu! - “Hallogallo” de 1972, pran early Conny Plank production

Embora ele tenha sido extremamente dotado em termos técnicos, Plank viu seu papel de produtor não só como técnico, explicando uma vez em uma entrevista, "O trabalho do produtor - além do aspecto tecnológico - é, como eu entendo, criar uma atmosfera que é completamente livre de medo e reserva, para encontrar aquele momento totalmente ingênuo de "inocência" e para apertar o botão no momento certo para capturá-lo. É isso. Todo o resto pode ser aprendido e é meramente artesanal." Ainda assim, As produções de Plank foram notáveis por sua profundidade de som e pelas vibrantes cores tonais que ele persuadiu dos instrumentos.


Em 1974, Plank abriu seu próprio estúdio de gravação em uma fazenda fora de Colônia. Aqui, ele produziu discos inovadores, como o inovador LP Autobahn do Kraftwerk e Viena do Ultravox, incentivando ambas as bandas a abraçar o mundo do som sintético com uma filosofia simples: "Eu gosto de sintetizadores quando tocam como sintetizadores e não como instrumentos", diz Plank. Uma máquina de bateria para música eletrônica é boa, mas não se você tentar fazê-la parecer um baterista real." Nos anos que se seguiram, uma grande quantidade de kosmische, krautrock, produções de vanguarda e outras gravações sem controle de fronteiras continuaram a ser lançados do estúdio de Plank, incluindo álbuns de Echo & The Bunnymen, The Eurythmics, Devo e até Brian Eno (que mais tarde apresentaram Plank para o U2 com esperança de que Plank consideraria gravar o próximo álbum da banda Joshua Tree, como a história continua, Plank disse: "Não posso trabalhar com esse cantor", depois de conhecer a banda.


Kraftwerk - “Autobahn”, produzido por Conny Plank


Um músico por direito próprio, Plank ficou doente enquanto estava em turnê na América do Sul e faleceu em 1987. Em sua direção, Plank deixou um catálogo de música incrivelmente abrangente que essencialmente estabeleceu as bases para o papel que um produtor se tornaria nas próximas décadas.


Patrick Cowley Faz Uma Ponte Sobre a Barreira Eletrônica

Patrick Cowley era um produtor e músico residente em São Francisco, cujo período de produção musical foi curto, mas no entanto, profundamente impactante. Em 1971, Cowley se mudou de Buffalo para a Califórnia, e para Nova York aos 21 anos e logo começou a mexer com o equipamento de música eletrônica, limitado naquela época e que ele conseguiu colocara as mãos no Colégio da Cidade de São Francisco. Inspirado por artistas como Wendy Carlos e Giorgio Moroder, Cowley usou o equipamento limitado da escola para iniciar um Laboratório de Música Eletrônica para experimentar combinando elementos musicais sintetizados e instrumentação do mundo real para criar composições híbridas. 

Patrick Cowley com Sylvester    

Cowley ganhou rapidamente uma reputação como um mago do sintetizador, e eventualmente, ganhou a atenção do artista de discotecas de São Francisco, Sylvester. Os dois formaram uma estreita parceria, juntos oram pioneiros do som Hi-NRG de San Francisco com músicas como "You Make Me Feel (Mighty Real)" e "Dance Disco Heat", que eriçavam com ritmos rápidos e coravam com tons eletrônicos da era espacial. O talento de Cowley era mais poderoso em sua habilidade de desfocar as linhas entre sons reais e sintéticos, encontrando maneiras para que eles se encaixassem perfeitamente. Juntamente com a sua série de máquinas eletrônicas, Cowley disse manter uma coleção de loops de fita percussiva em seu estúdio, classificados por sons de bateria específicos (bumbo, caixa, chimbal, etc.) e BPM para que eles pudessem ser reutilizados em faixas diferentes, essencialmente antecipando as bibliotecas de sampler e loop, que a maioria dos softwares de música inclui esses dias.

"Mind Warp" de Patrick Cowley - uma mistura espaçada de instrumentos reais e sintéticos

Um homem homossexual que não tinha liberdade no auge da cultura gay de São Francisco, a música de Cowley muitas vezes se revelou na liberdade que ele experimentou nessa comunidade (títulos de músicas como "Menergy" não eram suposições). Como um artista solo, Cowley lançou uma série de singles em sua própria gravadora Megatone Records (incluindo o hit Hi-NRG de Paul Parker "Right on Target") e lançou um álbum inovador próprio em 1981, Megatron Man. Tragicamente, pouco depois do lançamento do album, Cowley ficou doente com o que mais tarde seria conhecido como AIDS - uma vítima da epidemia que varria a população homossexual dos EUA, um evento catastrófico que por vezes ofuscava as realizações da comunidade da música e cultura local, e colocou Cowley como um pioneiro um pouco subestimado. Isso mudou nos últimos anos no entanto, com material novo dos cofres de Cowley (especificamente, suas trilhas sonoras para arty porn studio Fox), aparecendo e mostrando um lado mais experimental e aventureiro para o produtor pioneiro. Com o auxílio da retrospectiva, é muito mais fácil ver quão longe do tempo que Cowley realmente era.


Patrick Cowley - “Somebody To Love Tonight” de 1979


Onde Nos Encontramos Agora


Como ressaltamos na introdução desta história imperfeita, seria impossível cobrir verdadeiramente todos os pioneiros da era pré-digital e pré-software. Essencialmente, todo produtor de hip-hop que usou um sampler, todo artista de techno que manipulou e automatizou um som gradualmente, e todos os pensadores de estúdio que derramaram reverb e delay em lugares que outros pensavam que não deveria fazer, e participaram e contribuiram para a evolução do estúdio, tornando-se um componente integral da arte musical. Artistas como o Prince - que, entre muitas outras realizações - projetaram e tocaram 27 instrumentos diferentes em seu álbum de estréia, For You e super-produtores como Nile Rodgers e Brian Eno que contribuíram imensamente para essa linhagem. As técnicas, os sons e a estética inicialmente definidos pelas luminárias do hip-hop de Afrika Bambaataa, The Bomb Squad e J Dilla, ou pioneiros do techno como Juan Atkins, Derrick May e Kevin Saunderson são mais evidentes na música popular hoje do que em qualquer momento antes - um testamento para o quão avançado pensavam em suas invenções musicais. Nos apoiamos nesses e muitos outros inovadores gigantes à medida que seguimos nossos próprios caminhos criativos e nos expressamos como artistas, músicos e produtores.

Hoje, o poder equivalente de um estúdio inteiro de décadas passadas se encaixa dentro de um único laptop. Embora esta conveniência seja notável, é importante lembrar que esses programas e plataformas de áudio são apenas o último passo em uma evolução que remonta a quase 100 anos.




Artigo original publicado @ https://www.ableton.com/en/blog/studio-as-an-instrument-part-3/

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