A VOVÓ DE 1,20M QUE GOVERNA O REGGAE

Patricia Chin e a VP Records estão por trás de mil sucessos jamaicanos - dos Wailers a Sean Paul e muito mais.

A elegantemente vestida, a bisavó de 1,2 m de altura pode não ter sido facilmente identificada como um magnata da música para os insiders da indústria que participaram do American Association of Independent Music Awards no Highline Ballroom de Manhattan naquele dia do verão de 2015. Então Patricia Chin, co-fundadora da gravadora de reggae VP Records, subiu ao palco para receber o prêmio pelo conjunto de sua obra, a primeira mulher a fazê-lo. “Olhando para o público esta noite, imagino que muitos de vocês podem estar se perguntando, 'quem é essa senhora chinesa com esse grande sotaque jamaicano, e o que é VP Records?'” Disse a Srta. Pat, (como ela é afetuosamente conhecida) em seu discurso de aceitação, sob aplausos estrondosos. “Em grande parte, a história da VP Records é sobre uma mulher que trabalha nos bastidores e sua jornada nos últimos 50 anos na indústria da música reggae.”

A gravadora VP Records, está estabelecida no Queens, em Nova York, desde1979, com escritórios adicionais em Kingston, Londres, Miami, Rio de Janeiro e Tóquio, e é a maior gravadora independente, distribuidora e editora mundial de música reggae e dancehall, controlando mais de 25.000 títulos de músicas. Em seu próximo livro de memórias lustroso de mesa de café, 'Miss Pat: My Reggae Music Journey', Miss Pat conta a história de VP, que está inextricavelmente está ligada ao desenvolvimento da indústria fonográfica da Jamaica e ao nascimento do ska, rocksteady e reggae. Miss Pat oferece anedotas históricas sobre sessões de gravação com Bob Marley e Lee “Scratch” Perry, quando ambos buscavam fortunas maiores. Os elogios à Srta. Pat são encontrados por toda parte, incluindo um do padrinho do hip-hop DJ Kool Herc, que diz: “O que Berry Gordy foi para a Motown, Patricia Chin é para a VP Records e a indústria do reggae.”

Miss Pat e Bunny Wailer

Nas passagens mais convincentes do livro, Miss Pat corajosamente detalha os maiores desafios de sua vida: a morte de seu filho pequeno; fugir da política explosiva da Jamaica na década de 1970, lutando para se adaptar a outra sociedade; desafiando as atitudes sexistas e racistas que ela encontrou como uma mulher não-branca que trabalhava no negócio da música na cidade de Nova York; aprendendo sobre o alcoolismo para ajudar seu marido em apuros, o co-fundador da VP Records, Vincent “Randy” Chin, que faleceu em 2003; lidando com o assassinato não resolvido de seu neto, VP A&R Joel Chin, em 2011. “O processo de escrever meu livro foi libertador”, disse a Srta. Pat ao The Daily Beast em uma entrevista no início de dezembro via Zoom. “Eu queria que meu livro fosse verdadeiro, divertido e interessante, então não poderia deixar de lado detalhes pessoais, quero que as pessoas me conheçam melhor, em vez de me ver como apenas uma pessoa da música.”

A matriarca do reggae, agora com 83 anos, nasceu Dorothy Patricia Williams em 20 de setembro de 1937; seus avós maternos e paternos migraram para a Jamaica, respectivamente, da China e da Índia, em busca de uma vida melhor. “Era difícil sobreviver de onde eles vieram, então eles se arriscaram na Jamaica”, lembra a Srta. Pat, que foi criada em uma casa de um cômodo na comunidade de Greenwich Farm de Kingston. “Apesar da falta de conforto material, nunca houve tempo para reclamações. Minha mãe compartilhou histórias sobre seus pais lojistas trabalhadores e os truques inovadores que eles usaram para fazer negócios com seus clientes, apesar da barreira do idioma”, escreve ela. O pai da senhorita Pat queria que ela trabalhasse em um banco, mas, inspirada por sua ídolo, Madre Teresa, ela estudou enfermagem na Universidade de Kingston das Índias Ocidentais. Herdando o espírito rebelde de sua mãe, a Srta. Pat saboreava a liberdade de viver no campus, onde era frequentemente visitada por um jovem bonito, Vincent Chin, para desaprovação de seu pai. “Conhecido por faltar à escola e fumar maconha, Vincent era o típico menino mau, o tipo de pretendente que nenhum pai queria para sua filha”, escreve a Srta. Pat. “Para piorar, ele já tinha um filho (Clive) que era um bebê. Meu pai viu meu pretendente pelo que ele era: problemas.”

Em 15 de março de 1957, a Srta. Pat, então com 19 anos, deixou a escola e se casou com Vincent, duas semanas antes de dar à luz seu filho, Gregory. Ele morreu de meningite em seu primeiro aniversário. “Para o bem do meu bem-estar”, escreveu a Srta. Pat, “nunca me disseram onde meu filho foi enterrado”. 

Vincent conseguiu um emprego, instalando jukeboxes em toda a ilha com novos discos de 7 polegadas; Miss Pat acreditava que os discos mais antigos poderiam ser vendidos diretamente ao público. Em 1959, eles abriram uma loja em uma pequena mercearia vendendo os discos usados. Eles chamaram sua empresa de Randy’s Record Mart, em homenagem a Randy Wood, proprietário da WHIN AM, uma estação de jazz, R&B e música country no Tennessee que Vincent ouvia fielmente em seu rádio de ondas curtas. Em 1961, Vincent e Miss Pat mudaram-se para um espaço de 2,5 x 3 metros dentro de um restaurante chinês localizado na 17 North Parade, uma área movimentada do centro de Kingston, próximo a uma rota central de ônibus; eles montaram uma pequena caixa de som do lado de fora, tocando música, o que atraiu clientes. As vendas aumentaram e com um empréstimo do pai da Srta. Pat, o casal acabou comprando o restaurante chinês e o prédio. Pouco depois, Vincent e Pat adquiriram o prédio ao lado e começaram a construir um estúdio de gravação.

Miss Pat e Lee 'Scratch' Perry

A abertura do Studio 17 no andar de cima do Randy’s Record Mart coincidiu com o desenvolvimento da primeira forma de música popular da Jamaica, o ska, o que levou a uma proliferação de gravações que o Studio 17 ajudou a acelerar. “Naquela época, não havia um estúdio onde se pudesse terminar o trabalho do início ao fim. Você tinha que ir a um lugar para fazer a gravação, outro para fazer a masterização. Com cada vez mais artistas e produtores surgindo, e com os estúdios existentes cobrando altas taxas, projetamos o estúdio para ser uma produção full house para que pudéssemos ser completamente independentes”, escreve a Srta. Pat, que executaria as prensagens de teste das gravações na sua loja para avaliar o interesse dos clientes e, em seguida, escolher quais músicas eles iriam prensar em massa para venda.

Vincent Chin começou a produzir seus próprios discos, e um de seus maiores sucessos chegou em 1962, o ano da independência da Jamaica da Inglaterra. “Independent Jamaica”, que não incorporava o ska beat indígena da ilha, era um calipso cantado por Lord Creator, nascido em Trinidad e residente em Kingston; no entanto, tornou-se um hino para o otimismo da nova nação, lançado pelo selo Creative Calypso de Randy.

Miss Pat abasteceu a loja com pelo menos um disco de cada artista que conhecia e pediu a aspirantes a artistas e produtores que deixassem seus discos em consignação, o que acabou por se tonarem como bases para a divisão de atacado de Randy. Os amantes da música corriam ao Randy para ouvir os últimos discos, enquanto os produtores procuravam os cantores e músicos que frequentariam um beco adjacente chamado Idler's Rest ("o epicentro não oficial da música jamaicana", diz a Srta. Pat) para gravar faixas no Studio 17. Muitos ícones de música jamaicana gravava lá, incluindo os cantores Gregory Isaacs, Dennis Brown e Alton Ellis, os trios de harmonia The Wailers e The Maytals e o seminal ska outfit, The Skatalites.

Vários álbuns de reggae de raiz clássicos foram gravados no Studio 17, incluindo o The Wailers 'Soul Rebel', 'Marcus Garvey' do Burning Spear, 'Equal Rights' de Peter Tosh e a estreia do mestre melódico Augustus Pablo com o álbum 'This Is Augustus Pablo', este último produzido pelo colega de escola de Pablo, filho de Vincent; o produtor Clive Chin.

Clive também produziu o (ainda) influente single de Pablo, "Java" e o primeiro sucesso internacional do Studio 17, "Fattie Bum-Bum" de Carl Malcolm, que alcançou a oitava posição na parada de singles do Reino Unido. O falecido cantor americano Johnny Nash, supostamente o primeiro não jamaicano a gravar rocksteady / reggae na ilha, ficou tão impressionado com o Studio 17 que reservou as instalações por três meses consecutivos. Miss Pat atribui o sucesso do Studio 17 à personalidade amável de Vincent. “Ele amava a todos, independentemente de quão pobres fossem; muitos músicos nem mesmo tinham sapatos nos pés, mas Vincent os levava para o estúdio, os encorajava. Tudo era experimentação, ainda não tínhamos uma cultura reggae, tudo começou desde então”, comenta Miss Pat.

Devido à escalada da violência política na Jamaica ao longo da década de 1970, Vincent e Pat migraram para os EUA “Naquela época (sob o governo socialista do primeiro-ministro Michael Manley), se você fosse dono de uma empresa, tinha um pouco mais de dinheiro do que os outros e com a agitação e tumultos acontecendo, nos sentimos muito desconfortáveis ​​e preocupados com a segurança de nossos filhos”, reconheceu a Srta. Pat. Eles escolheram a cidade de Nova York porque o irmão de Vincent estava morando no Brooklyn, onde estabeleceu a Chin Randy’s Records. Vincent e seus filhos Clive e Christopher pousaram no aeroporto JFK da cidade de Nova York no verão de 1977. A senhorita Pat permaneceu em Kingston com seus dois filhos mais novos, Vincent (conhecido como Randy) Jr. e Angela; eles se juntaram à família na cidade de Nova York no ano seguinte.

Vincent e Pat começaram seu novo empreendimento alugando uma pequena loja perto dos trilhos elevados do trem ao longo da Queens, na Jamaica Avenue, de onde forneceriam discos de reggae para alguns estabelecimentos. Quando o governo jamaicano começou a restringir as exportações, Vincent e Pat começaram a prensar seus próprios discos em Nova York; com o aumento das vendas, eles compraram um prédio na 170-21 Jamaica Ave em 1979 de outro proprietário de uma empresa de discos por atacado, Sam Kleinholt. Os Chins batizaram sua loja de atacado / varejo de reggae de VP Records, as iniciais dos primeiros nomes de Vincent e Pat. Eles contrataram a secretária de Kleinholt, Rhoda Bernstein, que trabalhou com a VP por 15 anos, até sua morte. “Ela foi uma dádiva de Deus”, escreve a srta. Pat, “ela nos ensinou tudo que achava que nos ajudaria a nos adaptar; dizer que ela facilitou nossa transição para a vida em Nova York é um eufemismo”.

"Anos depois, percebi que não poderia comprar lá porque éramos de uma cultura diferente, havia uma barreira de cor, ele queria me colocar em outra área onde eu ficaria mais 'confortável'." - Miss Pat

Nem todos os nova-iorquinos foram tão acolhedores. A senhorita Pat se lembra de querer comprar uma casa na (então) comunidade predominantemente branca de Jamaica Estates, a cerca de três quilômetros da VP Records; seu corretor de imóveis a desencorajou, sem explicação. “Anos depois, percebi que não poderia comprar lá porque éramos de uma cultura diferente, havia uma barreira de cor”, ela observa, “ele queria me colocar em outra área onde eu ficaria mais 'confortável'”. Pat também se lembrou de casos em que os clientes VP ligaram para a loja, a colocaram na linha e pediram para falar com um homem. “Eles pensavam que eu não conhecia a música”, ela relembrou. “Trabalhei duro em minhas habilidades; tínhamos tanta música saindo todos os dias, eu tinha que saber o nome do disco, o cantor, o produtor, a riddim de cada faixa; Eu era como uma enciclopédia, sabia tudo sobre música”.

Miss Pat e Sean Paul

À medida que a VP Records cresceu e se tornou um próspero balcão único, cobrindo todas as facetas da música jamaicana, em 1990 os Chins compraram dois grandes armazéns, um na Jamaica Queens, o outro em Miami. À medida que a década avançava, o dancehall e o reggae jamaicano explodia em popularidade com várias das superestrelas do gênero (incluindo Shabba Ranks, Super Cat) assinando com grandes gravadoras e impactando um mercado americano mais amplo. A VP distribuiu os discos desses artistas por anos, então sua familiaridade com a música tornou-se um recurso indispensável para as gravadoras majors na promoção do apelo ao dancehall. O próximo passo dos Chins foi estabelecer o selo VP Records em 1993, no mesmo ano em que lançaram sua série de compilação anual de reggae / dancehall de maior sucesso, Reggae Gold.

O lançamento de 1999 da VP Records, "Who Am I", de Beenie Man, foi um single de ouro certificado. Triunfos ainda maiores chegaram com Sean Paul, que assinou com o vice-presidente Joel Chin, filho de Clive, em 2000. O vice-presidente fez uma parceria com a Atlantic Records, impulsionada pelo grande sucesso de Sean, "Gimme The Light". O álbum de dupla platina de Sean, Dutty Rock, ganhou um Grammy de Melhor Álbum de Reggae. “Esse foi o momento em que respiramos fundo e percebemos, como nós, jamaicanos, diríamos, 'não é uma piada'”, escreve a Srta. Pat.

Vincent, no entanto, não se inspirou no dancehall; ele ficou deprimido e estava, de acordo com a Srta. Pat, "encerrando mentalmente o negócio". Ele lutou contra o alcoolismo, que incluiu várias estadias na reabilitação. A Srta. Pat escreve que o excesso de bebida de Vincent estava ligado a "um espírito perturbado", que ela relacionava desde a infância dele e "ao casamento mestiço de seus pais. O pai de Vincent era proeminente na comunidade sino-jamaicana, mas ele não interagia com sua esposa negra dentro dessa comunidade. Acredito que esse preconceito tácito fez com que meu marido desenvolvesse um profundo sentimento de insegurança, ressentimento e tristeza.”

Miss Pat se lembra de sua mãe passando por um dilema semelhante, porque seus pais desaprovavam o casamento de sua filha com um homem indiano. “Meus avós fizeram as pazes com meu pai e minha mãe, mas demorou 12 anos porque, há 100 anos, casar fora da sua cultura (chinesa) era proibido. Mas meus pais estavam apaixonados e sobreviveram a todas as barreiras.” O pai da Srta. Pat também era alcoólatra e sua mãe tentava esconder isso de Pat e de seus irmãos, assim como a Srta. Pat protegeu seus filhos da verdade. “Não ser honesta com meus filhos é um dos meus maiores arrependimentos, é a única coisa que eu faria de forma diferente, se tivesse a chance”, revela a Srta. Pat.

Randy, filho de Vincent e Pat, presidente do VP, desistiu de sua carreira de sucesso na aeronáutica para ingressar na empresa da família em 1995; Christopher é o CEO da empresa e Angela administra o armazém / centro de distribuição da Flórida. Clive trabalhou intermitentemente com o vice-presidente, mas também realizou vários projetos independentes. Em dezembro de 2014, ele entrou com uma ação contra a VP pedindo US $ 3 milhões, alegando que a empresa licenciou músicas que ele escreveu e gravou no Studio 17 sem sua permissão; esse processo foi resolvido discretamente.

"Por uma noite, o reggae assumiu um marco icônico americano. Se eu não sabia antes disso, que tudo era possível, naquele momento eu sabia." - Miss Pat

Além do prêmio no Highline Ballroom, um dos momentos de maior orgulho de Miss Pat foi o show do 25º aniversário da VP Records no Radio City Music Hall de Manhattan em 2004, encabeçado por várias participações dos associados à empresa ao longo dos anos, incluindo Beenie Man, Shaggy e Beres Hammond. “Essa foi a primeira vez que vi meu nome em luzes e com todas as pessoas fazendo fila para entrar, fiquei muito feliz. Por uma noite, o reggae assumiu um marco icônico americano. Se eu não sabia antes que tudo era possível, eu sabia então”, escreve ela. Em 2007, a VP Records adquiriu seu principal concorrente, a Greensleeves Records do Reino Unido, e seu catálogo de 12.000 canções, para se tornar a maior empresa independente de reggae do mundo. Esse status imponente é o resultado final da jornada notável e ainda contínua da Srta. Pat. “Demorou um pouco para que isso acontecesse”, ela escreve. “Quando você constrói algo do zero, as lembranças de vender discos em sua loja de 8' x 10' nunca saem de você.”

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U-ROY, O DEEJAY LENDÁRIO DO REGGAE, FALECEU AOS 78 ANOS

‘O Originador’ do do canto falado em um disco ajudou a revolucionar a cultura do sistema de som na Jamaica - e inspirou o nascimento do hip-hop.

‘Eu só falo sobre união com as pessoas’ ... U-Roy se apresentando no festival Jamaica 50, Londres, 2012. Fotografia: Roger Garfield / Alamy

O lendário deejay U-Roy morreu aos 78 anos, confirmou um representante da Trojan Records. Nenhuma causa de morte foi divulgada.

O DJ de reggae britânico David Rodigan foi um dos que prestaram homenagem, descrevendo o U-Roy como “o paradigma da música jamaicana ... Sempre tive admiração por ele; o tom de voz, a cadência, o brilho lírico e a equitação rítmica fizeram dele o ‘aventureiro da alma’.” Ali Campbell, do UB40, saudou U-Roy como "uma verdadeira inspiração, [abrindo] o caminho para muitas gerações e criando um som que viverá para sempre!" Shaggy disse: “Hoje perdemos um de nossos heróis!!”

O Rapper Ghostpoet tuitou: "Eles não estão prontos para o seu brinde no céu."

U-Roy não foi o primeiro deejay, mas ficou conhecido como “o criador” por ser o primeiro a colocar seu estilo vocal distinto em um disco, gerando um fenômeno e inspirando a criação do hip-hop. “Sua voz rica proclamou letras fervilhantes e saturadas de flow em vez de simplesmente inserir algumas frases”, escreveu um crítico do Reggae Vibes. "E, além disso, ele percorreu toda a trilha instrumental reduzida (os espaços entre vocal e instrumental), em vez de interferir em pontos cruciais."

U-Roy nasceu Ewart Beckford em Kingston, Jamaica, em 1942. Sua família era musical, sua mãe se apresentando no coro de uma Igreja Adventista do Sétimo Dia local. Ele começou a trabalhar como DJ aos 14 anos. "Minha mãe costumava me dizer: Por que você não apara e faz a barba porque vai ficar muito mais bonito menino?" ele disse ao United Reggae. “E eu costumava dizer:‘ Escute, mãe, eu não te disse para não ser adventista do sétimo dia. Eu não disse para você não tocar aquele órgão naquele coro. Vou fazer o que tenho que fazer e não vou desrespeitar você. Mas o que eu acredito é o que eu acredito.”

Ele começou sua carreira profissional em 1961, tocando no sistema de som de Dickie Wong, que dirigia a gravadora e clube Tit for Tat (onde Sly Dunbar conheceu Robbie Shakespeare) em Kingston. Ele mudou de sistema de som antes de um período como o DJ principal do King Tubby’s Hometown Hi-Fi no final dos anos 60.

As versões dub de instrumentais alongados de King Tubby criaram o espaço para U-Roy expandir seu estilo vocal inventivo. “Foi quando as coisas começaram a melhorar para mim”, disse ele ao LA Times em 1994.

U-Roy: Wake the Town

No livro Yeah Yeah Yeah: The Story of Modern Pop de Bob Stanely, o cantor Dennis Alcapone descreve seu testemunho de como a dupla era tocando ao vivo. “Ele (King Tubby) e U-Roy começaram a festa normalmente, e depois de um tempo ele tocou You Don't Care dos the Techniques, então mudou para a versão dub e, depois de algumas falas, tudo que o público pôde ouvir foi ritmo puro. Então U-Roy veio cantar e eles enlouqueceram. ”

Em 1969, U-Roy fez suas primeiras gravações, com Keith Hudson, Lee Perry e Peter Tosh, embora sua revelação ocorresse um ano depois, quando John Holt testemunhou U-Roy discotecando e cantando com a música de John Holt; Wear You to the Ball, e disse ao produtor Duke Reid para trabalhar com ele.

A parceria gerou três sucessos imediatos, Wake the Town, Rule the Nation e Wear You to the Ball, bem como mais duas dúzias de singles, e inspirou uma onda de produtores que buscam trabalhar com DJs em discos. “Antes disso, o negócio de DeeJays não era algo que as pessoas levavam a sério”, disse ele ao LA Times. “Eu realmente não levei a sério. As pessoas realmente não estavam acostumadas com essas coisas.”

U-Roy lançou centenas de singles ao longo dos anos 70, incluindo uma série de sucessos com Bunny Lee. Um acordo com a Virgin o levou ao álbum Dread in a Babylon, produzido pelo Prince Tony Robinson. Isso impulsionou a popularidade de U-Roy no Reino Unido, onde Joe Strummer era considerado um fã.

Do outro lado do Atlântico, DJ Kool Herc e Coke La Rock abordaram o som de U-Roy e Kingston em suas festas no Bronx para diferenciá-los da cena disco de meados dos anos 70, improvisando com um Space Echo e inventando suas próprias gírias. O bloco de apartamentos de Kool Herc no Bronx viria a ser reconhecido como o berço do hip-hop.

Enquanto atuava como intérprete na década de 1980, U-Roy dificilmente gravou novamente até 1991 - quando ele se mudou para LA - quando o produtor britânico Mad Professor o convidou para participar do álbum True Born African. Isso gerou outra parceria criativa duradoura. O último álbum de U-Roy, Talking Roots de 2018, também foi produzido por Mad Professor. “Eu tinha 15 anos quando ouvi a Version Galore e queria trabalhar com o U-Roy”, tweetou o Mad Professor na quinta-feira (18.02.2021).

Em 2019 foi “coroado” por Shabba Ranks em Nova York, que o chamou de “di Picasso da nossa música”. Naquele ano, ele também gravou um novo álbum, Gold: The Man Who Invented Rap, com Sly e Robbie, Zak Starkey na guitarra e Youth of Killing Joke na produção, com participações de Mick Jones do The Clash, Santigold, Shaggy e Ziggy Marley entre outros. A data de lançamento está planejada para o verão deste ano.

Refletindo sobre sua mensagem, U-Roy disse ao LA Times: “Acabei de falar sobre a união com as pessoas. Eu realmente não tento rebaixar as pessoas ou algo assim. A violência é muito feia e o amor é muito lindo. Nunca estive na faculdade ou algo parecido, mas tenho um pouco de bom senso, e o que aprendo, aproveito ao máximo sabe.”

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DVD - RETURN OF THE RUB A DUB @ FYASHOP

DVD - RETURN OF THE RUB A DUB @ FYASHOP

Return Of The Rub-A-Dub é um documentário dirigido por Steve Hanft e produzido por Tom Chasteen do Dub Club em Los Angeles, destacando a evolução do Reggae em seu formato Soundsystem. Rub-A-Dub apresenta entrevistas e imagens ao vivo de lendas e pioneiro vivas; Trinity, Ranking Joe, Scientist, Sister Nancy, U-Roy, Brigadier Jerry, Ranking Trevor, Welton Irie, Sugar Minott, Philip Fraser e Triston Palma, entre outros. 

A cada semana o Dub Club é realizado no Echoplex na área do Parque Eco de Los Angeles, o DJ residente é o "Echodelic " host que se tornou a meca do reggae, apresentando artistas do vintage na música reggae e talentos locais, que são apresentadas "inna dancehall estyle" com efeitos visuais para acompanhá-los e um sistema de som de arte desenhado pelo lendário Scientist, um pioneiro no estilo dub da música reggae. 

O filme pretende retratar o espírito da dança, a essência da evolução de ambos, do reggae ao hip-hop e a energia de uma nova geração que está agora exposto a canções da história do reggae de quarenta anos, seus ritmos atemporais que apresentam uma plataforma para servir e unificar os fãs e a criar novos a cada semana. 

Pergunte a maioria das pessoas a imagem de um artista do reggae e eles vão pensar no Bob Marley cantando com sua banda e todos tocando atrás dele. As verdadeiras raízes do reggae cresceram de uma parede gigante de alto-falantes, uma voz carregada com delay e eco cantando ao longo de um microfone, um seletor com pilhas de 45s para encontrar o próximo riddim, eles cresceram no reggae e no soundsystem. O conceito de artistas do rap, a idéia do remix, a elevação do baixo para o instrumento principal, todas essas tendências saíram dos soundsystems. 

Começando na década de 1950, os operadores de soundsystem na Jamaica iriam criar e colocar suas caixas ao ar livre e tocar música americana desde o R&B, Jazz e Bee Bop no seu set. Algum tempo depois os DJs dos anos 60 começaram a conversar entre as seleções, para animar a multidão ou introduzir a próxima música. Na terminologia da Jamaica, o DJ é aquele que fala no microfone, e o seletor é aquele que toca os discos. Como General Smiley e Michigan, apontam em Rub a Dub "um jockey monta um cavalo e um disc jockey monta o riddim". 

Em algum ponto no final dos anos 60, em vez de colocar uma música diferente no lado b de um 45, os produtores jamaicanos começaram a usar um corte instrumental no lado b, conhecido como a "versão". Esta idéia tornou possível uma forma de arte totalmente nova. Depois de uma música popular foi tocado pelo seletor o que iria virar o disco e o DJ improvisava novas letras, conduzindo o público ao delírio. Eventualmente, os DJs começaram a gravar suas novas criações e essas faixas provaram ser extremamente popular. As versões mais populares dos instrumentais foram gravados mais e mais vezes e passaram a ser conhecidos como "riddims", linhas de baixo clássicos que qualquer DJ decente teria uma letra para cantar sobre esses riddims. 

Esta invenção levou diretamente à criação de hip hop, através de Kool Herc, um jamaicano amplamente reconhecido como um dos pais do hip hop, que emigrou para o sul do Bronx, no início dos anos 70 tendo o conceito de soundsystem junto com ele. Ao invés de jogar discos jamaicananos tocou funk e soul, mas ele manteve o estilo do soundsystem em sua essência com toca-discos e falando no microfone. 

A versão mais tarde evoluiu para dub, onde o instrumental é produzido em camadas, com reverb e efeitos de eco, essencialmente criando uma nova peça de música em conjunto, com o engenheiro de estúdio como o artista. Claramente este conceito era o original "remix." Este é explorado em Rub A Dub em uma entrevista com engenheiro Scientist, o lendário aluno do falecido King Tubby, que é reconhecido como o inventor do dub. 

O termo "Rub A Dub" não se refere necessariamente ao dub em si, mas sim a um determinado estilo de musical popular no final dos anos 70 e início dos anos 80, que em determinado instante não muito rápido, mas não é lento como o estilo downbeat, cortando skanks com guitarra, riffs de baixo e bateria, seria a música perfeita para todos os soundsystems da noite. Várias das mais difíceis trilhas instrumentais deste período foram licenciados pelos produtores jamaicanos originais para uso no filme. 

Em 2000, alguns amigos em Los Angeles, Jason Mason, Eddie Ruscha e Tom Chasteen, decidiram começar uma festa de reggae semanal onde eles pudessem jogar os disocs de reggae clássicos que amavam e colecionavam fanaticamente (o quarto seletor David Orlando juntou-se mais tarde.) Não tem cd’s, ipod’s, trackstors, seratos, ou qualquer coisa do tipo aqui – o conceito é estritamente toca-discos e vinil. Para o primeiro ano ou dois o público era pequeno, mas aos poucos ele pegou e cresceu mais e mais ficando popular com um público jovem e diversificado. Eventualmente, eles tomaram o próximo passo de trazer os artistas originais que idolatravam para vir e tocar ao vivo. Não como uma lição de história, mas como uma festa. 

Rub-A-Dub apresenta imagens ao vivo de Trinity, Ranking Joe, Sister Nancy, U-Roy, Brigadier Jerry e a maioria dos maiores nomes da era dos Dj’s clássicos de Dancehall dos anos 70, bem como influentes artistas, mas raramente vistos como Ranking Trevor, Welton Irie que nunca havia realizado uma apresentação na Califórnia antes. Junto com o DJ, há os singjays: Sugar Minott, Philip Fraser e Triston Palma, que iria se apresentar lado a lado com os DJs do dancehall e criar as melodias que improvisava DJs afora. 

A linhagem desta forma musical é mostrado claramente, de King Stitt (R.I.P.), o mais antigo DJ, U-Roy, o primeiro a popularizar o estilo nos disco, Trevor Ranking e Ranking Joe, discípulos de U-Roy, para Welton Irie, que o alega como sua inspiração. A cultura reggae sempre tem o respeito as raízes, tanto no sentido literal e místico, e este filme tenta honrar dando os autores que lhes é devido. 

O estilo de edição do filme reflete o estilo musical, como vários artistas são mostradas conversando sobre o mesmo riddim e são mixados juntos como numa mixtape. Cada artista tem sua próprias letras para os riddims clássicos, como a Sleng Teng, o primeiro digikiller a fazer grande impacto no reggae. Oito artistas diferentes são mostradas em rápida sucessão sobre o riddim Sleng Teng sem perder uma batida, cada um trazendo seu próprio estilo, terminando com Brigadier Jerry - melhor parte do documentário dizendo que o seletor reproduzir o 45 em 33rpm, levando o clímax para o "Slow Motion". 

A letras são constantemente alteradas e atualizadas, mantendo as músicas frescas e tópicas, e as performances têm uma espontaneidade devido à interação entre o selector, o DJ, e a multidão. Não há ensaio geral, e o DJ não sabe o que o que o seletor está para tocar em seguida. A performance com um artista como Ranking Joe é três ou mais horas de improvisação sobre temas familiares, com base na tradição e no entanto cada vez mais diferentes, como um grande desempenho jazz. Tópicos sobre CNN no quarto do hotel na noite anterior, ou argumentar sobre bastidores, pode ser tema em algumas letras novas do DJ. 

As performances e entrevistas são todas legendadas e você não passe aquele aperto por causa do patois jamaican. Nessa versão, inclui um DVD como documentário e um CD que caracteriza muitos dos artistas do filme, bem como outros veteranos do reggae junto com alguns artistas locais de LA que realizam apresentações no Dub Club em um formato open-mic com os seletores residentes. A música do cd foram gravadas em Los Angeles e os vocais foram gravados tanto em LA como em Kingston, Jamaica, todo produzido por Tom Chasteen Campbell e Anthony, que encabeçaram a idéia de todo o documentário.



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DJ'S DE VERDADE OU DE MENTIRA!!!

Hoje dando uma olhada na maior parte dos posts das mais de 5000 pessoas aqui no FB, dentre os 100 convites diários para festas mais da metade dos posts de atualizações se referem aos tais “fake dj’s”, particularmente a manifestação num tom sarcástico é interessante,  mas só temos tais “fake dj’s”.

São tantos posts nos últimos dias falando do Jesus Luz e da tal Luiza (que eu não sei de onde surgiu), que se torna maçante e de uma publicidade desprovida. Obviamente, é preciso sim ter uma mudança de atitude quanto a profissão e o papel que o DJ ocupa hoje dentro da musica, tão importante quanto ao do MC.

E essa principal mudança de atitude na verdade, deve prover de nós mesmos, será que você que publicou uma foto do “sou contra fake dj’s” lembrou de publicar algo ligado a um DJ que admira? Uma festa, uma mixtape, ou algo relacionado ao mundo do DJ como por exemplo o pessoal que valoriza vinil e a cultura abrangente que faz parte do trabalho e da vida de um DJ.

Muito se fala em valorização e sobre a banalização da profissão que acontece ano a ano. Pois bem valorização não é ganhar mais dinheiro, realmente as propostas que acontecem hoje são indecentes – praticamente um estupro na profissão, mas é um circulo vicioso onde a acaba justamente na ponta, que é o DJ.

Para uma pessoa se valorizar, ela não precisa ganhar um certo montante de dinheiro, ou cobrar mais caro, a valorização esta muito mais ligado ao respeito do que ao dinheiro. Ao dinheiro está ligado o custo, que é um outro aspecto. Conversando com meu amigo Jeff Boto (Dubatak) conversando sobre esse tema, se aponta algo que hoje é real, praticamente ninguém vive da profissão de ser DJ, uns dizem que fazem por amor, outros por hobby, outros não cobram por serem DJ’s enfim e sim pela presença em um evento.

Entre 1998 e 2002 ganhava 8x mais do hoje me é proposto para tocar, hoje o cachê proposto é relativamente o de quando eu estava aprendendo no início da década de 90 quando tinha lá uns 50 discos no case, mas em contrapartida, nessa época não tínhamos eventos de R$ 3 e R$ 5 reais acontecendo pelo menos duas vezes por semana. Uma matemática óbvia, uma festa com 200 pessoas pagantes a 5 reais, não vai rolar pagar R$ 1000,00 de cachê para quem está tocando, esse valor vai ser dividido entre todos que estão tocando e vai nivelar o ganho – e como lei de mercado, vai nivelar para baixo, fora que a casa também vai querer meter a mão em algum troco da entrada.

Simples, levando em consideração que a maioria das pessoas hoje que se auto intitulam DJ’s ou que fazem eventos tocando discos, não vivem do dinheiro que recebem das festas que fazem, e há não ser que tenham uma mudança de postura quanto e raciocínio de “quanto custa” e “quanto vale” vai se tornar uma situação muito complexa dizer que o DJ não é valorizado, se quem toca reclama mas continua na mesma situação ambígua de tocar por migalha que cai da mesa de dono de casas e promotores de eventos ou realmente é parar de tocar numa constante e somente sair de casa pelo valor financeiro que considera coerente com o que faz em um evento, nesse último caso, o DJ jamais dirá que seu trabalho não é desvalorizado, porque quem decide sair de casa para tocar por um montante ou menos é quem vai tocar.

Volto a dizer, valorizar um trabalho, nada tem haver com cobrar mais caro, valorizar o seu trabalho quer dizer não banalizar seu estudo, pesquisa musical, investimento em discos e equipamento e as vezes todo o staff envolvido para que um DJ faça bem seu set e toda trabalheira que dá organizar uma festa.

Então meus caros amigos e amigas virtuais ou não, parem para pensar em toda a publicidade que estão fazendo, realmente o tiro está saindo pela culatra e só quem tem a ganhar são os “fake dj’s” que estão ai tocando em eventos grandes, com equipamentos de ponta, e os “verdadeiros” dj’s estão lutando para garantir seus trabalhos, continuam pesquisando e garimpando em sebos, os joviais e adeptos as novidades tecnológicas com seus Seratos e Tracktors da vida, e a vida segue num ressentimento de não conseguir ganhar o que um ator ou subcelebridade ganha fazendo 70% as vezes 80% do que um profissional sabe fazer.

Ao público, quando for realmente valorizar o DJ não reclame de pagar 10,00 reais em um evento, de aguardar 10 ou 15 minutos para pagar a comanda e depois de ter dançado, bebido e feito coisas que duvidaria se lembrasse, que a festa foi uma porcaria, estejam presentes nos eventos e cobrem sempre qualidade do cara que está tocando e da casa para ter bons equipamentos, boas caixas de som – nem todo DJ quer ser dono de sound system. Necessaário também cada casa cuidar da acústica adequadamente e que tenham também um cuidado com a sua saúde, ouvir boa musica, não quer dizer que tenha que sair surdo ou perder a audição a cada festa que for com um som acima as vezes de 115db.

Pense reflita, valorize o DJ que você gosta, divulgue o trabalho se sentir vontade e deixe o ressentimento de lado, aos DJ’s se resolvam com o dinheiro, cobrem o que pensam que devem cobrar por seus sets, o máximo que pode acontecer é não contratarem você ou pedir que reduzam seu cachê em determinado momento, a decisão é sua em todos os casos.

Recomendação final, ao ver a imagem ou vídeo de um fake DJ, poste a imagem ou o vídeo de um DJ que você gosta de ir nas festas e ouvir o set, simples assim, bless ya!!!

A HISTÓRIA DO HIP HOP

Kool Herc

As Sound System´s Jamaicanas na América



Na Jamaica, uma das culturas mais antigas de sua música é o Sound System, um sistema de som que consiste em grandes caixas de som, muitos discos, um deejay. Deejay esse é o nome dado ao mc na Jamaica, como na época os locures das rádios eram chamados de "dj" de disc jockey e esses mc's falavam no microfone os nomes das músicas, nos espaços entre um disco e outro e também faziam alguns "cacos" (improvisações) entre um verso e outro nas músicas. E o principal era muita gente na rua, se divertindo ao som dos discos compactos sete polegadas e comprando um bebendo, comendo e curtindo. Essa é a essência do Sound System em qualquer lugar do mundo.
Mas diferente do que muitos dizem (e pensam) nessa época não se tocava reggae e sim o Blues, R&B e Soul americano e ganhava o público quem tivesse mais discos vindos dos EUA. 

Um dos primeiros nomes a ficar em evidencia com as Sound System’s na Jamaica foram Clement Seymour “Sir Coxsone” Dodd (1932-2004) fundador da gravadora e estúdio Studio One e Duke Reid fundador do estúdio Treasure Isle e da gravadora Trojan, historicamente esses são os dois mais importantes sound systems e gravadoras jamaicanas. Coxsone e Duke Reid competiram por algum tempo fazendo “batalhas de sound systems”, os famosos sound clashs.

Muitos falam que Duke foi coroado o rei das sounds no final dos anos 50, duvidosa informação, comparar dois trabalhos de tanta qualidade e grandeza é um tanto complicado. Falaremos muito mais sobre esses dois ícones do sound system e do reggae logo mais, mas por agora falaremos sobre a herança que esses dois deixaram nos tempos de hoje como grandes influências no formato das festas, o hip hop.



Os primeiros MC’s (mestres de cerimônia) ou deejays com certeza foram Count Machuki, King Stitt que eram realmente Mestres de Cerimônia. Posteriormente vieram U Roy, I Roy, Early B, Welton Irie, Ranking Joe dentre outros, a técnica do Toasting é muito semelhante ao Freestyle no Hip Hop, nota-se pela métrica compassada na caixa e no contratempo da música. Um dos primeiros Jamaicanos a realmente tentar fazer a junção reggae e hip hop foi Shinehead no início dos anos 80, só que sem muito sucesso de vendas, talvez por ser uma música muito mais underground e de pouca assimilação no mercado Americano - devido ao patois, do que todo o restante do material lançado por eles.



Voltando a Jamaica, no inicio da década de 60, com a larga migração de jamaicanos para diversos países do novo e velho continente, como a Inglaterra principalmente, Alemanha, Estados Unidos, já era de se imaginar que toda a influência do ritmo e da cultura jamaicana migrasse também para esses lugares, com os discos, caixas de som e música, muita música com o volume bem alto.



E como nada se cria do vazio, do nada, e sempre tem alguém que começa a brincadeira, segue abaixo uma pequena biografia do cara que trouxe a sound system de volta para os Estados Unidos, e gerou uma nova Cultura que mudaria o rumo e a vida de muita gente chamada Hip Hop;



Kool Herc

DJ KOOL HERC... batizado como Clive Campbel, se mudou da Jamaica em 1967 com 12 anos de idade, se alojou no Bronx em New York. Seis anos depois, em 1973 sua irmã lhe perguntou se não queria tocar como DJ em uma festa de aniversario num lugar chamado Twillight Zone. Esta foi à primeira festa dele. Herc era o cara que fazia a parte do deejay Jamaicano, o toasting, falando e rimando sobre os instrumentais dos discos, e se tornou famoso por fazer isso no Bronx. Ficou conhecido por ter o maior sound system móvel em New York. Ele pegou um trecho de uma música de James Brown “Give it u por turn it loose” e complementou com “Hip Hop and don’t stop” e com coisas do gênero, daí saiu o termo Hip Hop. Herc foi o primeiro (após Pete DJ Jones) a colocar duas cópias do mesmo disco e manipular as duas, fazendo com que a batida tocasse continuamente. Juntamente com Klark Kent, Coke La Rock e Timmy Tim (The Herculords), Herc tocou em lugares como The Pal, Celeb CLub, Stardust Ballroom, Hoe Ave Boys Club, Harlem World e Black Door, lugares de alto prestigio na época. Ele é parte da trindade do Hip Hop, juntamente com África Bambaata e Grandmaster Flash. Sua voz foi gravada pela primeira vez na música Wack Rap pelo selo Wackies de Lloyd Burnes em 1979, e fez uma aparição cantando no disco do Terminator X “Godfathers of Threatt”. Herc também teve uma pequena participação no filme Beat Street. Ele pode ser visto na capa do disco do Executioners, “Built From Scratch” com D.ST & Theodore.

As Block Party´s



No início dos anos 70 se deu início as Block Party’s*, famosas festas de quarteirão que surgiram com o mesmo intuito das sounds system’s jamaicanas, mas com um algo a mais, os Black Panthers usavam essas festas para atrair pessoas nos bairros pobres e aproveitavam para fazer palestras e manifestos antes dos dj's. 

O esquema era fechar uma rua e colocar um sistema de som pra tocar até de manhã, puxavam a luz de um poste numa “gambiarra” direta e reuniam todos do bairro, a única diferença é que não se tocava o reggae jamaicano, tocava-se Funk (quando cito o Funk falo de James Brown, George Clinton, Bootsy Collins entre outros), Jazz, Soul, o Break Beat. 


Um adendo, a métrica dos mc's e o termo RAP não veio da Jamaica, um grupo afrocêntrico de NY chamado The Last Poets (que incluia Gil Scott-Heron) foram os pais da poesia sobre o ritmo. Eram um grupo de percussão e a poesia era realmente de protesto social e critica sobre o ostracismo da comunidade negra numa época em que o racismo e a política contra os negros crescia absurdamente nos EUA. 

Em pouco tempo já se usava dois toca discos, e o MC já era figura central nas festas, os DJ’s* já tinham uma técnica bem diferente dos Selectas jamaicanos, utilizavam dois discos, fazendo Back to Back, Scratchs e Cuts, mantinham uma frase da música repetidamente enquanto o MC agitava o povo rimando. Com o passar do tempo se criaram Crews, pessoas que se juntavam para fazer as batalhas de rimas, Crews de B.Boys disputavam qual a que tinha a melhor performance na noite.



Muito disso pode ser visto em alguns vídeos como o Zulu Nation, Wild Style entre outros, este último um clássico que mostra todos os elementos do Hip Hop.



Hoje, existe um evento muito importante nos Estados Unidos, o Black August, que relembra muito as origens do Hip Hop. Músicos com letras muito mais conscientes e inteligentes, e menos ostentação como muitos fazem no RAP hoje em dia.



*Dj é a denominação de selectah nos Estados Unidos, por incrível que pareça, os americanos substituíram o nome de selectah devido aos Disc Jockeys da rádio, sim, aqueles que colocavam os discos na rádio se tornaram djs, de certa forma há considerável semelhança. Hoje Dj se tornou uma denominação para a pessoa que tem mais técnica no manuseio do vinil nos toca discos, e se denomina selectah aquele que escolhe as músicas que serão tocadas no sound system, necessariamente em alguns casos o selectah não é quem toca os discos, é quem escolhe realmente.


Os Elementos



A cultura Hip Hop é responsável por varias formas de expressões artísticas, que são chamados de Elementos, o MC que faz o rap, o Grafiteiro que faz a parte gráfica, o DJ que toca a música, e a Dança que tem suas variações nas formas do Breaking, Up-Rocking, Popping, e Locking, e o 5º Elemento que faz com que todos os outros fiquem juntos, o Conhecimento.



Alguns outros elementos também fazem parte do Hip Hop, mas não são tão reconhecidos pelos que não tem tanto apego à Cultura; o Beat Box, as roupas, o comportamento, o empreenderismo... Com o passar do tempo o rap se tornou uma coisa um tanto prejudicial à Cultura Hip Hop, já que alguns segregaram o restante dos elementos, donos de gravadora, rappers que ostentam dinheiro, mulheres e mansões ficaram em primeiro plano no cenário da música, excluindo boa parte do trabalho social e cultural que acontece no Hip Hop. Já que a intenção é falar do hip hop em si, e não para onde e como ele vai seguir daqui pra frente, não vou me estender muito para não falar muito mal da cena rap, tanto sobre os rappers americanos, europeus, e alguns brasileiros também. Termino esse texto com uma frase do Templo do HIP HOP.



Rap é uma coisa que você faz, Hip Hop é uma coisa que você vive.

Por

Ras Wellington - underground_roots@yahoo.com.br