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quarta-feira, 3 de março de 2021

UMA NOVA EXPLORAÇÃO DOS ÁLBUNS DE SUN RA

Ilustração: Robert Beatty

Talvez tenha sido escrito com o brilho das estrelas - ou, mais provavelmente, predito na escuridão que os cerca! Nos últimos anos, o crescimento da admiração coletiva pela música, arte e filosofia do tecladista e compositor Afrofuturista Sun Ra, e sua banda The Arkestra, foi fenomenal de se ver, igualado apenas pelo volume de suas próprias gravações disponíveis.

A busca pela discografia de The Sun Ra de décadas de status cult de estranheza em direção aos arredores do cânone do século 20, sem dúvida, foi ajudada pelo fato de que a The Sun Ra Arkestra permanece em uma unidade totalmente ativa, mesmo 27 anos após a morte de seu fundador (graças em grande parte ao liderança do saxofonista de 96 anos, Marshall Allen). No entanto, entre os aspectos mais curiosos desta jornada está o quanto da excentricidade de Sun Ra permaneceu intacta - o interesse que ele ganhou, não apesar disso, mas principalmente por causa dele - e como atraiu uma infinidade de perspectivas contemporâneas. Ouça os álbuns de Sun Ra em 2021 e seu trabalho pode ser corretamente colocado em uma infinidade de quadros.

Não é exagero dizer que Sun Ra expandiu a tradição da música criativa moderna e se tornou central para reavaliações mais amplas da arte afro-americana e de vanguarda do pós-guerra; que ele indiscutivelmente semeou as sementes do pensamento afrofuturista e utópico, enquanto defendia um universalismo preto centrado na auto-sustentabilidade e na história da arte-política, enquanto empregava um espelho de trapaceiro na supremacia branca. O Arkestra, por sua vez, tornou-se um exemplo de autonomia DIY (do it yourself / faça você mesmo) de longo prazo, incorporando a linha histórica de performances musicais experienciais, sendo teatrais antes da era “exótica” ao reinado de Tik Tok. O nome de Ra pode surgir em conversas sobre as raízes do free jazz ou do techno - sua música é a prova de ambos.

Na verdade, a grande quantidade de gravações que Sun Ra deixou - além de novas peças descobertas em seus próprios arquivos ou nos arquivos de outras pessoas, e compilações temáticas reformulando a obra - é a principal razão para a amplitude de interpretações de seus muitos impactos e de The Arkestra. Sun Ra dirigia sua própria gravadora (El Saturn Records); fez sessões para outras gravadoras e material licenciado para elas; constantemente gravava concertos e aparições no rádio, mas também permitiu que outros o gravassem. Todo aquele material propagava autossuficiência e uma abordagem indiscriminada para qualificar a arte. A canonização certamente NÃO era o ponto, e “Ótimo” freqüentemente poderia ser encontrado ao lado de “Morno” - a subjetividade sendo uma amante tão cruel quanto o tempo.

Desde nosso último guia para ouvir Sun Ra em 2017, houve mais de 50 novas adições ao catálogo disponível no site. Para o bem da sanidade, só considerei aqueles que foram adicionados desde então - e mesmo assim, deixei de fora muitas sessões dignas ao vivo e de rádio.


88 Keys to the Kosmos: Solos, a Duet and a Trio



Em algum nível, a ideia de discos solo de piano de Sun Ra é bastante natural: Herman “Sonny” Blount foi um prodígio do piano em Birmingham e sua destreza no instrumento (movendo-se perfeitamente de sútil ao agressiivo para ondas vulcânicas semelhantes ao som de Cecil Taylor), que podiam ser ouvidos na maioria das apresentações do Arkestra, muitas das quais com momentos de Rá desacompanhado. Por muito tempo, os dois volumes de Monorails and Satellites (originalmente lançado do “final dos anos 1960”) foram seus álbuns solo de piano mais conhecidos, e a nova versão adiciona um terceiro volume. Embora geralmente apresentem um Rá contido, exibindo principalmente originais de swing meditativos (como "The Eternal Tomorrow"), até com a aparência da eletrônica ("Astro-Vision") ou um impulso em direção à atonalidade ("Calundronius" que soa como Gershwin picado), (Ra) nunca parece estar longe.
 
Um conjunto de álbuns na segunda metade da década de 1970 viu Ra retornar aos teclados solo, às vezes de maneiras únicas. Ambos Solo Piano, Vol. 1 (estúdio 1977) e St. Louis Blues (ao vivo 1977) foram produzidos pelo pianista Paul Bley; e ambos apresentam uma mistura de originais e padrões onde as duas abordagens de tocar - é livre, buscando ao lado do melódico e descontraído - estão intimamente integrados. (Descubra os blues abstratos de fios soltos na versão de Solo de “Sometimes I Feel Like a Motherless Child.”.) O piano solo anteriormente não editado no WKCR de 1977 foi gravado uma semana depois do St. Louis Blues, e junto com a mistura familiar de originais e padrões inclui quatro improvisações dramáticas. Essa mistura de material também está presente no Solo Keyboards gravado não oficialmente, em Minnesota, em 1978 - três das apresentações não são no piano, mas em um sintetizador Crumar, que adiciona um brilho elétrico e tributários futuristas a "Motherless Child". A gravação solo mais recente, Haverford College Solo Piano 1980, também é um nome impróprio, já que Ra executa o concerto inteiro em uma Fender Rhodes, criando pontes naturais entre "Space is the Place" e "Somewhere Over the Rainbow", invocando então efeitos sonoros de Star Wars na segunda de duas improvisações originais.

A exploração de Sun Ra no ambiente livre resultou em dois outros álbuns exclusivos neste período. Visions é uma adorável dupla curiosidade de 1978 com o vibrafonista Walt Dickerson, um convidado em uma das faixas de Haverford que é creditado em todas as sete composições. A maioria é despojada e cheia de interação fácil, as exceções sendo “Utopia” e “Prophesy” - nas quais sons de sintetizador, rabiscos de piano e grupos de outro mundo tocam em contraponto. A única sessão de trio de piano da carreira de Sun Ra, God Is More Than Love Can Ever Be, de 1979, é muito mais do que uma curiosidade. Com Samarai Celestial (também conhecido como Eric Walker) na bateria e Hayes Burnett no baixo, o álbum abraça a acessibilidade da forma em sua plenitude ("Magic City Blue" é um boogie-woogie exuberante), sem nunca se esquecer de se esticar em várias direções (o propulsão de “Blithe Spirit Dance” é conduzida por todos os três músicos). Esta merece maior aclamação.


In the Shadow of ‘Space’: The ABC/Impulse! Years



Após o sucesso comercial do álbum Space Is The Place de 1972, Sun Ra assinou um contrato com o famoso selo Impulse!, um acordo ambicioso que deveria incluir o licenciamento de antigos lançamentos da Saturn Records para reedição, bem como a criação de novas gravações. As coisas não correram como planejado. Depois que o primeiro álbum do acordo, Astro-Black de 1973, fracassou, o acordo desmoronou; no entanto, outros títulos chegaram ao mercado, e a música da Arkestra gravada para o Impulse! encontrou seu caminho para lançamentos futuros. (Uma recontagem completa desse assunto confuso é parte da biografia crucial de Sun Ra de John Szwed, Space Is The Place.) Na verdade, esse período na existência terrena da Arkestra (1972-74) viu Rá e o grupo fazendo parte das gravações de estúdio mais intrigantes de sua “carreira”, abraçando o barulhento, eletrônico e discordante. Vários álbuns desse período agora estão disponíveis digitalmente - ou organizados - pela primeira vez.

Aparentemente, a música mais "famosa" deste período é, na verdade, um nome impróprio: uma sessão de 1972 lançada em 1993 como Space is the Place: Music for the Film não é a trilha sonora do filme cult que parece ser, embora tenha sido gravada como tal; no entanto, inclui versões novas / diferentes de alguns dos materiais mais conhecidos de Sun Ra interpretados por uma Arkestra de 12 peças "compacta". Por outro lado, a Discipline 27-II de outubro de 1972 é totalmente original, abrangendo as muitas notas e rotas que até então fizeram de Rá e sua banda exploradores musicais. É expansivo (mais de 20 músicos e cantores); percussão e voz pesada; livre e oscilante; celestial, engraçado e filosófico, com uma suíte poética de 24 minutos que dá título ao álbum e é seu coração pulsante. Um clássico.
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Crystal Spears é algo completamente diferente. Gravado inverno / primavera de 1973 e planejado para pelo selo Impulse! de 1975. O lançamento (mas arquivado pelos "termos" da gravadora), abre com um surto emocional de sintetizador e órgão barulhento, perambula em território tradicionalista orientado para a canção apenas por um momento ("Eternal Sphynx"), e se transforma em um percussivo, crescendo psicodélico, e não é para os fracos de coração. The scattered Cymbals / Symbols Sessions (New York, 1973), todos reunidos aqui pela primeira vez, são gravações irmãs de Spears; mais estruturados em sua interação de uma Arkestra relativamente pequena, espinhosa e elétrica em espírito. Apenas a troca entre o sax tenor de John Gilmore, Sun Ra no órgão e o baterista Harry Richards na curta "Universe Is Calling" parece um momento estabelecido.

Também gravado no inverno de 1973, Pathways to the Unknown foi lançado pela Impulse! em 1975, encerrando a experiência do rótulo. Também soa como uma peça, de "fora" tocando cheio de espaços para digressões carregadas de pequenas combinações, explosões de banda completa ou longos solos externos (Gilmore e Allen no recém-adicionado "Intrinsic Energies"). Melodias e estruturas extensas são difíceis de encontrar. A única exceção é "View From the Mountain Top", um trecho de três minutos adicionado à reedição, onde o órgão de Ra, o tenor de Gilmore e o clarinete baixo de Eloe Omoe criam um clima mais focado. Seja a disposição, as circunstâncias ou o estúdio, Sun Ra e o selo Impulse!, a música abraça uma distopia que suas outras (canções) eras apenas reconhecidas.


Time Travelers & Super Heroes: Oddities & Curiosities



Uma das razões pelas quais o personagem e a música de Sun Ra sempre se destacaram foi a variedade de informações contidas em ambos. Ele foi um ímã, um tradutor e um construtor de utopias, com uma ampla gama de interesses esotéricos; mas também um músico altamente qualificado e intransigente, um líder de banda consumado que liderou uma orquestra desde os seus 20 anos, impulsionado a levar sua filosofia e som ao maior público possível. A mistura desses atributos criou uma cosmologia poderosa. Também levou Sun Ra por caminhos criativos incomuns em direção a destinos longínquos, enquanto o colocava em contato com outras grandes mentes. Somos abençoados por ele ter gravado muitas dessas discursões.

Há, por exemplo, a versão expandida de With Pharoah Sanders & Black Harold, uma gravação de um concerto de 1964 no Judson Hall de Nova York que marca o único documento da época do grande saxofonista tenor com a Arkestra. Uma nova versão expande o conjunto histórico original em quatro números, apresentando Sanders alguns meses antes de se juntar ao grupo de John Coltrane - e já em pleno vôo. A versão de Sun Ra de compromisso com a libertação preta também o colocou em contato com artistas do então incipiente Movimento das Artes Negras, principalmente com o acompanhamento de Arkestra de 1968 da peça do escritor Amiri Baraka,  A Black Mass. The Ankh and the Ark apresenta outra peça de evidência do envolvimento de Rá com essa tradição literária, uma entrevista em 1966 com o grande escritor e defensor de Arkestra; Henry Dumas (que seria morto por um policial de Nova York dois anos depois). A conversa mostra a visão de mundo de Rá então atual, com Dumas como um poderoso interlocutor. The Stranger: A Radio Play (por volta de 1968) é o som do Arkestra como uma banda de trabalho no estranho contexto do teatro de rádio, fazendo tudo o que era necessário para sobreviver, mas incapaz de salvar a apresentação medíocre com sua partitura exótica . O álbum Batman & Robin de 1966, creditado a "The Sensational Guitars of Dan and Dale", também mostra os membros de Sun Ra e Arkestra (bem como membros do Blues Project de Al Kooper) fazendo um show por dinheiro; mas esta - uma sessão rápida produzida por Tom Wilson (que tinha acabado de trabalhar com Bob Dylan e estava prestes a gravar The Velvet Underground & Nico) - é uma piada, apresentando não apenas a música tema, mas versões instrumentais dos sucessos do da época (sob títulos amigáveis ​​ao Batman), tocados como R&B rudimentar.

O Egito desempenhou um papel central na mitologia de Sun Ra desde o início - inspirando seu nome adotado e fornecendo a ele uma história cultural centrada no preto e um mapa estelar que literalmente mudou sua vida. Portanto, não é surpresa que o Egito fosse um dos destinos musicais de seus sonhos, um sonho que se tornou realidade em dezembro de 1971. O enorme conjunto Egypt, 1971, compila todas as gravações disponíveis da primeira viagem histórica da Arkestra ao Norte da África, quatro notáveis horas de música, com Rá confiando fortemente em teclados eletrônicos - muitas vezes tocando longas passagens solo, prototecnologia - ouvindo o ruído galvânico de seu  perído que se aproxima do selo e gravadora Impulse!. Sun Ra voltou duas vezes ao Egito no início dos anos 80 e, ao fazê-lo, em 1983, ele e o Arkestra foram para o estúdio com o baterista / compositor Salah Ragab, uma das principais figuras do "jazz" do país. O EP de duas faixas resultante, "Egypt Strut" / "Dawn", é o Arkestra em seu modo de banda de boogie posterior, com tonalidades do norte da África.

Uma vibração de pista de dança ainda mais intensa pode ser encontrada em On Jupiter, de 1979, uma espécie de disco irmão do Lanquidity do ano anterior. Aquele álbum da Arkestra universalmente amada, gravada com o famoso produtor nova-iorquino Bob Blank, é um ponto alto na música amigável para DJs que tocam Sun Ra; mas para o meu dinheiro empalidece com a música "UFO" em On Jupiter’s, uma música deliciosa e funky (cortesia do baixo elétrico fornecido pelo co-escritor Steve Clarke) que casa o olhar espacial do líder da banda com as profundas ruminações da era. On Jupiter é tanto uma fatia clássica da Arkestriana quanto um reflexo de seu momento musical e, portanto, parece simpático ao Swirling do ano passado, o primeiro álbum novo da Arkestra em duas décadas. Essas reinterpretações com muitos vocais do songbook original de Sun Ra e Arkestra antecipam nosso estado contemporâneo (veja a cappella "Sea of ​​Darkness", uma ótima leitura de "Seductive Fantasy" de On Júpiter) ao mesmo tempo em que parece atemporal.


Chopped: Thematic Compilations 



Finalmente, um dos grandes aspectos de agora ter toda a produção de Sun Ra administrada por uma única entidade legal, Sun Ra LLC, é que o imenso (e crescente) arquivo que pode ser recontextualizado de várias maneiras, permitindo mais reconsiderações temáticas. Um punhado de álbuns com compilações recentes fez exatamente isso, alguns destacando membros individuais da Arkestra, outros envolvendo partes específicas do repertório do grupo.

As compilações que homenageiam o trabalho da cantora June Tyson (Saturnian Queen of the Sun Ra Arkestra) e do saxofonista tenor John Gilmore (Kosmos in Blue and Blues at Midnight), dois dos músicos centrais e mais antigos do grupo, dão a eles seus tributos em um maneira que a história da música popular não mudou. Tyson foi o único membro feminino de longa data das bandas de Sun Ra durante seu mandato de um quarto de século. Ela era dançarina, coreógrafa e vocalista, mas o mais importante, era a voz universal da razão e da humanidade transmitindo as filosofias cósmicas do líder da banda - muitas vezes com um toque de humor atrevido (ouvir "Outer Spaceways Incorporated") que raramente fazia parte da abordagem do próprio Rá. Gilmore foi um dos músicos do Arkestra cuja presença tornou impossível para os tradicionalistas do jazz descreverem totalmente o grupo como uma espécie truque. John Coltrane amou o tom de Gilmore tanto que ele modelou o seu próprio som depois dele; Gilmore também foi membro da Art Blakey’s Jazz Messengers em meados dos anos 60, antes de se comprometer totalmente com a Arkestra. Com base nas gravações de Sun Ra dos anos 1950 e início dos anos 60, os compositores gêmeos defendem Gilmore como um grande saxofonista da era do hard-bop, tocando as mudanças em vez de pular galáxias sonoras. (Embora ele pudesse, é claro, fazer as duas coisas.)

Coleções baseadas em temas sônicos desconstroem o pensamento musical de Sun Ra, de acordo com muitos, que o próprio grande compositor pode ter considerado menos diversas categorias, considerando mais como ingredientes. Por exemplo, não há mentira em nomear uma compilação de 25 faixas de Sun Ra Exotica, expressando sua admiração pelo kitsch de "audição fácil" de Les Baxter, ou a apropriação de locais musicais e efeitos sonoros de alta fidelidade, como tendência, em vez de como fonte de material para o universalismo de Ra. Claro, números como "Tiny Pyramids" e "Cha Cha in Outer Space" se encaixam confortavelmente ao lado de coquetéis de guarda-chuva e modismos do dia, mas eles estão na verdade se preparando para o ensopado de alma multidimensional da Arkestra; assim como seu trabalho misturando doo-wop, R&B urbano e swing de big band que fez seu nome como músico em Chicago no final dos anos 40 e 50.

Space Age Rhythm & Bop (1950) apresenta Sun Ra como escritor / produtor / arranjador / e engenheiro da parada de sucessos local do dia, polvilhando poeira estelar em material numa miscelanea como o rosnado violento de Yochanan; "Hot Skillet Mama". Sua entrega lírica e propósito comunicam-se diretamente décadas depois. Usando quase 40 anos de gravações, em uma variedade de configurações, Sun Ra Plays Gershwin realiza outro tipo de recontextualização, mostrando um radical americano engajado em um dos amados clássicos do país. A leitura ao vivo inédita da Arkestra em 1979 de "Rhapsody in Blue" abre com uma improvisação de piano solo estendida sobre seu famoso tema, seguida por uma versão turbulenta - um triunfo de quem está de fora, dando um novo significado em um padrão antigo e alegre. Que Sun Ra tocou o “Blue” mais legal do que George Gershwin não é preciso dizer.

quarta-feira, 26 de julho de 2017

A INCRÍVEL EVOLUÇÃO DE MILES DAVIS


Poucos artistas incorporaram o som e o ethos de todo o gênero da maneira que Miles Davis fez com o jazz. Quando a carreira de Davis começou, mesmo a mudança dos sons iniciais do início do século XX, do bebop para os tons descontraídos do cool jazz foi considerado um movimento altamente controverso, no final da vida ele liderou sua banda em improvisos de mais de 30 minutos em cumplicidade psicodélica, empurrando o gênero sempre no futuro, enquanto se inspiraram de qualquer estilo adequado à sua fantasia. Até mesmo o seu trabalho mais relaxante soa com toda a energia criativa de um verdadeiro inconformista, e suas visões poderosas sobre o que o jazz poderia suportar em sua vivacidade até hoje.

Como uma voz emergente na cena do bebop de Manhattan nos meados da década de 40, Davis originalmente se distinguiu com seu estilo irônico de trompete suave e minimalista, considerando a audácia que se tornou seus empreendimentos no jazz. Sua primeira grande mudança estilística veio com seu desenvolvimento de cool jazz, encarnado no mais famoso álbum de 1957; Birth Of The Cool, uma compilação de sessões de 1949-50. Mas mesmo este som não conteria Davis por muito tempo - até o final dos anos 50, ele se tornou um firme colaborador com o arranjador de Big Band, Gil Evans, gravando várias obras-primas de jazz de orquestra como Porgy and Bess and Sketches of Spain, Bem como o documento definidor do modelo de jazz (e, possivelmente, o jazz em geral), Kind of Blue.

A partir daqui, Davis apenas forçaria os limites de seu ofício ainda mais, e os sons de pós-bop soltos e difíceis de definir, como Miles Smiles e Nefertiti, acabariam por florescer os incansos elétricos e de rocha de In The Silent Way e Bitches Brew, dois álbuns que inauguraram Davis nos anos 70 completamente desprovidos de qualquer noção de tradicionalismo ou limites. À medida que os arranjos e performances de Davis ficaram cada vez mais frenéticos (veja o funk amorfo de On The Corner ou a fusão fluente de Agharta), sua saúde também começou a declinar, o que resultou em um hiato que durou até os anos 80, sobre o qual Davis retornou para uma última série de registros alimentados por sintetizadores e tambores (incluindo o "rap-crossover Doo-Bop") antes de falecer em 1991.

A marca que Davis deixou na música é surpreendente. Suas reflexões de jazz são tão ternas e enigmáticas em igual medida, e abordar toda a sua carreira não é um feito pequeno. Mas explorar a música de Miles Davis é entender o estado de mudança da cultura na América, para ver as formas em que nossas fronteiras se materializaram e se dissolveram à medida que o tempo marchou, e para entender como a insanidade desencadeada de um álbum póstumo, como o de 1977; Dark Magus pode secretamente se preparar sob a calma majestosa dos primeiros trabalhos como Milestones o tempo todo. A carreira de Davis pode ser assustadora, mas a beleza é que não existe um lugar errado para começar - não importa onde se decida pegar o fio, há inúmeras revelações.


Por Sam Goldner - Publicado originalmente @ http://www.the-dowsers.com/playlist/amazing-evolution-miles-davis/




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