STUDIO 17: THE LOST REGGAE TAPES (Studio 17: As Fitas Perdidas, em tradução livre) conta a história convincente dos Chin's - a família chinesa-jamaicana por trás do “Studio 17”. Localizado no centro de Kingston, o Studio 17 se tornou um estúdio de gravação lendário bem no centro da revolução musical que começou após a independência da Jamaica da Grã-Bretanha em 1962.
No final dos anos 1950, Vincent Chin estava trabalhando para uma empresa de jukebox, trocando discos usados por toda a Jamaica. Os discos usados geralmente eram jogados fora, mas Vincent teve a brilhante ideia de vendê-los por um preço reduzido. Ao seu lado desde o início estava Pat Chin (Miss Pat), que desistiu da enfermagem para se juntar a Vincent enquanto ele viajava pela ilha. Juntos, eles criaram a “Randy’s Records”. Um espírito de empolgação começou a tomar conta da Jamaica com o início da independência e, em 1962, Vincent produziu seu primeiro disco, “Independent Jamaica” com Lord Creator, um cantor popular e carismático da época. “Independent Jamaica” se tornou um grande sucesso e lançou Vincent Chin na produção de discos.
A revolução musical da Jamaica havia começado e o “Ska” nasceu. "My Boy Lollipop" de Millie Small se tornou um sucesso global. Com as vendas de discos em alta e o sucesso de “Independent Jamaica” por trás deles, os Chins construíram um estúdio em cima da loja “Randys” conhecido como “Studio 17”. Eles haviam criado uma produção totalmente integrada e um ponto de venda.
No início, os artistas que gravaram no Studio 17 incluíram Bob Marley & the Wailers, Lee “Scratch” Perry, Peter Tosh, Gregory Isaacs, Dennis Brown, Alton Ellis, Carl Malcolm, Ken Boothe, Jimmy London, The Skatalites, Lord Creator e muito mais. Mas dramaticamente, a turbulência política no final dos anos 1970 forçou a família Chin a fugir da Jamaica para Nova York e as gravações foram abandonadas. Vincent e Pat estabeleceram a VP Records (nomeada após as iniciais de seus primeiros nomes). E a VP é agora o maior distribuidora independente de música reggae do mundo.
Quarenta anos depois, um tesouro de fitas originais do Studio 17 foi resgatado para revelar gravações únicas e impressionantes da "era de ouro" do reggae, muitas das quais não lançadas e algumas nunca ouvidas antes. À medida que as fitas são tocadas, elas dão origem a uma miríade de histórias maravilhosas contadas por Clive Chin, filho e protegido de Vincent. Em uma conclusão altamente comovente, a voz adolescente do falecido Dennis Brown é lindamente remixada com os vocais de uma estrela adolescente em ascensão, Hollie Stephenson, tudo magicamente orquestrado pelo produtor e uma vez estrela do Eurythmics, Dave Stewart.
Filmado na Jamaica, Nova York, Hamburgo e Londres, o filme inclui entrevistas com Jimmy Cliff, Lee “Scratch” Perry, Dave Stewart, Sly Dunbar, Ali Campbell, Ernest Ranglin, Carl Malcolm, Lord Creator, Bunny Lee, King Jammy, Jimmy London , Lester Sterling, Rico Rodriguez, Clive Chin, Pat Chin, Maxi Priest, Lester Sterling e muitos outros.
O DJ de reggae britânico David Rodigan foi um dos que prestaram homenagem, descrevendo o U-Roy como “o paradigma da música jamaicana ... Sempre tive admiração por ele; o tom de voz, a cadência, o brilho lírico e a equitação rítmica fizeram dele o ‘aventureiro da alma’.” Ali Campbell, do UB40, saudou U-Roy como "uma verdadeira inspiração, [abrindo] o caminho para muitas gerações e criando um som que viverá para sempre!" Shaggy disse: “Hoje perdemos um de nossos heróis!!”
O Rapper Ghostpoet tuitou: "Eles não estão prontos para o seu brinde no céu."
U-Roy não foi o primeiro deejay, mas ficou conhecido como “o criador” por ser o primeiro a colocar seu estilo vocal distinto em um disco, gerando um fenômeno e inspirando a criação do hip-hop. “Sua voz rica proclamou letras fervilhantes e saturadas de flow em vez de simplesmente inserir algumas frases”, escreveu um crítico do Reggae Vibes. "E, além disso, ele percorreu toda a trilha instrumental reduzida (os espaços entre vocal e instrumental), em vez de interferir em pontos cruciais."
U-Roy nasceu Ewart Beckford em Kingston, Jamaica, em 1942. Sua família era musical, sua mãe se apresentando no coro de uma Igreja Adventista do Sétimo Dia local. Ele começou a trabalhar como DJ aos 14 anos. "Minha mãe costumava me dizer: Por que você não apara e faz a barba porque vai ficar muito mais bonito menino?" ele disse ao United Reggae. “E eu costumava dizer:‘ Escute, mãe, eu não te disse para não ser adventista do sétimo dia. Eu não disse para você não tocar aquele órgão naquele coro. Vou fazer o que tenho que fazer e não vou desrespeitar você. Mas o que eu acredito é o que eu acredito.”
Ele começou sua carreira profissional em 1961, tocando no sistema de som de Dickie Wong, que dirigia a gravadora e clube Tit for Tat (onde Sly Dunbar conheceu Robbie Shakespeare) em Kingston. Ele mudou de sistema de som antes de um período como o DJ principal do King Tubby’s Hometown Hi-Fi no final dos anos 60.
As versões dub de instrumentais alongados de King Tubby criaram o espaço para U-Roy expandir seu estilo vocal inventivo. “Foi quando as coisas começaram a melhorar para mim”, disse ele ao LA Times em 1994.
U-Roy: Wake the Town
No livro Yeah Yeah Yeah: The Story of Modern Pop de Bob Stanely, o cantor Dennis Alcapone descreve seu testemunho de como a dupla era tocando ao vivo. “Ele (King Tubby) e U-Roy começaram a festa normalmente, e depois de um tempo ele tocou You Don't Care dos the Techniques, então mudou para a versão dub e, depois de algumas falas, tudo que o público pôde ouvir foi ritmo puro. Então U-Roy veio cantar e eles enlouqueceram. ”
Em 1969, U-Roy fez suas primeiras gravações, com Keith Hudson, Lee Perry e Peter Tosh, embora sua revelação ocorresse um ano depois, quando John Holt testemunhou U-Roy discotecando e cantando com a música de John Holt; Wear You to the Ball, e disse ao produtor Duke Reid para trabalhar com ele.
A parceria gerou três sucessos imediatos, Wake the Town, Rule the Nation e Wear You to the Ball, bem como mais duas dúzias de singles, e inspirou uma onda de produtores que buscam trabalhar com DJs em discos. “Antes disso, o negócio de DeeJays não era algo que as pessoas levavam a sério”, disse ele ao LA Times. “Eu realmente não levei a sério. As pessoas realmente não estavam acostumadas com essas coisas.”
U-Roy lançou centenas de singles ao longo dos anos 70, incluindo uma série de sucessos com Bunny Lee. Um acordo com a Virgin o levou ao álbum Dread in a Babylon, produzido pelo Prince Tony Robinson. Isso impulsionou a popularidade de U-Roy no Reino Unido, onde Joe Strummer era considerado um fã.
Do outro lado do Atlântico, DJ Kool Herc e Coke La Rock abordaram o som de U-Roy e Kingston em suas festas no Bronx para diferenciá-los da cena disco de meados dos anos 70, improvisando com um Space Echo e inventando suas próprias gírias. O bloco de apartamentos de Kool Herc no Bronx viria a ser reconhecido como o berço do hip-hop.
Enquanto atuava como intérprete na década de 1980, U-Roy dificilmente gravou novamente até 1991 - quando ele se mudou para LA - quando o produtor britânico Mad Professor o convidou para participar do álbum True Born African. Isso gerou outra parceria criativa duradoura. O último álbum de U-Roy, Talking Roots de 2018, também foi produzido por Mad Professor. “Eu tinha 15 anos quando ouvi a Version Galore e queria trabalhar com o U-Roy”, tweetou o Mad Professor na quinta-feira (18.02.2021).
Em 2019 foi “coroado” por Shabba Ranks em Nova York, que o chamou de “di Picasso da nossa música”. Naquele ano, ele também gravou um novo álbum, Gold: The Man Who Invented Rap, com Sly e Robbie, Zak Starkey na guitarra e Youth of Killing Joke na produção, com participações de Mick Jones do The Clash, Santigold, Shaggy e Ziggy Marley entre outros. A data de lançamento está planejada para o verão deste ano.
Refletindo sobre sua mensagem, U-Roy disse ao LA Times: “Acabei de falar sobre a união com as pessoas. Eu realmente não tento rebaixar as pessoas ou algo assim. A violência é muito feia e o amor é muito lindo. Nunca estive na faculdade ou algo parecido, mas tenho um pouco de bom senso, e o que aprendo, aproveito ao máximo sabe.”
No ano passado, tive o prazer de entrevistar um dos pioneiros do dub e reggae: Hopeton Overton Brown, o engenheiro de gravação e produtor jamaicano que alcançou a fama na década de 1980 misturando música dub como The Scientist.
Scientist foi apresentado à eletrônica por seu pai, um técnico em consertos de televisão e rádio. Ainda jovem, ele começa a construir seus amplificadores e a comprar transformadores de (King) Tubby. Enquanto estava em seu estúdio, ele pediu a chance de mixar uma faixa, então se tornou o assistente de Tubby. Seu nome está ligado, mais uma vez, ao estúdio. Durante uma sessão, Tubby disse a Bunny Lee: 'Droga, esse garotinho deve ser um cientista' - referindo-se à proficiência técnica do Scientist . E assim nasceu um nome lendário.
O final da década de 1970 viu Scientist como o engenheiro principal do Channel One, trabalhando em uma mesa de mixagem de 16 canais, em vez das quatro canais que Tubby usava. Seu nome começou a chamar a atenção no início dos anos 1980. Ele lançou uma série de álbuns pela Greensleeves Records com títulos temáticos em torno das conquistas ficcionais do Scientist: lutando contra Space Invaders, Pac-Men e Vampires, mas também vencendo a Copa do Mundo (World Cup). Sua música era tocada pela banda Roots Radics, seus colaboradores mais frequentes.
Não apenas seus lançamentos o colocaram no mapa, mas também suas habilidades únicas de engenharia, que se tornaram uma marca registrada. Ele foi o engenheiro favorito de muitos produtores, para os quais mixou álbuns apresentando músicos como The Roots Radics e Sly & Robbie.
Em 1982 ele deixou o Channel One para trabalhar no estúdio Tuff Gong e, a partir de 1985, começou a trabalhar como engenheiro em estúdios de gravação na área de Washington, D.C.
Após a entrevista, você conhecerá o gênio musical e o prolífico artista por trás do nome The Scientist. De técnicas de mixagem a capas visuais de LPa e o legado de King Tubby, nossa conversa fez um tour por esse impressionante trabalho de engenharia do artista.
Legado do King Tubby e histórias amargas da Jamaica
Minha primeira oportunidade foi no estúdio de Coxsone, e trabalhei entre ele e (King) Tubby. Meu relacionamento com King Tubby era muito bom.
Mas o que eu quero falar são as falsas alegações e fraudes na música jamaicana - Prince Jammy, que também estava no estúdio com Tubby, há algo que deve ser dito quando se trata do álbum temático de ficção científica 'Scientist and Jammy Strike Back'! Jammy nunca mixou uma faixa naquele disco! Era tudo falso marketing para vender álbuns, Jammy não está nesse nível de engenharia. Eu posso dizer isso a ele.
'E o que aconteceu com Strike Back acontece hoje em dia também. Os produtores estão fazendo todos os tipos de truques de marketing para atrair compradores.'
Eu me tornei professor desses caras. Tem muita pirataria acontecendo, depois da morte do Tubby, tinha muitos discos saindo com o nome dele quando era meu trabalho, com minhas mixagens. Por exemplo, 'King Tubby's vs Channel One in Dub' é uma fraude completa, e nós desmentimos isso. Tubby tinha uma máquina de quatro canais e, quando você ouve o reverb, pode ouvir que é a mesa de mixagem do Channel One. O som de reverberação é exclusivo para cada estúdio neste mundo. O Channel One tem um reverb muito distinto, assim como Tubby.
Quando você tem uma gravação de quatro faixas como a de King Tubby, é impossível separar, por exemplo, o bumbo da faixa de bateria, ou o órgão do resto da seção rítmica. Então, se você tirar a trilha rítmica, você tira o piano e tudo dentro da seção rítmica, como piano, órgão, guitarra base, o mesmo para a bateria, você não pode tirar a bateria sem tirar a percussão. agrupados com a bateria no momento da gravação. É impossível fazer isso com um gravador de quatro canais. Mas no álbum pirata Tubby, que foi mixado por Peter Chemist, você pode ouvir a faixa do órgão separadamente. O que acontece com esses produtores é que eles ficaram sem ideias, então recorreram à pirataria. Além disso, as mixagens são tão embaraçosas que parecem que meu vizinho do lado ou algum cara bêbado mixou aquele álbum.
Cada engenheiro, produtor e mixer lá fora na história da música tem uma assinatura única. As pessoas os amam por sua assinatura. Nesse álbum, nada soa como Tubby, e novamente a mesma coisa aconteceu com o álbum 'Dangerous Dub', onde supostamente 'King Tubby Meets the Roots Radics'. Isso é uma fantasia. Tubby nunca mixou nenhuma música com os Radics. O que essas gravadoras fazem é inventar e lançar suas idéias malucas. A pior parte é vender esses discos sob o nome de Tubby e ficar com todo o dinheiro para eles. É uma vergonha e uma vergonha quando eles deveriam ser responsabilizados pelo que estão fazendo.
Desastres acontecem na indústria musical. Já vi músicos acabar sendo indigentes e sem-teto, enquanto as gravadoras, com sua moral pobre, mantêm todas o lucro para si. Quando eles têm a oportunidade de tirar vantagem, eles o fazem. Você pode considerar um conto de fadas quando ouve aquelas histórias de como muitos artistas de jazz e blues foram recompensados em bebidas pelas gravadoras. Mas também aconteceu na Jamaica. Artistas assinaram papéis que eles não entendem. Os advogados que trabalhavam para as gravadoras estavam fazendo esses contratos imorais. E duvido que alguém renuncie a seus direitos por alguns drinques ou algumas centenas de dólares.
Esta situação tem sido uma vergonha e as coisas estão melhorando lentamente. Pode acontecer novamente amanhã, a menos que o governo mude a lei, então, quando você for assinar um contrato com qualquer uma dessas gravadoras, deverá ter um advogado externo independente. Se o dinheiro for substancial, muito generoso, cerca de 500 milhões de dólares, você poderá entender por que alguém simplesmente desistiria de seus royalties. Eu não acho que ninguém em sua mente consciente assinaria (um contrato cedendo) seus direitos por um donut! Mas a lei é muito vaga agora e os artistas precisam de mais proteção. Quando você vai contra essas gravadoras, elas têm advogados criminais de grande porte. Um advogado sempre visa ser ganancioso e ver quanto pode obter do artista para seus clientes. Isso é o que conta como um bom advogado neste negócio. Você pode ouvi-los se gabando:
Ei, fiz com que os Wailers cedessem seus direitos por cem dólares.
É um advogado desonesto e canalha! Os jamaicanos no passado não tinham ideia do que significava trabalho para alugar. Eles apenas viram pessoas vindo até eles com papéis para assinar. Nos anos setenta, 500 dólares pareciam muito dinheiro. Eles me procuraram com os mesmos papéis e eu recusei. Do meu ponto de vista, no mundo da música há uma necessidade de proteger mais os artistas e as pessoas que colocam todo o esforço e estão fazendo o trabalho duro.
Mesmo que você venda maçãs, a corporação chega até você com um acordo. E parece que você sempre encontra o tipo de pessoa que pega o helicóptero para viajar dois quarteirões até sua casa, enquanto algumas pessoas trabalham e são escravas. Estamos falando de alguém que não perderia 10.000 dólares do bolso, mas que não pagaria um artista ou trabalhador direito.
Reggae e o mundo
Deixe-me colocar desta forma: o reggae é o gênero mais difícil de projetar. Você tem que entender que fui o pioneiro desse som na Jamaica. Depois de fazer tanto trabalho de estúdio no reggae, na Jamaica, do meu ponto de vista, qualquer outro gênero é facinho. Não deixe as pessoas distorcerem isso. O reggae é a referência para todos os gêneros. É por isso que fiz o 'Scientist Launches Dubstep into Outer Space'. Todos eles vêm de nossas inovações de frequências graves e usando a mesa de mixagem como um instrumento. Reggae é muito mais difícil de mixar do que rock, música clássica ou jazz. Todo o gênero (vertente) do reggae estabeleceu os padrões para música de alta fidelidade em todo o mundo.
Quem ensinou o mundo sobre o baixo, as frequências mais baixas, os médios e os agudos adequados? Não era reggae e o dub? Se você voltar no tempo e buscar gravações lendárias em outros gêneros, poderá ouvir alguns grandes artistas com composições incríveis, mas a técnica de gravação e a qualidade não são as melhores. Para mim, trabalhar por tanto tempo na Jamaica com tantos artistas de primeira linha, agora levando músicas para remixar e mixar de outros gêneros é fácil de trabalhar. Como eu disse: facinho.
Mas gosto de ouvir todos os tipos de música. Para mim, ouvir uma gravação é como aprender um idioma. Gosto de ter uma coleção e conferir uma grande variedade de sons e gêneros, mas a composição tem de ser perfeita. Se alguém quiser entrar em contato comigo para trabalhos, pode fazer por meio do meu gerente. Gosto de manter as coisas tão simples e profissionais assim.
Mas pense um pouco sobre isso, o reggae se torna uma música de azarão. Se você for para a América Latina, eles têm música latina, mas também tem reggae. Você vai para a África onde eles têm sua música, mas também tem artistas de reggae, como Alpha Blondy e Jah Tiken Fakoly. Em qualquer lugar do mundo, da Ásia ao Oriente Médio, há reggae. Não se engane, as pessoas ouvem principalmente dois tipos de música: sons que vêm da Jamaica e música que vem da América. Quantos artistas da música chinesa, balinesa, vietnamita você vê no centro das atenções? Corrija-me se eu estiver errado, algum desses países tem música nas paradas?
Muitas culturas incorporaram o reggae em sua música moderna, e as músicas que eles têm nas paradas são sons de reggae. Eu agradeço a isso! É um privilégio ter voz, falar contra a injustiça que está passando ao som do reggae. Está em toda parte, e as pessoas precisam parar de considerá-lo um gênero azarão. Estamos vivendo em um mundo onde algumas pessoas tentam parecer melhores do que outras, como se fossem mais inteligentes. Quem sabe, talvez daqui a cem anos, você encontrará escrito nos livros de história que o reggae foi inventado em algum outro país que não a Jamaica. Eu vi isso através das décadas, bem na frente dos meus olhos, como as pessoas tentaram reescrever o reggae.
Afrobeats e riddims
Quando se trata de respeitar, tenho isso para qualquer cultura e nacionalidade e, portanto, para qualquer gênero musical. Fiz um remix da música 'Body & Soul' do músico nigeriano William Onyeabor, e é respeito isso quando ouço um som que copia a música jamaicana. Então, como eu não as discrimino eu não discrimino os músicos. Claro, todos são livres para fazer seu som e ser influenciado por quaisquer sons e gêneros estrangeiros que quiserem.
Mas não há diferença entre mixar e fazer um dub de Sly & Robbie ou do Roots Radics. Você deve se lembrar, eu mixei muitas músicas com Sly & Robbie e quase todo mundo, então não há uma abordagem especial. Eu mixei, por exemplo, o irmão justo Marvin Gaye, trabalhei sua música 'What's Going On'. Esse tipo de música tem uma ótima composição. Marvin Gaye é insubstituível. Ele foi um compositor e intérprete maravilhoso. Mas, na verdade, o que faltou foi o desenvolvimento tecnológico que foi pioneiro e iniciado na Jamaica. Não quero parecer muito fanfarrão, mas fui o pioneiro nesse tipo de som. Há muito o que aprender com o reggae e o dub. Algumas pessoas não querem engolir. Nosso som jamaicano teve muita influência em todo o mundo em todos os diferentes tipos de gêneros.
As capas musicais e inspirações
Eu vejo a arte da gravação da seguinte forma: você tem que atrair a pessoa para pegar sua música. Muitas pessoas são atraídas pela qualidade da música, mas uma boa arte aumenta a chance de estranhos comprarem sua música quando nunca ouviram falar de você.
Posso comparar ir a uma loja de música a comprar uma camisa. Quando você vai a uma loja de roupas, pode vestir para ver se cai bem em você, mas a primeira coisa é atraente aos olhos. Assim como a cor e o padrão perfeitos de uma camisa, a arte visual é importante para um produto musical. Essa é a primeira atração. Primeiro você precisa ser seduzido pelo que vê e, então, tentar conseguir com seu interesse, ou então seria uma perda de tempo. É aí que entram essas capas de álbuns incríveis de Tony McDermott, Jamaal Pete e Willy Dread.
As pessoas me perguntam sobre isso, o que inspirou Rids the 'World of the Evil Curse of the Vampires'. Quando eu estava crescendo, havia alguns programas de terror na TV, 'Dark Shadows' com o vampiro Barnabas Collins e 'The Munsters' com o Frankenstein Herman Munster. Essas foram as estrelas dos shows de terror clássicos dos anos 60 e tiveram uma influência direta na música e na cultura popular jamaicana.
Gênero, cor, raça e nacionalidade não são ignorados pelo Coronavírus, por exemplo. O Sr. Corona veio e desligou o mundo inteiro. Não importa se você pensa que é um superstar, o vírus não dá a mínima! Não importa quem é seu presidente ou quantas armas nucleares seu governo possui, quantas bombas a mais você pode lançar e qual é seu poder militar. Corona vai chutar sua bunda como se nada estivesse acontecendo.
Então agora é o melhor momento para todos respeitarem a todos. É hora de o mundo se unir como uma comunidade, e os políticos precisam parar com essa loucura de invadir outro país com um exército de soldados bombardeando uns aos outros. No meio, há pessoas inocentes pegas no fogo cruzado. Meu ponto é - vamos respeitar uns aos outros e respeitar a música. Não importa se um gênero deseja copiar o reggae. Se você é criativo na música, que seja para melhor! É assim que vejo o mundo.
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O singjay Dennis Anthony Thomas (nascido em 1964), ficou mais conhecido como King Kong, e é um dos grandes deejay/cantor jamaicano, mais conhecido por seu trabalho no início da década de 1980.
Nascido em Kingston, Thomas gravou pela primeira vez como um deejay nos estúdios da Tuff Gong em 1982, trabalhando inicialmente com o pseudônimo Junior Kong, por causa do seu pai. Seu primeiro single foi "Pink Eye". Trabalhou com GT e montou seu próprio sistema de som do Love Bunch, e gravou para o selo do Firehouse de King Tubby, cantando em um estilo similar ao de Tenor Saw. As primeiras gravações de King Kong para Tubby foram sobre os primeiros ritmos digitais, e incluiu canções como "AIDS" e "Babylon", e o colocou como um artista conhecido. Seu primeiro lançamento foi dividido com outro dos cantores de Tubby, Anthony Red Rose, com Two Big Bull Inna One Pen lançado pelo selo Firehouse.
Durante 1986 e 1987, Kong gravou para vários dos principais produtores da Jamaica, incluindo Prince Jammy, com quem ele lançou seus maiores sucessos com "Trouble Again" (a faixa-título de seu álbum de estreia produzido por Jammy). King Kong também trabalhou com Black Scorpio, Harry J, Errol Thompson, Ossie Hibbert, Bunny Lee e Prince Jazzbo. Enquanto muitas de suas canções tratavam do que acontecia na época, várias de suas canções também tinham temas políticos e culturais.
Ele lançou vários álbuns durante meados dos anos 80 antes de se mudar para Nova York, e depois para o Canadá no final da década de 1980, onde lançou algumas músias pelo seu selo Conscious Music. A morte de Tenor Saw em 1988 levou King Kong a lançar "He Was A Friend" como tributo. Em 1989 ele se mudou para a Inglaterra, e gravou com Mafia & Fluxy e Gussie P no início de 1990. Ele começou a gravar mais regularmente novamente na década de 2000.
Em meados dos anos 2000, King Kong se mudou para a Etiópia onde reside até hoje.
Kingston sempre foi um celeiro decriatividade. No final dos anos 70 e início dos anos 80, no entanto, um grupo de DJs e cantores tinham a cidade particularmente quente. Barrington Levy, Dillinger, Trinitye muitos mais estavam ajudando a mudar o som predominante da cidade - reggae roots - para algo novo. Eles finalmente chamavam de dancehall. Esta é a história de como ele veio a ser o que é.
A
morte de Bob Marley em 1981 é muitas vezes concebida como uma linha de
demarcação, sinalizando o fim do roots reggae e o raiar do dancehall. Mas a música jamaicana nunca foi tão simples assim. Cave um pouco mais e você vai achar que a mudança aconteceu
significativamente mais cedo, com os deejays de West Kingston sendo
os principais catalisadores da mudança.
Durante grande parte dos últimos cinquenta anos, a música popular jamaicana foi tipificada pela transformação. A
maioria dos leitores está familiarizado com o eixo de; ska, rock
steady, e o reggae que estava no núcleo da música antes do advento do
dancehall. Na
verdade, as primeiras gravações da ilha com influência do mento - uma forma popular
indígena de música - e durante a década de 1950, uma forma jamaicana de rhythm
and blues ganhou espaço, o que deu lugar ao ska como o movimento de
independência se reuniram. Em
seguida, o rock steady com a lentidão e ritmo constante dominou. No final de 1968, o
reggae chegou de assalto, com um estilo acelerado dançante com um órgão intercalado. Dentro
de um ano, o ritmo abrandou e o foco mudou para o protesto social e
questões espirituais, produzindo o reggae era raízes, que se estendeu
por toda década dos anos 70. A mudança para o dancehall que se seguiu é sem dúvida a fase mais
crucial da evolução da música, desde que o estilo dancehall dominou, de uma
forma ou de outra, desde então.
Escritores tentaram fixar essas alterações em algo tangível, mas as inovações têm sido muitas vezes espontâneas. É levada a mais do que algumas conclusões duvidosas ao longo do caminho. Considere,
por exemplo, o equívoco muitas vezes repetido de que do rock steady
e seu ritmo lento resultou de um verão jamaicano excessivamente quente - uma
impossibilidade física em um país tropical, com apenas dois tipos de
estações: "chuvosa" e "seca".
U Roy
Em qualquer caso, durante o final dos anos 1970, uma série de mudanças graduais apontou reggae no sentido de uma nova forma. Meados
da década, os Aggrovators, banda de estúdio que se aproveitou o estilo "prato
voador" (flying cymbal) para produções de Bunny Lee, com base no chimbal aberto e
fechado ouvido em MFSB de "The Sound Of Philadelphia" (a música tema
do programa Soul Train); "Flyers",
por sua vez, foi suplantado pelo "rockers", o estilo furioso baseado numa
batida militante desenvolvida por Sly Dunbar no estúdio Channel One. Depois,
houve o aumento inesperado do deejay - esses rappers com o microfone em
sistemas de som, conhecidos como MCs na cultura hip-hop - que passaram de
figuras incidentais que conversavam entre as músicas para estrelas de
gravação, cuja produção era tão importante quanto a de qualquer cantor. realizações com destaque para U Roy, que se viu coroado "O Criador",
enquanto luminares como Big Youth, I Roy e Dennis Alcapone
tiveram inovações estilísticas que promoveram o seu sucesso.
A
maior parte do estilo dancehall cedo veio através das inovações de
deejays e cantores baseados no entorno de Waltham Park Road, uma artéria
principal que divide guetos proeminentes de West Kingston. West
Kingston sempre foi o local mais importante da inovação musical na
Jamaica: foi o epicentro do ska, o dub foi desenvolvido lá e também serviu
como um ponto de encontro para os Wailers, e inúmeros outros grupos
harmonia. A
maioria das importantes gravadoras da ilha e sistemas de som tiveram
igualmente sede em West Kingston, incluindo Clement Dodd com o Studio One, Treasure Isle de Duke Reid, e o Upsetter de Lee Perry. No
entanto, desde o início dos anos 1960, a área tinha sido também um
ponto de inflamação para a violência "tribalista" - isto é, a atividade
de rua de uma gangue ligada ao apoio dos partidos políticos rivais da
Jamaica, ou seja, o Partido Nacional do Povo de esquerda (PNP), e o
partido de direita Partido Trabalhista da Jamaica (JLP).
Vale
ressaltar que Waltham Park Road tece através de comunidades de ambos os
lados dessa divisão política, e que os fundamentos do estilo dancehall
surgiu durante um dos períodos mais politicamente voláteis da Jamaica. Embora
a maioria dos artistas procuraram sempre ficar acima conflitos de
destruição, vale a pena lembrar que a dimensão política nunca está longe
da cultura dos sistemas de som da Jamaica, especialmente à medida que cada sound tem a sua base em uma mancha particular do gueto que,
inevitavelmente, seria alinhado com um partido.
Linval Thompson
O cantor que se tornou produtor Linval Thompson, foi criado na Three Mile Area (assim chamado
porque está a três milhas a oeste do centro de Kingston, juntamente de
Spanish Town Road), foi um importante prenúncio do início da mudança
através de seu trabalho em West Kingston, com cantores
como Al Campbell e Wayne Jarrett, e deejays como Big Joe, Trinity e
Ranking Trevor, cada um dos quais estava ajudando a mudar o foco da cena
local. "Eu conheci Big Joe de Three Mile, Kingston 13, quando ele estava em algum sound pequeno", explica Thompson. "Depois que eu gravei o meu primeiro álbum, eu fiz um álbum de dub, e então eu fiz um álbum de deejay com Big Joe." A verdadeira fraternidade que existia entre os deejays de West Kingston ajudou o estilo a tomar posse. Antes
que ele se mudasse para a Inglaterra em 1973, o sistema de som 'El Paso' de Dennis Alcapone teve sua residência no Brotherton Avenue, perto de Two Mile,
perto da extremidade inferior da Whitfield Town, um gueto alastrado
associado com o PNP. Assim
como Alcapone teve algumas sugestões estilísticas de U Roy (o
primeiro deejay a chegar topo das paradas na Jamaica), a tutela de Alcapone com
Dillinger em El Paso foi um benefício real para o jovem toater; ele logo se tornou um top deejay em Smith The Weapon, com base em Payne Avenue. Como Dillinger explica: "Eu fui inspirado por U Roy, Alcapone, King Stitt, deejays antes do meu tempo. Eu costumava vê-los no dancehall, para pedir o microfone e fazer minha vez. As pessoas começam a reconhecer que eu sou o próximo campeão."
Dillinger
"Dillinger
costumava vir à minha festa como um pouco de jovens da periferia, e costumava ser muito entusiasmado", observa Alcapone. "Sempre
que estamos tocando, Dillinger ficava sempre ao lado do amplificador, e
quando eu estava cantando, eu podia ouvi-lo fazendo próprio alguma
coisa. Uma
noite ele me perguntar se poderia falar no microfone, então
lhe dei o microfone e eu percebi que ele tinha potencial. Quando eu precisava de uma pausa, se eu quisesse ir e fumar o chalice,
ou ir falar com uma menina, eu daria a Dillinger o microfone e faria ele
falar, e foi assim que ele chegou." Embora
os primeiros trabalhos de Dillinger para Lee "Scratch" Perry fossem um
pouco irregulares, as suas gravações para o Studio One mostram um toque
estilístico, como pode ser ouvido em singles como "Chucky Skank" e "Stop The
War." No momento em que ele chegou no Channel One em 1975, seus vocais eram mais relaxados, e cheios de gírias rimadas em patois fora dos padrões. Um
contrato subsequente com a Island trouxe destaque internacional,
resultando no hit "Cokane In My Brain" (que enxertava letras de um blues
padrão em cima de uma reggae recortado do BT Express; "Do It Til Your
Satisfied"), mas seu amigo Trinity, que Dillinger trouxe para Smith The Weapon, teve maior impacto na Jamaica. "Eu e Dillinger fomos bons amigos, porque nós dois fumávamos o chalice juntos", disse Trinity. "Então, quando Dillinger estava tocando Smith The Weapon, uma noite ele me chamou até o microfone e a multidão ficou selvagem. Um pouco depois, Dillinger me levou para o Channel One e todas aquelas vezes lá, cada canção que eu fiz foi um sucesso."
Trinity era adepto de versar em qualquer ritmo, deixando espaço para respirar,
sempre que necessário, mas nunca permitindo que a ação a caísse. Como
as arestas do estilo rockers eram bem adequadas para seus contos de
vida no gueto, Trinity marcou vários hits locais, incluindo a detenção em
"Jailhouse" e a "All Gone", o último uma gravação impressionante mais
fluida de com base em The Mighty Diamonds", a popular "Have
Mercy." O material lançado por deejays eram bem aceitos naquela área, Trinity sugere,
porque ele e seus colegas estavam constantemente ativos em sistemas de
som, e letras tão espontâneas vinham fácil. "Nós geralmente praticávamos nas festas antes de ir para o estúdio, por isso sabíamos exatamente o que queriamos fazer. Às vezes eu vou para o estúdio e faço em um take. Todos os deejays naqueles dias costumam imitar a mim e Dillinger, porque eu e Dillinger éramos a nata da cultura. Naqueles
dias, Soul Hombre foi um sound da comunidade em Payne Avenue, por
isso, quando saíamos do estúdio, que geralmente vínhamos a Payne Avenue e cantávamos o tempo da tarde para obter a nossa prática: Eu, Dillinger, U Roy,
Clint Eastwood, Leroy Smart e Barrington Levy." Cada
membro dessa equipe desempenhou um papel significativo na evolução do
dancehall, assim fariam outros deejays de West Kingston, como Ranking Joe
e Charlie Chaplin, mas a contribuição feita pelo cantor Barrington Levy
é particularmente importante: quando Barrington expressou "Collie Weed"
no estúdio de King Tubby, em
um gravação contínua do ritmo "Conversation" no Channel One junto com Roots Radics, ele realmente marcou o início de uma era completamente
nova.
Embora ele tivesse apenas 15 anos quando "Collie Weed" se tornou um hit, Barrington já tinha sofrido algumas falsas partidas. Ele gravou com um primo como o Mighty Multitudes, mas o material não levou a nada; depois de voltar para o dancehall, ele teve uma dramática separação. "Eu
e meu primo começamos a discutir sobre dinheiro", explica ele, "então eu fui para o dancehall, para o sistema de som, trabalhando solo, e é aí
que tudo começou: havia um som chamado Burning Spear e um chamado Tape Tone, em Payne Avenue, e uma noite, Leroy Smart estava cantando no sound, e Trinity disse: "Venha aqui jovem! Você pode cantar', e me deu o microfone. Eu cantei 'Shiney Eye Girl" e "Collie Weed" e o lugar ficou louco!"Como a propagação da notícia sobre o cantor no gueto, não demorou muito
para aspirantes a produtor como Henry "Junjo" Lawes se envolver. Um
jovem magro, cujo apelido era referência a um tipo de cogumelo, era um
jagunço do gueto de Waterhouse nas proximidades que tinha sido
anteriormente um executor da lealdade política, antes de Linval Thompson
ajudar a mudar o foco para a produção de música.
Como
Barrington lembra: "Um dia eu fui a um show de talentos e Junjo Lawes
mandou alguém para dizer que Junjo gostaria de me ver, então eu fui ver
Junjo - um cara novo na quebrada - e ele está dizendo que ele tem uma música
que ele gostaria de ver eu a frente cantando. Eu fui para o estúdio e fiz 'A Yah We Deh "e" Collie Weed', e 'Collie Weed' se tornou enorme na Jamaica; minha cabeça estava inchada de tão grande, e eu estava tão feliz. De lá, eu fiz um álbum chamado 'Shaolin Temple' e eles o lançaram na América e chamaram de 'Bounty Hunter.'
Estas
gravações iniciais, algumas das quais foram co-financiadas pelo produtor
sediado em Nova York: Hyman "Jah Life" Wright, são verdadeiros marcos na
história do reggae. Vários
novos elementos se uniram nas sessões: a primeira, o carisma natural do
Barrington, expressado através do estilo vocal incomum que o viu apelidado
de "canário suave", quando prolonga as vogais para enfatizar
certas palavras, enquanto suas letras muito visuais foram entregues com
uma surpreendentemente e ampla gama vocal. Em
seguida, um conjunto de músicos pesados voltados para a frente, com
base no estúdio Channel One, que em breve seriam apelidados de The Roots Radics, apontando o caminho para o futuro do reggae (um spin-off do grupo Morwells que haviam se separado , caracterizado com a solidez do baixista Flabba Holt, o discreto guitarrista Bingy Bunny e o baterista propulsor Style Scott). Além
disso, as inovadoras capacidades de mixar do produtor adolescente (na época) Scientist,
um engenheiro de estúdio de grande talento, que também ajudou o
movimento da música para novas dimensões. E finalmente, o ouvido de Junjo para os estilos que do dancehall local, que manteve o material soando muito mais autêntico do que a
maior parte do reggae comercializado, e destinado a públicos estrangeiros. No Reino Unido, o Greensleeves foi o primeiro selo a dar uma promoção séria para o novo som. Eles lançaram a maior parte das produções de junjo, incluindo álbuns que vieram na sequencia de Barrington Levy; 'Englishman' e 'Robin Hood', bem como o dancehall popular produzido mais cedo por Clint Eastwood, Ranking Joe, Michael Prophet, Wayne Jarrett, Eek-A-Mouse, Toyan e Nicodeemus. "As coisas estavam mudando na Jamaica, e foi uma revelação", diz Chris Cracknell, ex-chefe do selo de A&R. "Quando a música de Barrington Levy'Shine Eye Gal' apareceu, foi como se uma nova era começasse na Jamaica. E com o álbum 'Bounty Hunter', de repente, as pessoas queriam o novo som."
No entanto, Cracknell enfatiza que a maioria das gravadoras fora Jamaica foram muito relutantes em abraçar a mudança. "Havia
muitos outros selos de reggae independentes ao redor naquele tempo,
havia uma cena muito vibrante, mas o interessante era que eles estavam
colocando para fora as raízes e eles estavam lançando o loversrock,
mas o que eles não estavam lançando era dancehall; nos anos de '79, '80, '81, apenas o Greensleeves estava lançando música dancehall neste país. Assim,
em alguns das paradas, estávamos dominando e, em seguida, outras
pessoas começaram a perceber, 'Espera aí, essa música que nós pensamos
que era um lixo está realmente fazendo muito bem, é preciso se envolver
nisso. "É incrível o quanto o mundo da música repercutiria naqueles dias iniciais sobre a música que estávamos lançando." Em
última análise, no momento da morte inesperada de Bob Marley, o estilo
dancehall já havia se tornado uma força imparável, com Yellowman
finalmente coroado o novo rei da música. As
inovações dos deejays de West Kingston e os seus homólogos de canto,
juntamente com a ligação forjada pelo Roots Radics, Scientist e Junjo
Lawes, tinha dado um fruto particularmente potente, as ramificações do
que ainda está indo forte em vários ramos do dancehall de hoje.
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