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terça-feira, 2 de março de 2021

LISTA COM 14 FILMES ESSENCIAIS SOBRE REGGAE PARA ASSISTIR


PEGUE O RITMO DA ILHA VIRTUALMENTE COM ESTES CLÁSSICOS JAMAICANOS


Apesar do Mês do Reggae 2021 ser mantido em servidores e sites de streaming devido à pandemia global, a longa e histórica cultura do reggae da Jamaica continua no cinema.

O tema do país, "Come Ketch de Riddim Virtually", apresentado pelo Ministério da Cultura, Gênero, Entretenimento e Esporte, dá aos nativos, residentes e estrangeiros a chance de celebrar suas raízes e educar as massas também.

A Jamaica é mundialmente conhecida como a meca do Reggae do mundo, um destino imperdível de viagens e turismo e lar de alguns dos restaurantes mais saborosos do hemisfério ocidental. Com o foco do Reggae Month 2021 em “edutainment” (entretenimento educacional), apresentamos 14 filmes que vão além da visão da Jamaica como simplesmente um lugar para se afastar e centralizar as contribuições que os jamaicanos deram ao mundo.

1. The Upsetter: The Life and Music of Lee Scratch Perry (2008)

Um olhar icônico sobre uma das influências mais vitais na música de Bob Marley, The Clash e The Beastie Boys - 'The Upsetter' deve ser adicionado à lista de qualquer verdadeiro cinéfilo. Narrado pelo vencedor do Oscar Benicio Del Toro, este filme narra o arquiteto inovador por trás do estúdio The Black Ark e o pioneiro da música dub. 'The Upsetter' irá prender os espectadores ao mostrar o nascimento e o crescimento do reggae.

Com: Lee “Scratch” Perry, Bob Marley, Peter Tosh
Direção: Ethan Higbee & Adam Bhala Lough


2. The Harder They Come (1972)

Um clássico do cinema jamaicano, se é que algum dia existiu, dizem que 'The Harder They Come' “trouxe o reggae para o mundo”. Seria difícil argumentar contra isso quando você tem um personagem tão cativante como Jimmy Cliff. Os belos visuais capturados por Perry Henzell e os cineastas Peter Jessop, David McDonald e Franklyn St. Juste alcançaram aclamação internacional, tornando este um dos filmes mais importantes do Caribe que você deve assistir com seus entes queridos..

Com: Jimmy Cliff
Direção: Perry Henzell


3. Sprinter (2018)

Um drama esportivo que espelha a vida do ícone olímpico Usain Bolt, Sprinter gira em torno de um atleta passando por problemas familiares. Dale Elliott interpreta Akeem Sharp, um adolescente sobrecarregado por um pai instável e um irmão mais velho rebelde, que espera que o atletismo o reúna com sua mãe. Um filme angustiante que tem Will Smith e Jada Pinkett Smith como produtores executivos, este filme também ganhou os prêmios de Melhor Narrativa e Prêmio do Público no American Black Film Festival 2018.

Com: Usain Bolt, Lorraine Touissant, David Alan Grier
Direção: Storm Saulter


4. The Story of Lovers Rock (2011)

Se você tem amado a série Small Axe de Steve McQueen, então já sabe o quanto Lovers Rock significa para os raggas e para os Rastas. O gênero loversrock é um som exclusivamente negro britânico, e The Story of Lovers Rock é contada por aqueles que viveram e desenvolveram esses lendários choques sonoros. Com Dennis Bovell, Janet Kay e outros transportando-nos de volta ao final dos anos 70 e 80, somos testemunhas de distúrbios, tensão racial e preconceitos que pouco poderiam fazer para silenciar os sistemas de som desses grandes criadores de culturais.

Com: Dennis Bovell, Paulette Harris-German, Janet Kay 
Direção: Menelik Shabazz


5. Made in Jamaica (2006)

O documentário de Jérôme Laperrousaz sobre a música da Jamaica mergulha abaixo da superfície para dar uma olhada sem filtros em alguns dos artistas mais dinâmicos de reggae e dancehall do país. Made in Jamaica foi um grande sucesso quando chegou ao Festival Internacional de Cinema de Toronto de 2006, já que as performances ao vivo e contos confessionais de Capleton, Brick e Lace, e outros músicos, tornaram este filme aclamado pela crítica pelos motivos certos. Se você nunca esteve no centro de Kingston, Made in Jamaica oferece um passeio como nunca antes.

Com: Capleton, Brick and Lace, Stephen “Cat” Coore
Direção: Jérôme Laperrousaz


6. Klash (1995)

As flores devem ser dadas a Giancarlo Esposito e Jasmine Guy por sua aventura no mundo do gangsterismo jamaicano e da cultura dancehall. O longa-metragem de Bill Parker de 1995 é frequentemente esquecido em muitas listas, mas há um atrevimento em Klash, refletido na atuação da dupla como um fotógrafo americano (Esposito) e um gangster em um vestido (Guy). O filme também apresenta performances de lendas do reggae, Ninja Man, Mad Cobra e Shabba Ranks. Apesar do sotaque chaka-chaka de Jasmine Guy, este é um lugar para assistir para quem gosta de boas vibrações na tela.

Com: Giancarlo Esposito, Jasmine Guy
Direção: Bill Parker

7. Champion Sound (2010)

Dos anos 1950 aos 1990, o sistema de som tem sido o começo e o fim de tudo quando se trata do crescimento da música reggae em qualquer lugar do planeta. No Champion Sound de 2010, o documentário mostra o início da cultura do sistema de som no Reino Unido. Apresentando algumas das melhores músicas de todos os tempos e entrevistas inovadoras com pioneiros como JB International, Jad Baddis, El Paso e outros, Champion Sound é contada pelos fundadores para as gerações de controladores de som que chegaram desde então.

Com: Count Spinner, King Baggy HI FI, Black Crusader
Direção: The Heritage Lottery Fund


8. Rockers (1978)

Originalmente planejado para ser um documentário, o estilo e sons de Rockers floresceram em um longa-metragem e mostraram a cultura do reggae em seu auge. Leroy “Horsemouth” Wallace estava autenticamente ele mesmo na frente da câmera de Theodoros Bafaloukos e capturou muitos momentos importantes em tempo real. Desde a gravação de Kiddus I de "Graduation In Zion" até levar o público para os corredores sagrados do Harry J Studios, onde artistas de reggae como Bob Marley prensam os discos de dub, Rockers é ótimo e deve estar no topo de sua lista de filmes sobre reggae e a Jamaica.

Com: Leroy “Horsemouth” Wallace, Monica Craig, Richard “Dirty Harry” Hall
Direção: Theodoros Bafaloukos


9. Marley (2012)

Conter a vida e a carreira musical de Bob Marley no celulóide é um deleite raro, dada a história do maestro e o impacto na música mundial. Feito com o apoio da família Marley, este documentário de Kevin Macdonald apresenta momentos raros e íntimos que tornaram Marley querido por uma legião de amantes da música e da cannabis. Lindamente fotografado e preenchido até a borda com joias do conhecimento, Marley é o relato definitivo do ícone global jamaicano, com um mergulho imersivo em suas raízes e música atemporal.

Com: Bob Marley, Ziggy Marley, Rita Marley
Direção: Kevin Macdonald


10. Holding On To Jah (2011)

O que é uma celebração do Mês do Reggae sem um projeto sobre a Cultura Rastafari? Holding On To Jah é um olhar fascinante sobre a origem do reggae e como o Rasta impactou o gênero. Em alinhamento com Marley, o projeto dirigido por Roger Landon Hall é importante por si só, principalmente graças à cor e aos comentários de uma série de Rastas bem conhecidos. Holding On To Jah é um filme imperdível para quem quer cavar abaixo da superfície e aprender tudo que puder sobre o rastafarianismo.

Com: Prince Allah, Lascelle “Wiss” Bulgin, Watty Burnett
Direção: Roger Landon Hall


11. The Mighty Quinn (1989)

É hora de voltar ao IMDb de Denzel Washington e celebrar alguns de seus filmes menos conhecidos? Eu digo sim. Filmado na Jamaica por Carl Schnekel, The Mighty Quinn foi o primeiro longa de Washington (antes de Glory) e o encontrou como chefe de polícia investigando o assassinato de um milionário. A foto é uma grande chance de ver a jovem estrela antes de sua grande virada e desfrutar de uma emocionante história sobre a intriga da ilha.

Com: Denzel Washington, Sheryl Lee Ralph, Robert Townsend
Direção: Carl Schnekel


12. Beats of the Heart: Roots Rock Reggae (1977)

Esta escolha examina o papel central que o reggae - também conhecido como world music (?)- teve na vida dos sul-africanos negros durante o regime opressor do apartheid. Chris Austin e Jeremy Marre capturam os elementos, os artistas e os eventos que levaram a um documentário de cair o queixo chamado Beats of the Heart. Desde estar na sala quando Paul Simon põe os olhos em Ladysmith Black Mambazo até ouvir The Abyssinians impressionar a multidão com sua música - Beats of the Heart não é para dormir.

Com: Abafana, The Mahotella Queens, Johnny Clegg
Direção: Chris Austin, Jeremy Marre


13. Stepping Razor: Red X (1992)

A trágica história de Peter Tosh e os eventos daquela noite de outono em 1987 ainda são comentados na tradição da ilha jamaicana. Tosh, um membro central da banda Wailers, agora estabelecido como um artista solo de sucesso é homenageado por amigos e familiares que lamentam seu assassinato durante uma invasão da sua casa. Nicholas Campbell captura a emoção crua em Stepping Razor: Red X, explorando a vida, profecias e ativismo político do falecido grande herói folk jamaicano. Assista a este para aprender os pensamentos íntimos de Tosh por meio de vídeos raros de shows e entrevistas com amigos íntimos e associados.

Com: Peter Tosh, Andrea Davis, Edward “Bigs” Allen
Direção: Nicholas Campbell


14. Dancehall Queen (1997)

Enérgico, emotivo e indicativo de uma arte enraizada na cultura dancehall, o filme de Rick Elgood e Don Letts foi incomum e encantador de uma forma envolvente. Audrey Reid estrela como Marcia, uma vendedora de rua e mãe solteira que se torna uma Dancehall Queen (Rainha do Dancehall), e coloca seus inimigos um contra o outro. Recebeu distribuição limitada nos cinemas quando foi lançado em 1997, mas desde então os principais festivais de cinema e o amor da comunidade preta transformaram o filme em um clássico cult. Um filme divertido que oferece uma trilha sonora ótima e uma viagem por alguns dos pontos turísticos cintilantes da vibrante ilha.

Com: Audrey Reid, Carl Davis, Paul Campbell
Direção: Rick Elgood, Don Letts


Outros filmes sobre reggae que faltaram na lista e que você pode buscar que recomendamos ao máximo (só clicar nos títulso abaixo para assistir):



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sexta-feira, 19 de fevereiro de 2021

O GUIA DO INICIANTE PARA :: DUB

Um colosso do peso do grave, o dub é a ramificação do reggae que inspirou gêneros do hip-hop ao jungle.

Augustos Pablo - Foto David Corio/Redferns

O dub é uma virada na história da música. Acima de tudo, é o momento em que o reggae se distorceu e tomou novas direções, mas também é uma mudança cultural de inúmeras maneiras.


Além da ênfase na produção, tecnologia de estúdio e na invenção de uma forma básica de remix, o foco do sistema de som do dub ajudou a definir o som pesado do grave da cultura club moderna. Ele também pode ter desempenhado um papel na evolução da música rap graças ao envolvimento de um nome um tanto confuso de 'DJ', o termo jamaicano para um anfitrião que se apresentaria no microfone, cantando e acompanhando a música falando rimando (toasting), um estilo lírico característico da palavra falada caribenha.

Segundo muitos relatos, a história do dub começa com um momento muito específico em 1968, quando Rudolph ‘Ruddy’ Redwood decidiu gravar um dubplate pessoal (uma gravação exclusiva) do grupo The Paragons com a música ’On The Beach' para usar com seu sistema de som.

Um erro (ou possivelmente uma decisão deliberada de última hora) do engenheiro Byron Smith do estúdio de Duke Reid, o Treasure Isle fez com que os vocais ficassem de fora da prensagem. Mesmo assim, Ruddy tocou seu dubplate e descobriu que as multidões gostavam do som de seu DJ, na épocaWassy, ​​cantando no instrumental.

O estilo foi rapidamente adotado pelo colega produtor King Tubby, que viu o potencial dessas versões dub reduzidas como uma ferramenta criativa para uso em sistemas de som.

Essas "versões" deejay amplamente instrumentais se tornaram um fenômeno e, no início dos anos 70, o som do dub foi estabelecido como uma forma distinta de reggae. Produtores como Tubby, Lee 'Scratch' Perry, Augustus Pablo e Keith Hudson colocaram sua própria marca no som, como o uso intenso de efeitos de eco, reforçando linhas de baixo, incorporando trechos de vocais, adicionando efeitos especiais,  sintetizadores de sirene no uso de dub básico, ou tocando belas melodias em melódicas em contraste com a pressão dos graves.

"O impacto do dub na música moderna é substancial. Existem gêneros que se inspiram explicitamente no grave-pesado, junto a abordagem baseada no sistema de som, como dubstep, trip-hop e dub techno."


A ideia de versões dub veio a se sobrepor fortemente ao conceito mais amplo de reggae de 'riddims' (ritmos no patois jamaicano), o uso de faixas de instrumentais como um bloco de construção básico da música, disponível para ser reutilizado não apenas por DJs em um baile , mas por artistas para suas próprias gravações.

O impacto do dub na música moderna é substancial. Existem gêneros que se inspiram explicitamente no grave-pesado, junto a abordagem baseada no sistema de som, como dubstep, trip-hop e dub techno; mas podemos ir tão longe a ponto de ver o dub como o fundamento da própria ideia de produtor autoral, responsável por supervisionar todo o processo criativo.

Em um nível técnico, o processo do produtor executando a faixa como uma mixagem ao vivo com efeitos e partes em faixas separadas, inseridas e retiradas em tempo real tornou-se um pilar das técnicas de produção eletrônica.

Algumas das personalidades do dub são tão distintas quanto o próprio som, e seria negligente concluir qualquer discussão sobre o gênero sem um aceno para a vida excêntrica e descontroladamente criativa de Lee 'Scratch' Perry, cujo estúdio Black Ark foi o cenário para um processo artístico um tanto caótico, mas extremamente eficaz.

Seja gravando o som do subsolo ao bater em uma palmeira ou soprando fumaça de maconha no microfone “para que a maconha penetre na música”, Perry nunca parou de experimentar. O Black Ark conheceu seu fim em 1979, quando Perry rabiscou em todo o estúdio com marcador mágico antes de queimá-lo para limpar "espíritos impuros".

Ainda existe uma cena dub pequena, mas leal, em todo o mundo, mas talvez a melhor maneira de julgar o impacto cultural colossal do dub é refletir sobre quantas de suas características definidoras consideramos naturais como parte integrante de outros gêneros. O dub influenciou a todos nós, quer saibamos disso ou não.

Três fundamentos do dub

Roland Space Echo - RE 201

Eco de fita

Os ecos são essenciais para a sonorização do dub e há muitas opções para escolher. Os ecos de fita são um som clássico, dando uma sensação orgânica e solta aos seus efeitos de delay. Em termos gerais, é muito difícil superar um Roland Space Echo clássico, a unidade de hardware que provavelmente está mais associada ao som de eco de fita.

Mas não é barato. Unidades vintage decentes começam em torno de £ 500  (algo em torno de R$ 4.300,00 na cotação de hoje 19.02.2021), mas também existem emulações de software e clones digitais disponíveis a preços mais baixos. O Delay TAPE-201 de Arturia é excelente, com preço de 99 euros.


Reverb

O outro estilo essencial de eco é o som metálico e vibrante do reverb de mola. O ponto de partida mais fácil na forma de hardware é provavelmente com um efeito de reverberação de mola baseado em pedal, que geralmente é voltado para guitarristas. Para quem gosta de sujar as mãos, também há muitas opções DIY (do it yourself / faça você mesmo), desde reaproveitar tanques de reverberação até hackear e modificar amplificadores de guitarra antigos.

Como alternativa, para uma abordagem mais moderna, procure marcas contemporâneas como a Vermona, que oferece uma variedade de efeitos criativos baseados em mola, ou Knas. Do primeiro nós amamos o Retroverb Lancet, que combina filtragem e reverberação, enquanto o último oferece o Ekdahl Moisturizer, uma unidade de reverberação onde o foco está nas molas expostas, encorajando você a bater e manipulá-las para alguns efeitos duvidosos estranhos.


Melodica

Augustus Pablo é creditado por popularizar a melódica no dub, tocando melodias a frente dos demais instrumentos nos riddims como um contraponto sutilmente melancólico aos elementos do grave por baixo. A meio caminho entre um piano e uma gaita, a melódica é um instrumento muito básico que tem sido usado para ajudar as crianças a aprender a tocar música, mas seu som distinto tem um apelo encantador em quase qualquer contexto. Os preços começam em torno de £ 15 para um bom modelo básico.



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sábado, 6 de fevereiro de 2021

OS ÁLBUNS DE BOB MARLEY


Poucos ícones musicais são tão onipresentes quanto Bob Marley. Com sua banda The Wailers, ele transcendeu gênero e até música para se tornar uma figura ícone de rebelião e unidade. Antes da triste morte do cantor em 1981 pelas mãos de um câncer de pele, Marley construiu uma carreira que não apenas brilhou com o talento de um músico além de sua idade, mas também com a mensagem de esperança, amor e paz que havia sido tão prontamente esquecida.

A imagem e a iconografia de Bob Marley são tão percorridas que pode ser fácil cair na armadilha de pensar que você sabe tudo sobre ele. Pensando nisso, graças ao saber os versos de "Three Little Birds" de cor, você pode escrever um imenso catálogo antigo com um bufo de escárnio que rotula o gênero. No entanto, seja você um fã de reggae ou não, conforme examinamos o cânone de trabalho de Marley, podemos ver que seu valor vai muito além de ser o pôster favorito de dormitórios universitários que procuram chatear seus pais.

Formando os Wailers no início dos anos 1960, ao lado de Peter Tosh e Bunny Wailer, Marley flertou com os sons da época para criar uma proposta totalmente nova. Brincando com o skiffle de ska que enchia sua cidade natal de Kingston Jamaica, o trio embarcou na criação de canções que não apenas colocaram as pessoas na pista de dança, mas também as encorajaram a se unirem na sociedade.

No final dos anos 60 e com uma nova década se aproximando, Marley e a banda focaram seu som em algo mais único. Um híbrido de reggae tradicional com o lirismo cúmplice de um som de rock rebelde, o cantor havia encontrado um nicho do qual ninguém poderia tirá-lo. No momento em que os anos 70 realmente chegaram, Marley e sua banda estavam se tornando sensações em todo o mundo, pois seu reggae e som polido fornecia uma pausa para um mundo em fluxo.

Marley sempre desafiou a si mesmo e seu público de forma criativa ao longo de sua carreira relativamente curta. Fez discos que exigiam atenção, discos que eram políticos ou destinados a uma festa. Ele fez uma música que faria sua alma estremecer e sua mente reverberar com suas filosofias simples, mas atraentes, sobre a vida. Sua visão de vida fez dele um herói cultural profundamente enlutado quando morreu em 1981.

Abaixo, estamos comentando os álbuns de estúdio de Bob Marley e classificando eles em ordem de grandeza, do 'pior' para o melhor.

13. Confrontation (1983)

Lançado dois anos após a morte de Marley em 1981, a coleção póstuma de fragmentos de canções e fragmentos de sessões de estúdio provavelmente nunca se igualaria aos trabalhos anteriores de Marley.

Em vez disso, o que temos é um álbum cheio de 'e se'. As canções não são apenas uma coleção de faixas remanescentes de suas sessões de gravação nos anos anteriores, mas uma visão do que estava por vir para Marley. Claro, há também a adição muito válida de 'Buffalo Soldier' ​​que torna o LP valioso por si só.



12. The Best of The Wailers (1971)

Não, não é um álbum de grandes sucessos. Talvez um aceno de sua crescente autoconfiança, os Wailers lançaram The Best of The Wailers em 1971, que compilou o trabalho de suas sessões antes de chegar até Lee 'Scratch' Perry.

O álbum veio depois que o The Wailers tinha acabado de marcar dois álbuns de sucesso depois de trabalhar com Perry como produtor. Procurando lucrar com seu sucesso, eles compilaram canções para esse álbum e o lançaram. Isso empalidece em comparação com seus primeiros trabalhos, mas ainda fala muito bem de todos os envolvidos.


11. The Wailing Wailers (1965)

O álbum de estreia do trio crescente The Wailers é, como tem sido o caso da lista até agora, uma coleção de canções reunidas em vez de uma sessão robusta de canções. Como tal, o álbum carece de uma direção real e, em vez disso, mostra a promessa em mãos ao invés do talento refinado.

Existem algumas escolhas de músicas estranhas no álbum também, com um cover de 'What's New Pussy Cat?' sentindo-se particularmente deslocado. Há, no entanto, uma versão raramente ouvida do hit seminal de Marley 'One Love', que seria reativada em seu álbum Exodus de 1977 - mais sobre isso depois. Mas, se você está procurando um disco de reggae, não vai encontrar aqui, esse disco é puro ska.

10. Soul Rebels (1970)

Os Wailers não começaram a cozinhar com gás até conhecer Lee 'Scratch' Perry em 1970. Juntos, eles produziram pelo menos dois álbuns clássicos, dos quais Soul Rebels de 1970 é um deles. A produção esparsa fornece um pouco de textura extra para Marley e o som universal da banda.

O LP marcou Marley e os Wailers como vozes de uma nova geração. Soul Rebels chega perto de confirmar tudo o que estava à espera de Marley. É um estilo e um som que eles aperfeiçoariam, cultivariam e compartilhariam com todos que pudessem.


9. Survival (1979)

Em 1979, o trem da badalação de Bob Marley havia saído da estação de verdade. A mensagem de amor e união de Marley estava começando a se estabelecer em todo o Reino Unido e lentamente nos Estados Unidos. A Grã-Bretanha, especialmente, havia encontrado uma voz que merecia ser seguida em Marley e estava ansiosa para adotá-lo como seu novo ícone cultural, aprofundando ainda mais sua conexão com Londres.

Seguindo Kaya , um álbum que era mais sobre a vibe do que qualquer outra coisa, Marley fez uma declaração com a Survival . Seu registro mais obviamente político inclui faixas poderosas como 'Africa Unite' e 'Ambush in the Night'. Marley voltou à Jamaica após seu exílio em uma grande cortina de fumaça e percebeu as verdades que o aguardavam lá.

8. Rastaman Vibration (1976)

Com o rock como a escolha de Marley como inspiração musical, ele voltou sua atenção para adicionar seu próprio estilo de rock à sonoridade do reggae. Foi um movimento astuto que mostrou que Marley não era apenas um mensageiro profético de amor; ele também era um empresário.

O álbum se tornaria o único álbum entre os dez primeiros de Marley, além de dar a ele seu único single de sucesso com 'Roots, Rock, Reggae'. Isso mostra que, embora Marley fosse amplamente adorado em todos os lugares, ele ainda lutava para alcançar um público mainstream enquanto estava vivo. Há um poder sutil na vibração do Rastaman que sugere que Marley era muito mais astuto do que muitos acreditam.

7. Uprising (1980)

O último álbum de estúdio que Bob Marley criou sempre deve pesar muito sobre sua carreira. Enquanto Survival foi um dos álbuns mais políticos de Marley, Uprising mostra o cantor alcançando Deus em seu LP mais espiritual.

Mas nem tudo é gospel. Em vez disso, este álbum se alinha quase perfeitamente com os valores do Rastafarianismo. Construído a partir do amor de Deus, bem como de músicas divertidas, o álbum estabeleceu e solidificou a reputação de Marley. O LP termina com 'Redemption Song', um final digno para qualquer álbum. É a maneira mais linda de terminar uma carreira.


6. Kaya (1978)

Nove meses depois de Exodus , o álbum que possivelmente lançou a carreira de Marley na estratosfera, o grupo voltou com o álbum seminal de 1978 sobre erva e sexo; Kaya. O álbum anterior incluía uma mistura inebriante de mensagem política e canções de amor, mas esse álbum vai direto para a pós-festa.

Marley reduziu seu som forte em favor de algo um pouco mais leve. Jams descontraídas se tornaram a principal instrução sonora, e Marley era o melhor em fazer tudo com autenticidade. 'Is It Love' é a música de destaque do álbum, e se encaixa no tema como seria de se esperar. Se você está procurando a introdução mais fácil de por que Marley é um ícone, este é o álbum para revisitar.

5. Soul Revolution (1971)

O segundo álbum The Wailers produzido com Lee 'Scratch' Perry é sem dúvida o momento em que eles saltaram alguns degraus. Após a parceria a banda começar a se afirmar como os líderes da revolução do reggae com o rock. Ainda é um som cru e emotivo, mas Perry continua a refinar seu talento aqui, e isso fica evidente.

É uma mistura genuinamente cativante de ska, reggae e rock 'n' roll que atua como a introdução perfeita para Marley e a banda. O álbum apresenta alguns dos primeiros passos reais de Marley na composição também, incluindo canções como 'Kaya', 'Lively Up Yourself'' e 'Trench Town Rock' que brilham.


4. Burnin ' (1973)

1973 viu dois álbuns de Bob Marley e The Wailers - este é o último daquele ano, e é positivamente repleto de beleza e ritmo vibrante. O álbum sofreu uma mudança de postura quando o The Wailers se tornou Bob Marley And The Wailers, seguindo o crescente domínio do cantor sobre sua produção criativa.

Para confirmar sua passagem de cantor a líder do grupo, o álbum incluiu canções como 'I Shot the Sheriff'' e 'Get Up, Stand Up' que, até hoje, atuam como momentos marcantes na música. Com o lançamento deste álbum, Bob Marley havia se tornado o rei ungido do reggae e, a julgar pelo álbum; ele parece mais do que feliz em assumir o trono.


3. Natty Dread (1974)

Depois de abandonar os confortos com os fundadores originais Peter Tosh e Bunny Wailer e escolher sair por conta própria, Marley lançou seu álbum de 1974, Natty Dread, com aclamação da crítica. O álbum é um dos mais robustos de Marley, compilado com as canções que mostravam que ele sempre esteve destinado a estourar por conta própria.

O single de 1971 'Lively Up Yourself' foi apoiado por 'Them Belly Full (But We Hungry)' e 'Rebel Music', bem como o hino 'No Woman, No Cry'. A música é um exemplo perfeito da escrita de Marley - não só é emocionante e emotiva, mas também salta de todas as maneiras certas e pode convencer qualquer opositor de que o reggae vale mais do que seu peso.


2. Catch a Fire (1973)

Este foi o álbum que enviou Bob Marley e os Wailers para a estratosfera. Enquanto as canções foram todas compostas pelo grupo, o chefe da gravadora e o produtor do álbum Chris Blackwell se encarregaram de ter o instrumental dobrado (com overdubs) por músicos ocidentais. Isso tornou o álbum mais palatável para o público e, portanto, elevou a banda à fama.

De forma inovadora em sua gravação, o LP é um dos momentos mais pertinentes de toda a década de 1970. Embora muitos álbuns de Marley sejam imbuídos de músicas de alta qualidade, este álbum é uma introdução holística a tudo que é ótimo sobre Bob Marley. Rico, texturizado e sempre autêntico, Catch a Fire é quase perfeito.


1. Exodus (1977)

Depois de uma tentativa de assassinato foi feita contra Marley em sua casa em Kingston, ele escapou das garras da morte e foi para Londres para uma híato. Enquanto ele estava lá, o cantor começou a escrever seu álbum mais triunfante, Exodus. É certamente o álbum mais famoso que ele já fez, e há uma boa razão para isso - é de longe o melhor.

Algumas das melhores canções do cantor também podem ser encontradas no álbum, 'Waiting in Vain', 'Jamming', 'Three Little Birds' e 'One Love', todas estão no álbum. É um álbum que grita a qualidade de Marley tanto no estúdio quanto com a caneta. O cantor provou em Exodus que era um superstar em espera.

É um registro histórico que merece seu lugar no topo de todos os álbuns.


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terça-feira, 26 de janeiro de 2021

DUKE REID E O TREASURE ISLE RECORDS

Reid nasceu em Portland, Jamaica. Depois de servir dez anos como policial jamaicano. Reid deixou a força para ajudar sua esposa Lucille a administrar o negócio da família, The Treasure Isle Grocery and Liquor Store na 33 Bond Street em Kingston. A Treasure Isle Records foi uma das presenças mais poderosas na cena musical jamaicana dos anos 60 e início dos anos 70, rivalizando apenas com a empresa Studio One de Coxson Dodd.

Ele entrou na indústria da música primeiro como proprietário, promotor e discotecário (ou seletor nos dias de hoje) de um sistema de som em 1953. Ele rapidamente ultrapassou Tom The Great Sebastian e seu sistema de som como o sistema de som mais popular da Jamaica. Logo ele também foi patrocinador e apresentador de um programa de rádio, Treasure Isle Time. Reid era um homem do jazz e blues de coração, Reid escolheu "My Mother's Eyes" de Tab Smith como sua música tema. Outros favoritos dele incluía Fats Domino, uma influência notável no inicio de Reid na música.

Ele começou a produzir gravações no final dos anos 1950. As primeiras produções de Reid foram gravadas em estúdios de terceiros, mas quando o negócio da família mudou de Pink Lane, Kingston para Bond Street, Reid montou seu próprio estúdio acima da loja. Ele se tornou proprietário de uma série de selos, principalmente Treasure Isle e Dutchess. Grande parte de sua receita derivou de acordos de licenciamento com empresas no Reino Unido, algumas das quais criaram selos especializados nas produções do estúdio de Duke Reid. A Treasure Isle Records foi uma das presenças mais poderosas na cena musical jamaicana dos anos 60 e início dos anos 70, rivalizando apenas com a empresa Studio One de Coxsone Dodd.

Ele dominou a cena musical jamaicana dos anos 1960, especializando-se em ska e rocksteady, embora seu amor pelo jazz americano, blues e soul fosse evidente. Reid tinha várias coisas a seu favor que o ajudaram a ganhar destaque. Ele fez um esforço concentrado para estar no estúdio tanto quanto possível, algo que seus colegas não fizeram. Ele era conhecido como um perfeccionista e tinha um talento especial para adicionar sons sinfônicos às suas gravações e produzir arranjos densos. Além disso, suas gravações eram consideravelmente mais longas do que os produzidos por seus rivais. Suas melodias costumavam quebrar a barreira dos quatro minutos, enquanto a maioria das canções do ska não durava mais que dois minutos. O material lançado pela Treasure Island exemplifica a sensação mais cool e elegante da era rocksteady.


Duke Reid causou impacto com sua presença em brindar batalhas, tentando superar outros DJs. Ele usava uma longa capa de arminho e uma coroa dourada na cabeça, com um par de revolveres Colt 45 em coldres de cowboy, uma cartucheira amarrada no peito e uma espingarda carregada sobre o ombro. Não era incomum que as coisas saíssem do controle e contam que o Duque Reid colocava a multidão sob controle disparando sua espingarda para o alto. 

Reid inicialmente não gostava do ska por ser muito simples e focar muito mais na bateria do que na guitarra. No entanto, ele eventualmente produziu ska e fez vários sucessos.  As produções de ska de Reid na década de 1960 "sintetizaram o auge absoluto do estilo", de acordo com o historiador da música Colin Larkin. Ele teve uma longa sequência de sucessos com artistas como Stranger Cole, the Techniques, Justin Hinds and the Dominoes, Alton Ellis and the Flames, The Paragons, The Jamaicans, e The Melodians.

O sucesso jamaicano do duque refletiu no Reino Unido, onde os registros de Duke Reid eram os favoritos entre as comunidades das Índias Ocidentais do país, bem como entre os jovens mods britânicos e seus sucessores, os skinheads. A influência e credibilidade de Treasure Isle entre os fãs de música jamaicanos no Reino Unido é ilustrada pela decisão de usar seu selo ‘Trojan Records’ como o nome da empresa que, é claro, dominou a cena reggae britânica até meados dos anos setenta.

A música de Duke Reid permaneceu uma pedra angular da Trojan Records e na indústria do reggae como um todo, seu catálogo continuou a exercer uma influência, local e internacionalmente, com seus sucessos lançados e regravados por incontáveis ​​artistas.


Na década de 1970, a saúde debilitada de Reid e a tendência para o reggae de raízes rastafari influenciou visivelmente o número de lançamentos de Treasure Isle. Reid proibiu as letras do Rasta de serem gravadas em seu estúdio e, portanto, Coxsone Dodd foi capaz de dominar a indústria fonográfica jamaicana. Reid manteve seu perfil em grande parte gravando o "brinde" dos DJs U-Roy e Dennis Alcapone, bem como curiosidades vagamente influenciadas pelo Rasta, como "Aily-I" de Cynthia Richards.

Por volta dessa época, o pupilo de Reid, Justin Hinds, notou que seu chefe parecia doente e recomendou um médico. Câncer foi diagnosticado e Reid decidiu vender a Treasure Isle para Sonia Pottinger, viúva de seu amigo Lenford "Lennie the King" Pottinger e já dono da High Note Records, que era uma das maiores gravadoras da ilha. Ele permaneceu envolvido por um tempo atuando como magistrado, mas morreu em 1975.

Em 2012, a Treasure Isle finalmente voltou ao redil em grande estilo, quando a Trojan adquiriu direitos mundiais completos e exclusivos, junto com o acesso aos arquivos das fitas originais, contendo literalmente centenas de gravações não lançadas.

Além disso, como parte do acordo, a Trojan também ganhou os direitos mundiais dos catálogos de Lindon Pottinger e sua célebre esposa Sonia, que entre meados dos anos 60 e o final dos anos 70 lançaran incontáveis ​​sucessos em seus selos Gay Feet e High Note, com artistas como como Marcia Griffiths, Max Romeo, Bob Andy, Culture e Junior Murvin em seu elenco altamente impressionante.


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segunda-feira, 25 de janeiro de 2021

BYRON LEE E O DYNAMIC SOUNDS

Byron Lee no Dynamic Sounds
Lee nasceu em Christiana, Manchester Parish, Jamaica, filho de mãe chinesa-jamaicana Evelyn Chung e pai chinês Oscar Lee (um professor de línguas) originalmente de Kowloon, Hong Kong. A família mudou-se para a área de Mountain View Gardens de Kingston quando Lee tinha cerca de 8 ou 9 anos de idade. Ele aprendeu a tocar piano em uma escola de convento em Mandeville, mas colocou a música em espera quando foi selecionado para a seleção nacional de futebol da Jamaica. Ele aprendeu sozinho a tocar baixo em um instrumento caseiro, e por volta de 1950, junto com seu amigo Carl Brady, ele formou a primeira encarnação dos Dragonaires, em homenagem ao time de futebol da faculdade para o qual eles jogavam, naquela época concentrado no mento. A banda se profissionalizou em 1956 e se tornou uma das principais bandas de ska da Jamaica, continuando desde então e incorporando outros gêneros como calypso, soca e mento. 

De acordo com Michael E. Veal em seu livro Dub: soundscapes and shattered songs in Jamaican reggae, Wesleyan University Press, 2007, Byron Lee é conhecido por ter introduzido o baixo elétrico na Jamaica no final de 1959 ou 1960. No entanto, a razão Lee começar a usar o baixo elétrico em oposição ao contrabaixo não tinha nada a ver com o som. Em vez disso, era uma forma de Lee evitar carregar o grande e pesado contrabaixo para o caminhão, para ir de show em show. O baixo logo ganhou popularidade em todo o país e logo se tornou o padrão. O som do baixo elétrico mais alto, mais claro e mais direto logo mudou todo o som da música jamaicana por completo, especialmente depois que o baixista do Skatalites Lloyd Brevett começou a gostar dele.  
A banda gravou seu single de estreia, "Dumplin's", em 1959 nos estúdios WIRL (West Indies Records Limited) de propriedade do futuro primeiro ministro Edward Seaga, que se tornou o empresário da banda. O single foi lançado pelo selo Dragon's Breath do Dragonaire na Jamaica, e foi o segundo lançamento pelo selo Blue Beat no Reino Unido, e foi incomum para um single jamaicano, pois apresentava um órgão elétrico e um baixo Fender que Lee havia comprado durante uma visita aos Estados Unidos. 

Lee e Seaga perceberam que ska era a música para fornecer à Jamaica uma identidade musical que poderia quebrar o domínio do R&B americano, e os Dragonaires se tornaram uma das maiores bandas de ska do início dos anos 1960, lançando singles como "Fireflies", "Mash! Mr Lee","Joy Ride"e uma versão ska de "Over the Rainbow", ambos com seu próprio nome e como The Ska Kings. Em 1961, a banda teve uma grande oportunidade quando foi escalada como a banda do hotel no primeiro filme de James Bond, Dr. No. A banda executou várias canções no filme, embora as gravações tenham sido feitas pelo guitarrista Ernest Ranglin. Em 1964, a banda apareceu em um programa chamado “This is Ska!” ao lado de Jimmy Cliff, Prince Buster e Toots and the Maytals. 

A banda recebeu outro grande impulso quando foi selecionada por Seaga, então chefe do 'Bem-Estar Social e Desenvolvimento Econômico' da ilha, em 1964 para viajar para a Feira Mundial de Nova York e se apresentar como banda de apoio para uma vitrine de talentos jamaicanos, incluindo Jimmy Cliff , Prince Buster e Millie Small. A viagem não foi um grande sucesso, com os músicos "uptown" dos Dragonaires não se encaixando com os outros artistas "downtown". Percebendo que seu apelo para as multidões de ska estava diminuindo, Lee levou a banda em uma nova direção, incorporando calipso e fazendo turnês por Trinidad e Tobago em 1963 e 1964. Além disso, a banda contribuiu com a parte instrumental da gravação de 'Only A Fool' de Mighty Sparrow em 1966. 

Lee também trabalhou como produtor, produzindo muitos dos singles de ska de The Maytals, e empreenderorismo o levaram a organizar a turnê Byron Lee's Spectacular Show, que envolveu vários grupos e cantores jamaicanos (incluindo The Maytals) em turnê pelo Caribe. Ele também se tornou o chefe de distribuição na Jamaica da Atlantic Records. A relação com a gravadora levou Byron a lançar discos da Dragonaires nos EUA, incluindo dois álbuns programados para capitalizar os ganhos gerados pelas apresentações na Feira Mundial, 'Jump Up' e 'Jamaican Ska' (no qual os Dragonaires apoiaram nomes como The Blues Busters, The Charmers, The Maytals, Stranger Cole, Ken Boothe e Patsy Todd). 

A banda também teve como alvo o mercado internacional do rocksteady com álbuns principalmente de versões cover, como 'Rock Steady Beat' e Rock Steady '67. Além disso, a Atlantic Records tentou empurrar o álbum Jamaican Ska usando o produtor e engenheiro de som Tom Dowd, que produziu todos os maiores singles de Aretha Franklin, para produzir o álbum. Além disso, os Dragonaires foram renomeados como "The Ska Kings" no álbum. Infelizmente, apesar dos melhores esforços da Atlantic, o álbum Jamaican Ska não conseguiu decolar nos Estados Unidos, embora o disco "Jamaica Ska" tenha se tornado um dos 30 primeiros nas paradas do Canadá.

O selo/ gravadora West Indies Records Limited (WIRL) era um estúdio de gravação na Jamaica. Foi criado por Edward Seaga. O estúdio estava localizado na Bell Road. O estúdio foi inaugurado em 1958. Seaga recrutado do show de talentos de Vere John. O WIRL tinha a franquia da Columbia Records na Jamaica. Seaga mais tarde se tornou primeiro-ministro da Jamaica. A faixa gravada e lançada pelo selo WIRL "Oh Manny Oh" de Higgs e Wilson vendeu mais de 50.000 cópias na Jamaica em 1960 - um número absurdamente alto.  

E enquanto Seaga perseguia sua carreira política, ele o vendeu para Byron Lee, que o rebatizou de Dynamic Sounds e o expandiu com uma fábrica para prensar discos. Lee comprou os estúdios WIRL da Seaga e se transformou na Dynamic Sounds Recording Co., onde os Dragonaires gravavam habitualmente, usando as instalações superiores para gravar uma série de álbuns bem produzidos durante o final dos anos 1960 e início dos anos 1970, muitas vezes contendo versões de covers destinadas a turistas, e eles gravaram uma série de álbuns intitulados "Reggay" no início dos anos 1970. O Dynamic Sounds logo se tornou um dos estúdios mais bem equipados do Caribe, atraindo artistas locais e internacionais, incluindo Paul Simon e The Rolling Stones, que gravaram sua famosa canção "Angie" no Dynamic Sounds. As produções de Lee incluíram Reggae 'Happening de Boris' Gardiner, 'Grooving Out on Life' de Hopeton Lewis e 'Johnny Too Bad' dos Slickers. 

O WIRL também estabeleceu uma divisão barbadiana. Na Jamaica, o Dynamic Sounds lançou discos de Toots & the Maytals, Eric Donaldson, John Holt, Barry Biggs, Freddie McKay, Tommy McCook e Max Romeo em várias selos, incluindo Jaguar, Panther, Afrik e Dragon.

O nome WIRL permaneceu com sua divisão em Barbados e permaneceu como a marca sempre popular da música Bajan até 1995, quando mudou seu nome para E.A. Best Music Ltd, e eventualmente com seu nome atual, Caribbean Records - ainda a maior gravadora e distribuidora de Barbados. De volta à Jamaica, a Dynamic se tornou uma força maior do que nunca, investindo na apresentação de mais talentos da Jamaica para o vinil, incluindo Toots & the Maytals, Eric Donaldson, John Holt, Barry Biggs, Freddie McKay, Tommy McCook e Max Romeo. em selos como Jaguar, Panther, Afrik e Dragon.

O Dynamic também atuou como um dos principais distribuidores de discos da Jamaica. A Trojan Records administrou os álbuns dos estúdios no exterior e lançou compilações das gravações produzidas no estúdio e lançadas pelo selos do Dynamic Sounds. 


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domingo, 24 de janeiro de 2021

COXSONE DODD E O STUDIO ONE

Poucos jamaicanos que cresceram durante os anos 60 podem esquecer a espera pelo “point” (festa) do próximo fim de semana. Depois de uma semana tediosa passada em uma cidade quente e úmida, era importante se vestir bem e sair, se socializar com os amigos e dançar. A chave do sucesso para qualquer festa sempre foi fazer as pessoas dançarem e mantê-las dançando. Naquelas noites frescas da Jamaica ... dançando em uma sala de estar sem móveis ... escura, quase escura ... ouvindo os últimos sons estrondosos de grandes caixas de som ... parecia que o único lançamento para a frustração de todos era dançar. E pelo menos não parecia importante se você fosse rico ou pobre. Talvez fosse um sinal do que estava por vir, que as pessoas mais pobres tinham os maiores alto-falantes, mas ainda era apenas a música que contava. Nada parecia importar quando você estava dançando ao som de Alton Ellis ou Marvin Gaye: a Jamaica nos anos 60 era unida pela música.

Clement Dodd, o homem que moldou grande parte da música jamaicana, começou a se interessar por música ouvindo jazz americano: Louis Jordan, Lionel Hampton, Billy Eckstine e Ella Fitzgerald. Embora seus interesses comerciais o tenham afastado do jazz, ele sempre permaneceu como sua música favorita. Nos anos 50, ele começou a colecionar discos de R&B trazidos para a ilha por trabalhadores rurais migrantes que deixaram a Jamaica para trabalhar na Flórida. Foi essa música preta, crua e não escolarizada que atingiu um acorde na psique jamaicana.


Por volta de 1954, a consciência de Coxsone do potencial comercial do R&B o levou a montar sua primeira aparelhagem de som para tocar em festas que eram um esteio da vida social jamaicana. Como a música R&B formava a maior parte dos pedidos das festas, era importante atender à demanda crescente assim que os hits começassem a ficar obsoletos (ou, como dizem os jamaicanos, "comuns"). Para atender a essa demanda, Coxsone foi forçado a viajar pelos EUA para buscar sucessos locais e trazê-los de volta para casa. Ao ser exposto a esses novos sons, seus shows se tornaram mais populares do que outros sistemas de som antigos, como Count Nick, Woodie e Tom the Great Sebastian. No auge dessa mania de aparelhagens, Coxsone tinha até cinco shows diferentes por noite (o preço médio de entrada para essas festas era cerca de 50 centavos de dólar americano).

Isso não poderia durar para sempre, e quando o rock 'n' roll na América eclipsou o R&B, Coxsone ficou sem produto suficiente para atender à demanda local e foi forçado a gravar sua própria música para abastecer seus fãs. Como ele explicou:

“Então decidi fazer algumas gravações locais para o sistema de som. Quando comecei, não sabia que poderia ser um negócio comercial a ponto de vender meus próprios discos. Então, depois das primeiras três ou quatro sessões, o feedback foi muito bom porque as pessoas começaram a dançar. Essa foi a era Ska; fizemos muitos instrumentais como “Shuffling Jug” e “Easy Snapping”.”

O ska, uma versão jamaicana de R&B, foi uma partida clara das gravações jamaicanas tradicionais, que eram calipso ou baladas lentas. Coxsone não vendeu essas gravações inicialmente. Ao mantê-las exclusivas, ele tinha uma vantagem sobre os sistemas de som existentes e mais recentes, como Duke Reid 'The Trojan', King Edwards e Lord Koo's, que também estavam tendo dificuldade em encontrar novos discos de R&B nos Estados Unidos.

O sucesso dessas novas gravações inspirou Coxsone a se ramificar em shows ao vivo para destacar seus artistas. Owen Gray e os Blues Busters superaram esses projetos iniciais de sucesso. Outro aspecto importante desses primeiros shows foi que eles eram inovadores, os shows na Jamaica não tinham sido puramente baseados na música.

Coxsone fez experiências com Delroy Wilson, Millie Small, The Wailers e The Maytals. A nata de seus músicos de estúdio era conhecida como The Skatalites, numerando em suas fileiras Don Drummond, uma figura seminal do ska. O ska imediatamente se tornou uma sensação internacional, gerando incontáveis ​​álbuns de covers nas principais gravadoras dos EUA.


Em 1962, o Sr. Dodd construiu um estúdio em Brentford Road em Kingston, onde lançou seu próprio selo “Studio One”. O estúdio, além de permitir a independência artística de Coxsone, foi o berço do rocksteady. RockSteady era o termo local para a nova batida, mais lenta do que o ska.

“O nome saiu de um grupo deles [músicos] falando sobre isso. No RockSteady tentamos fazer com uma batida realmente cativante e constante para dançar porque em RockSteady foi quando percebemos o quão importante era a linha do baixo. Tão importante quanto o vocal, ter uma linha de baixo estável, uma linha de baixo cativante.”

Ainda mais do que o Ska, o RockSteady formou a base para o Reggae, e foi a desejável lentidão do RockSteady e a linha de baixo contagiante que criou uma música que rivalizaria com qualquer black music urbana do período. Grupos como The Heptones e The Cables e artistas como Alton Ellis, Slim Smith e Bob Andy estavam produzindo um som tão liricamente e musicalmente realizado quanto qualquer um de seus colegas em Detroit e Memphis. Compare qualquer lançamento da Motown desse período com seu equivalente jamaicano e você perceberá como Alton Ellis na Jamaica pode ser tão popular quanto Marvin Gaye. O rock constante jamaicano e o soul americano não eram primos distantes, mas sim músicas relacionadas com o mesmo molde. Ambos eram produtos dinâmicos da mesma experiência urbana preta.

Coxsone sempre manteve sua popularidade não apenas por seu talento em saber o que era bom gravar e produzir música consistentemente inovadora, mas pelo fato de ainda ouvir o homem na rua.

“Porque eu tinha meu próprio estúdio eu fiz muitas experiências, o que eu fazia ... Eu gravo a música, coloco em uma placa de acetato (dubplate) e vou direto para o salão de dança assistir a reação. Muitas vezes, fazemos o disco e o mudamos, observamos a reação e mudamos de acordo com os fãs. Como eles estavam se movendo e não tanto quanto o que as pessoas dizem.”

Embora Coxsone no início dos anos 80 não estivesse correndo com as festas e seu sistema de som para mostrar seu álbum de sucesso mais recente, ele ainda estava descobrindo e exibindo novos talentos. Sugar Minott, Michigan e Smiley, Jennifer Lara, Freddie McGregor e Johnny Osbourne devem sua própria “descoberta” diretamente a Coxsone. Em 1982, "Full Up" alcançou nova popularidade quando relançado como "Pass the Dutchie" pelo grupo Musical Youth, cuja versão alcançou o primeiro lugar nas paradas pop do Reino Unido, bem como em outras paradas europeias. O cover do The Clash de "Armagideon Time" de Willie William trouxe a obsessão do punk pelo Reggae para o primeiro plano e abriu outra porta para o Studio One. “Smile” de Lily Allen chega às paradas em todo o mundo usando uma sample do Studio One de “Free Soul”. O Prodigy gravou com um sample de "Ethiopian Peace Song" de Al T Joe para a faixa "Thunder". Outros artistas que experimentaram canções do Studio One incluem Born Jamericans, Ayatollah e KRS-One. Em 1994, Dawn Penn refez seu lançamento de 1967 no Studio One para aclamação mundial. Ele gerou covers de Rihanna e Ghostface Killah com cover da Beyonce em sua turnê mundial de 2009.

A música do Studio One é atemporal; há inúmeros outros exemplos de música e ritmos que ele produziu anos atrás, saindo pela segunda vez, uma terceira vez, ou até muitas mais vezes, como sucessos de outros músicos. Quem acompanha a música Reggae há anos sabe que o Studio One ainda é o melhor som que existe. Ouvimos isso diariamente nos incontáveis ​​remakes dos grandes sucessos de Clement Dodd, e sabemos que qualquer novo sucesso provavelmente terá sua marca.

Em amorosa memória de Clement Seymour Dodd, 1932-2004

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