STUDIO 17: THE LOST REGGAE TAPES REVISITA A HISTÓRIA DA INDÚSTRIA JAMAICANA

O lendário produtor de reggae Lee "Scratch" Perry é tudo sobre o negócio

O documentário apresentado faz parte da primeira celebração do Mês do Reggae do Tidal[1], homenageando os lendários estúdios de gravação, produtores e pioneiros da Jamaica.

Lee “Scratch” Perry viu de tudo. O notoriamente excêntrico produtor de reggae, vocalista e visionário criou clássicos com artistas que vão de Bob Marley & The Wailers a The Clash e The Beastie Boys. Uma lenda viva literal, ele pode ser a única pessoa na terra que colaborou e brigou com produtores icônicos da Jamaica como Coxsone Dodd, Joe Gibbs e King Tubby - e sobreviveu a todos eles. Quando ele queimou seu próprio estúdio Black Ark em 1979, as pessoas o chamaram de louco, mas Scratch tem sua própria maneira de fazer as coisas.

Em uma noite chuvosa no interior da Inglaterra, a cineasta Reshma B sentou-se com Scratch em uma velha mansão assustadora, entrevistando o homem que também é conhecido como The Upsetter, The Super Ape e Pipecock Jackxon para seu filme Studio 17: The Lost Reggae Tapes, que tem sua estreia mundial no Qwest.TV de Quincy Jones e no Tidal de Jay-Z.

Scratch estava descrevendo a ela por que preferia a qualidade de som do Studio 17 no centro de Kingston, onde gravou músicas imortais como “Trenchtown Rock” e “Mr. Brown” com Marley, Peter Tosh e Bunny Wailer muito antes dos Wailers tomarem o mundo de assalto. “Um dos estúdios estava zumbindo”, explicou Scratch - demonstrando o problema imitando o zumbido baixo. Em seguida, ele mudou para um som agudo e irritante, como um vento frio soprando. “Mas o Randy's não estava cantaroland, e o Randy's não fazi um xiado [shhhh-ing].” Momentos como esses tornam o filme do Studio 17 um deleite raro para os amantes da música que buscam entender a alquimia criativa que faz do reggae a música mais mística e incompreendida do mundo.

Aclamado como "um dos melhores documentários de reggae já feitos" pelo aclamado autor John Masouri e "uma obra mágica" pelo veterano DJ de rádio reggae do Reino Unido David Rodigan, o documentário Studio 17 estreou no final de 2019 na televisão no canal da BBC, onde foi visto por mais de 1 milhão de pessoas. Os planos para entrar no circuito dos festivais de cinema em 2020 foram interrompidos pela pandemia, mas o filme finalmente foi transmitido em todo o mundo bem a tempo do Mês do Reggae, a celebração internacional da música jamaicana que começou em fevereiro, no aniversário de Dennis Brown, e passa pelo aniversário de Marley em 6 de fevereiro até o final do mês.

Mas para pessoas como Scratch e Reshma B - que os leitores do VIBE conhecem como  correspondente do Boomshots que dá destaque no IG Live com todas as estrelas do dancehall - onde todo mês do ano é mês do reggae. Scratch, que fará 85 anos no próximo mês, ensina que a música reggae é como "uma organização espiritual que eu montei", o que não é muito exagero. “Era como uma arma, uma arma de revolução”, disse ele. “Música de redenção. Música do sofredor. Música para te deixar ter liberdade, te libertar.”

Enquanto ele falava, Reshma B notou que o terno vermelho de Scratch estava coberto com sinais de dólar, libra e euro, aparentemente escrito com marcador mágico. Enquanto posava para uma foto no final da entrevista, ele puxou os lábios para mostrar suas primeiras letras gravadas em ouro em seus dentes. Após uma visualização mais detalhada, Reshma viu que o L era um sinal de libra e o S era um cifrão. “Chame-o de louco, se quiser”, diz Reshma, “mas Scratch é só sobre seus negócios. Os revolucionários também precisam comer.”

Uma qualidade que diferencia o Studio 17: The Lost Reggae Tapes da maioria dos outros filmes sobre a música jamaicana é que os cineastas não hesitam em dizer a verdade sobre a situação econômica enfrentada por muitos pioneiros do reggae. “Sem-teto e sem sorte - essa é a história do músico jamaicano médio”, diz Ali Campbell, vocalista da banda de reggae UB40 do Reino Unido. “Muitas pessoas que consideram estrelas estavam sendo roubadas pelos produtores na Jamaica e em Londres e fazendo ótimos discos com caixas de frango (estúdios sem estrutura)”

Embora o UB40 tenha desfrutado do sucesso de sucessos do reggae no topo das paradas, como "Red Wine", o grupo começou como um bando de rapazes desempregados em Birmingham, Inglaterra. (UB40 é o nome do formulário de subsídio de desemprego que os cidadãos britânicos devem receber para receber o seguro-desemprego.) “Eu cresci no oeste de Londres ouvindo UB40 em minha casa”, lembra Reshma B. “Uma das minhas músicas favoritas era 'Kingston Town', mas como a maioria das pessoas, não percebi que eles não escreveram essa música.”

Enquanto faziam o documentário, a produtora Reshma B e o diretor Mark James rastrearam Lord Creator, o cantor de Trinidad que originalmente gravou a música (então intitulada “King and Queen”) em uma batida de ska no Studio 17. Embora ele fosse um nome familiar na Jamaica durante seu apogeu, Lord Creator disse a Reshma que ele não recebeu royalties por todos os hits que ele fez. Ele estava desamparado quando soube que o UB40 havia feito um cover de uma de suas canções, e os lucros com o sucesso mudaram sua vida para sempre. Mas nem todas as estrelas do reggae do passado têm tanta sorte.

Até mesmo uma lenda como Scratch sofreu com maus negócios. “Temos muitas músicas, mas naquela época tentávamos levá-las para o mundo exterior e não tínhamos dinheiro suficiente para fazermos nós mesmos”, explicou ele a Reshma B. “Portanto, temos de dar a outra empresa ou negócio, mas a maioria delas não gosta de fazer promoção.” Apesar de seu extenso catálogo, Scratch ganhava muito de sua vida aparecendo em festivais de música em todo o mundo - antes que o Coronavírus interrompesse as apresentações ao vivo.

“Respeito o fato de que o UB40 fez questão de registrar todas as suas versões cover com PRS[2], para garantir que os compositores originais dessas canções clássicas sejam devidamente compensados”, diz Reshma B. “O pai de Ali Campbell era cantor e compositor, ele mesmo, então ele instilou isso em seus filhos ”.

Pais e filhos são outro tema importante do Studio 17: The Lost Reggae Tapes, que conta a história de Clive Chin, filho primogênito de Vincent Chin, o empresário chinês-jamaicano que fundou a Randy’s Records e abriu o estúdio de gravação no andar de cima. Clive se apaixonou pela vida de estúdio, aprendendo a arte da produção com seu pai e com os muitos artistas, músicos e engenheiros icônicos que passavam pelo estúdio diariamente. Clive e seu colega de escola Augustus Pablo trabalharam no Studio 17 para gravar Java Java Java, um dos primeiros álbuns dub do mundo, e Clive e seu pai reuniram um extenso catálogo, grande parte dele lançado no famoso  selo e gravadora Impact!.

No livro Rockers do ano passado, o falecido cineasta Ted Bafaloukos descreveu a experiência de visitar o Estúdio 17 de Randy em meados da década de 1970: “Kingston propriamente dito. O Centro. Ônibus, carros, bicicletas, barulho, poeira, buzinas e muita gente ... Há uma rua pequena, mais parecida com um beco, com alguns carros e motos estacionados e uma dúzia de caras, dreads, encostados na parede do lado da sombra. Este é o lendário ‘Idler’s Rest’, próximo à loja de discos de Randy. É onde músicos, cantores e frequentadores se encontram todos os dias. Funciona como um escritório particular, agência de empregos, agência de relações públicas e show de talentos para muitos cantores e músicos de estúdio e jovens iniciantes em busca de um lugar no mundo da música. Na loja ao lado da Randy’s Record, eles estão lançando os novos compactos. O som, misturado com o barulho da rua, flui ao virar da esquina.”

Nas filmagens do clássico filme de reggae de Bafaloukos, Rockers, aparecem no documento do Studio 17, junto com histórias de pessoas como Scratch e Clive e sua madrasta Patricia Chin, que dirigia a loja de discos enquanto seu marido trabalhava no estúdio. Suas vozes, e as dos gênios musicais que se reuniam todos os dias no Idlers ’Rest, animam o filme, lançando luz sobre como os artistas cuja música passou a causar ondas de choque em todo o mundo acabariam literalmente cantando para o jantar.

Quando a violência política na Jamaica forçou a família Chin a se mudar para Nova York em busca de uma vida melhor, eles partiram com tanta pressa que abandonaram mais de 1.000 rolos de fita de áudio. O documentário conta a história da busca de Clive para resgatar aquele tesouro de gravações preciosas, que milagrosamente sobreviveu em um depósito por anos, apesar da devastação do furacão Gilbert, saques e intenso calor tropical.

Patricia Chin, que publicou recentemente suas próprias memórias intitulada Miss Pat, passou a construir a V.P. Records, o maior selo independente de reggae do mundo, em Jamaica Queens. O filho de Clive, Joel, tornou-se um executivo da A&R da V.P., trabalhando em estreita colaboração com artistas no topo das paradas, como Sean Paul e Beenie Man. Joel costumava encorajar seu pai a fazer algo com as fitas que ele resgatou, mas de alguma forma Clive nunca o fez. Então, em 2011, Joel foi tragicamente assassinado em Kingston enquanto voltava para casa para sua esposa e filha pequena. Como forma de homenagear a memória de seu filho, Clive resolveu restaurar as fitas. No processo, ele descobriu uma canção nunca antes lançada por Dennis Brown, o falecido grande Príncipe Herdeiro do Reggae, que pode ser ouvida pela primeira vez no Studio 17: The Lost Reggae Tapes. Qual a melhor maneira de comemorar o aniversário de D.Brown do que assistir ao documentário agora? (clique aqui para assistir)

“Este filme levou muito tempo para ser feito porque houve muitas voltas e reviravoltas”, diz Reshma B. “Mas é assim que a vida é.” Embora os cineastas anseiem pelo dia em que o Studio 17 possa ter uma exibição adequada em grandes cidades como Kingston, Jamaica, eles puderam disponibilizar o filme para os assinantes da Qwest.TV - e no Tidal, onde Reshma B é curadora de todo o conteúdo de reggae e dancehall e escreve a coluna mensal Murda She Wrote.

Studio 17: The Lost Reggae Tapes será apresentado como parte da primeira celebração do Mês do Reggae do Tidal, repleto de playlists cuidadosamente selecionadas em homenagem aos lendários estúdios de gravação, produtores e pioneiros da Jamaica. “Vá para o Tidal por mostrar amor ao reggae em sua página inicial pela primeira vez”, diz Reshma B, “Levamos tudo de volta às lendas da era ska e avançamos direto no dancehall clássico , homenageando a cultura o tempo todo. Esteja atento a novos conteúdos lançando todas as semanas ao longo de fevereiro.”

Nascido da luta, o reggae tem preparado ouvintes de longa data para tempos desafiadores como os que vivemos agora. “Esta é uma música que foi feita porque as pessoas precisavam de uma maneira de sobreviver”, diz Reshma B. “Qual a melhor maneira de superar os tempos difíceis do que tocar essa mensagem?” Pode ter havido alguns atrasos em levar seu documentário para o mundo, mas como diz o velho ditado jamaicano, nada acontece antes do tempo.

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RETRATANTO AS RAÍZES DA CULTURA DAS SOUND SYSTEM`S BRITÂNICAS

Sound System Culture

The Saxon Sound System Crew, 1983. Foto cortesia da coleção de Maxi Priest

"Uma das minhas primeiras lembranças é a do baixo vindo através das paredes quando eu era uma menina em Huddersfield", ri Mandeep Samra, curadora da exposição "Sound System Culture: London", que abre em 5 de janeiro no The Tabernacle, Notting Hill. "O vizinho costumava fazer essas festas azuis. Eu acho que provavelmente tinha algum tipo de efeito subliminar."

A cultura do sistema de som no Reino Unido tem desempenhado um papel vital na história do reggae mundial. A partir do momento que o jovem imigrante Caribenho "Duke" Vincent Forbes montou seu sistema rudimentar em 1954 em Londres, e começou a tocar ska e calipso nas seleções em volumes de abalar o peito, os sistemas britânicos mantiveram-se na vanguarda do movimento, influenciando muito a cada subconjunto de dance music no Reino Unido desde então.

Explorando a história social da cultura em cidades como Huddersfield, Bristol, Birmingham e, agora, Londres - a turnê exposição "Sound System Culture" oferece uma oportunidade para explorar uma cena que permanece tão vital hoje como nunca.

"A turnê cresceu organicamente a partir da exposição original em Huddersfield," diz Samra. "Ainda que não tenha sido bem documentado em cidades como Londres ou Bristol, por muitos anos Huddersfield teve uma cena próspera, fora de proporção com o tamanho real da cidade. A exposição documenta a vida e as experiências daqueles que estavam envolvidos, em particular pessoas que lançaram as bases para a cena em locais como o Arawak Club e Venn Stree, de lá nós exploramos Bristol e Birmingham, e agora Londres".

A partir de sessões de festas privadas de "blues" todas as noites em terraços em desintegração de West London com um sistema maciço e bares ilegais na década de 1950, para poderosos sistemas como os de Contagem Shelley nos anos 60, e através de sistemas roots dos anos 70 de peso como Jah Shaka e Fatman, e dos anos 80 como os titãs do Saxon, os sistemas muitas vezes, desde um enfoque social para as comunidades de West Indian e em Londres, se fez uma marca indelével na cultura dos graves na Inglaterra.


"Esses sistemas inicialmente surgiram de uma necessidade de um enfoque comunitário", explica Samra. "A primeira e a segunda geração de imigrantes do Caribe foram muitas vezes excluídos dos pubs e clubes. Estas festas foram frequentemente oferecidas em centros comunitários e afins. Para a exposição em Londres, tivemos links com vários sistemas e também trabalhamos em estreita colaboração com o escritor / historiador de reggae John Masouri [autor de Steppin' Razor: The Life of Peter Tosh e  Wailing Blues - The Story of Bob Marley's Wailers: The Story of Bob Marley's "Wailers"], que realmente puxou a narrativa junto. Londres foi um assunto delicado porque tem havido um número tão grande de sons que saíram da cidade. Teria sido impossível documentar tudo, mas estamos muito felizes com o que podemos apresentar."

Antes da abertura da exposição, eu me encontrei com John Masouri para falar sobre a cultura dos sistemas de som Londres e a vida no reggae.

Jah Shaka no Albany Empire, Deptford, London, 1984. Foto © Stephen Mosco

VICE: Quais são as suas primeiras lembranças do reggae?
John Masouri: Em 1968, eu tinha 15 anos, eu fui para a minha primeira festa de blues. Isso foi em uma área muito baixa de Nottingham. Já havia uma boa quantidade de pessoas do Caribe lá; Eu acho que foi a primeira geração que ia para a escola com crianças jamaicanas. Eu tinha uma namorada, e seu tio fazia festas de blues, então eu costumava ir lá. Foi muito intimidante, muito emocionante - outro mundo. Fiquei fascinado. Eu me mudei para Londres em 1973 ou 74, quando os primeiros grandes sistemas estavam começando a aparecer no [Notting Hill] Carnaval - Fatman, Coxsone, etc. Foi maravilhoso estar em Londres durante esse tempo; você não tem que ir a festas de blues mais, os sons seriam tocados em salões e clubes adequados e centros comunitários, e eu tinha idade suficiente para entrar. Mas uma coisa que eu notei foi que as coisas estavam mais racialmente carregadas em Londres. Era certamente mais amável ​​do que tinha sido nos Midlands. Eu acho que, em parte, que é apenas estar em Londres, no entanto: Londres era muito mais competitivo entre os vários sistemas, e eles foram os primeiros a entrar com material de conscientização que estava acontecendo no momento.

O assédio da polícia estava vindo forte naquela época também. Muitas vezes você estaria em lugares e a polícia iria atacá-los e todo mundo buscav fechar o sistema, fechar o clube ... Mas você meio que se acostumou com que aquilo tornava-se parte da experiência. Onde quer que os jovens se reunissem para ter um hora de lazer há sempre alguém que quer estragar tudo, sabe?

Eu acho que é certamente uma forma primária de experimentar roots reggae. Mas ele vai voltar muito mais longe, até mesmo os caras do som iniciais, como [Vincent] "Duke Vin" [Forbes] no início de 1950, ele estava fazendo o edifício trepidar, fazendo gesso cair do teto nas festas de blues que ele estava tocando ; sempre foi uma grande parte da música. Esses caras de som, que começaram, eram sempre muito competitivos em todas as áreas, sempre estavam procurando as melhores e mais exclusivas gravações; obter as melhores MC’s no microfone; ter a melhor fidelidade de som; sendo o mais alto sem distorcer. Eles mostraram valentia em projetar o som e começar tudo, construindo com as especificações adequadas.

O volume foi certamente parte disso, mas eu acho que, talvez, tornou-se um excesso de destaque no final da década de 70. As festas de blues iniciais, eram usadas ​​para ser lugares onde as pessoas se encontram; não apenas dançam e se divertem por um bom tempo, mas também compartilham as notícias de qualquer parte que vieram do Caribe. Eles não estavam necessariamente inclinando maciçamente para o volume, porque as pessoas gostariam de socializar também. Mas no momento, nos meados dos anos 70, você tinha a sua volta sons como Jah Shabba e Fatman, que foram absolutamente matadores com volume. Isso foi uma verdadeira experiência do que você por sentir, isso em um sentido corporal.

Austin "Spiderman" Palmer, fundador do The Mighty Jah Observer Sound System, no Sottotetto Sound Club, Bologne, Italy, Outubro 2011. Foto © Rita Verde

O chacoalhão no peito.
É quase como se o som habita-se seu corpo inteiro. Você se torna uma extensão das próprias caixas de som, em um sentido. E eu devo admitir, porque eu posso dizer que você o ama, bem, Harry - não há nada como a sensação de ser tomado. É como o Invasion of the Body Snatchers [risos].

Você pode me dizer um pouco sobre o que aconteceu com a cultura sistema de som na Inglaterra durante os anos 80?

Os anos 1980 foram a melhor década de sempre para reggae neste país; foi essa enorme explosão de talento, não apenas em Londres, mas em todo o país. Houve essa explosão de bandas roots em todo o lugar. Quando fitas-cassetes de sons da Jamaica - se tornaram muito populares, de repente você tinha uma situação onde o cantores nascidos na Inglaterra – que frequentaram escolas inglesas, tinham incorporado elementos dos sons jamaicanos. Você tinha contadores de histórias reais emergindo. Dubplates tornaram-se menos importantes; o desempenho dos DJs e cantores assumiu. Essa foi uma geração tão talentosa com MCs e cantores em sistemas como o Saxon.

Em 1984 Papa Levi teve um hit número um na Jamaica com "Me God Me King". Isso nunca tinha sido feito antes, na verdade, nunca foi feito, mas foi incrível. Um indivíduo novo do sul de Londres, de Lewisham, que aprendeu seu ofício em clubes de jovens locais, e de repente ele tem um hit número um na Jamaica - a casa dos sistemas de som de reggae, a casa da cultura reggae. Para realmente testemunhar DJs e MCs jamaicanos serem forçados em ter o pé atrás e, em seguida, e tomar estilos que originaram no Reino Unido, foi um verdadeiro ponto de orgulho se você estivesse no meio de tudo naquele ponto.

The Saxon Sound System Crew, 1983. Foto cortesia da coleção de Maxi Priest

Por que você acha Inglaterra cultivou um movimento tão forte?
Em primeiro lugar, tivemos uma maior concentração de imigrantes de West Indian. Em segundo lugar, eles trouxeram a cultura com eles. Não era uma comunidade insular, e, embora é claro, havia o racismo cotidiano e o racismo institucionalizado, e eu nunca iria negar que, na minha experiência pessoal [crianças inglesas e crianças de West Indian tinham muito em comum]. Haviam tantos elementos que poderiam compartilhar como amigos; foi um ajuste fácil e havia também um monte de relações inter-raciais acontecendo. E as comunidades da classe trabalhadora na Inglaterra, sempre tiveram grande amor pela música soul americana e rock 'n' roll americano. Sempre houve essa apreciação da música - que sempre foi um dos nossos pontos fortes como nação.

Onde quer que as pessoas do Caribe se estabelecessem, a partir dos anos 50 em diante, uma cena musical iria se desenvolver. Foi, talvez, mais fácil nos anos 70 porque havia muitos mais facilidades. Ao contrário de hoje, você tinha um excedente de habitação social; um monte de festas aconteciam em centros comunitários; havia muitos salões de igreja, clubes juvenis... Existiam muitos lugares onde a música poderia florescer e criar raízes. Havia um monte de bandas começando, por isso foi capaz de se espalhar. Eu não estou dizendo que sempre foi fácil, mas as instalações foram naquela época de uma forma, talvez, que eles não são hoje.

Lloyd Coxsone, fundador do The Sir Coxsone Outernational Sound System, 1978. Foto © Dave Hendley

Sim, Londres mudou uma quantidade enorme desde então; parece cada vez mais difícil para os locais no clima atual. Como isso afetou a cena sistema de som?
Vou te dar um exemplo: agora é extremamente caro para um sistema tocar no carnaval. As reclamações de moradores nos últimos anos significa que cada sistema tem de fornecer um nível de segurança fora de seu espaço, que é caro. Veja Sir Coxsone, por exemplo. Ninguém paga eles para tocar em Notting Hill, mas eles têm que contratar uma van para levar o sistema até lá; eles têm de pagar os técnicos de som que podem ser seis ou sete pessoas, que têm de pagar os seguranças; eles têm que ser responsáveis pela coleta do lixo, todas estas coisas. Isso custa uma quantidade enorme de dinheiro.

Houve um período na década de 80, quando tivemos o GLC sob Ken Livingstone, e ele estava muito pró a comunidade do Caribe, a favor da arte do Caribe. O GLC iria sediar uma série de shows nos parques e nas prefeituras. Foi um tempo muito progressivo, um tempo muito interessante a esse respeito. Mas quando Thatcher chegou, teve o mesmo tipo de pensamento repressivo de direita que temos agora. E isso nunca é bom para a música.

Conte-me sobre a colocação da exposição de Londres juntas, era difícil controlar as pessoas que chegavam que haviam se envolvido com os sistemas mais antigos?Inicialmente, tivemos de lançar nossa rede em torno de Londres, ver quem realmente tinha fotografias, que era a coisa principal. Nós não queremos usar apenas imagens de fotógrafos reconhecidos; queríamos as fontes das fotografias que tinham sido tiradas em torno dos próprios sistemas, mas não foram compartilhadas publicamente. Essas fotografias dão um tipo diferente de visão, e estamos com a sorte de ter uma grande exposição. Mas o que logo descobrimos é que um monte de caras mais velhos, dos sounds, não tiravam fotografias no passado, ou eles não são familiaridade com o computador, ou eles podem não estar por aqui mais – são cenários como esses.

Havia alguns sistemas antigos que eu realmente queria ter representado, mas não havia absolutamente nenhuma fotografia. Às vezes as pessoas me diziam: "Por que você não tirava fotografias nas festas, então?" Como um homem branco? Em uma festa de blues? As pessoas pensavam que eu era um policial já, ainda mais se eu tivesse uma câmera sangrando no meu pescoço [risos]. Nos anos 70 não havia nenhuma maneira de você sair correndo por aí enfiando uma câmera na cara das pessoas. E a outra coisa era que, naqueles dias em Londres, muitas pessoas não tinham uma câmera decente própria. A fotografia era algo que você realmente não fazia, no sentido moderno.

Mas eu acho que é incrível que as pessoas como Mandeep - que são de uma geração- que tem um enorme interesse nesta cultura jovem e estão preparados para assumir os riscos e colocar em exposições como esta. Eu vejo isso como uma coisa muito positiva. Eu gostaria de ver mais livros, mais filmes, mais exposições para realmente impressionar as pessoas, em especial, como esta cultura era e como continua a ser impressionante. A influência da cultura dos sistemas de som em todo o mundo é enorme agora. Estamos vendo sistemas na América Latina, África, Extremo Oriente. Nós nunca poderíamos ter imaginado que estas coisas estariam acontecendo, mesmo 20 anos atrás.

"Sound System Culture: London" abriu em 5 de janeiro no The Tabernacle, Notting Hill.

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