domingo, 31 de janeiro de 2021

THE CREATIVE ECHO CHAMMBER: CONTEMPORARY MUSIC PRODUCTION IN KINGSTON, JAMAICA

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O nome do livro - The Creative Echo Chamber - é bom porque o eco produz boas vibrações. Nos primeiros dias dos músicos como (King) Tubby, começamos a criar a música da câmara de eco criativa. Costumávamos pegar sons da TV como a música tema do filme Kojak e trabalhar com o ritmo. Foi daí que algumas das minhas músicas vieram, e chamamos de 'Lee Scratch Presents'. Era como fazer um filme, uma apresentação internacional da música. Mesmo assim, eu estava fazendo coisas de dancehall com Tubby. Era diferente do dancehall de agora.

A música da época era mais espiritual e não apenas para dançar ... ensinar, meditar, piedade, era como um mapa que as pessoas podiam seguir ... ver as crianças crescer e seguir, e geralmente incluía algo que envolvia Garvey, Rastafari e outras coisas como isso. Uma parte disso era ensinar a cultura do Rastafari. Nós, as pessoas, queríamos fugir do governo e realmente não queríamos nos misturar com eles ... era nossa filosofia que vivêssemos nossas vidas e eles vivessem as deles. Costumávamos falar sobre ganja, pois acreditávamos que o ganja deveria ser libertada há muito tempo antes.

As músicas desse período criativo incluem 'Jah Live', 'Man to Man' e 'Small Axe' - essas são as músicas que escrevi para Bob Marley quando ele me pediu para ajudá-lo. Era assim que costumávamos nos ajudar.

Foi assim que a música começou. Começamos a construir uma nação musical para representar a vibração espiritual na Jamaica. Reunimos tudo e construímos a Jamaica com um ritmo e uma bênção especial para tornar possível o impossível. É isso que estamos tentando fazer. Foi-nos dada essa energia e poder para liderar um certo número de pessoas na comunidade, para fortalecer a força da unidade. A combinação importante que temos aqui é a música - alguns podem tocá-lo e outros podem cantá-lo.
Temos a chave - uma chave mestra que deve ser do mestre que fez o bloqueio. O mestre que fez a chave nos trancou, nos fez uma chave mestra e nos mostrou como convocar o mestre para que pudéssemos fazer música representando Deus ... minha música deve estar representando Deus.

Em termos do lado comercial da música, eles (artistas) entram em seu estúdio, e você precisa se certificar de ter algum dinheiro, porque não viriam até você, a menos que você tivesse algum dinheiro.
A partir do momento em que esses artistas vêm encontrá-lo, você começa a pagá-los por causa dos problemas em casa, problemas no bolso. Então, todo esse dinheiro que você dá a eles é dinheiro grátis? E então você não deve voltar atrás ou tentar voltar atrás? Quando você tenta recuperá-lo, o que é dizem é deve ser tomado, ou arrancar deles.

O livro - The Creative Echo Chamber - é uma boa ideia. diga a verdade às pessoas, diga às pessoas o que você sabe. Não coloque no seu bolso ... você compartilha com outras pessoas, você não o coloca (seu conhecimento) no seu bolso e o esconde. Quando você compartilhar a verdade, ela alcançará todos os lugares, porque as pessoas ouvirão sobre ela e outra dirá; 'Você quer saber uma coisa, eu estava lendo um livro e sei exatamente como a música jamaicana começou e se desenvolveu'. E, finalmente, a palavra sai e o mundo sabe, e o livro saiu do escuro para dizer algo que nenhum outro livro diz.

A palavra final sobre o livro é que é uma ideia muito boa para você procurar no escuro e encontrar a verdade, e quando encontra a verdade no escuro, traz a verdade para a luz e a expõe às pessoas. Isso faz de você uma maravilha ou um gênio. História - você encontra a história real, o Black Ark Miracle (O Milagre da Arca Preta) - nem mesmo eu fiz algo sobre isso - e parece exatamente como isso. É por isso que a palavra vem assim - e isso - estava em algum lugar na sua cabeça.

Você esteve lá por muito tempo para ver a verdade, então agora você está aqui para escrever um livro sobre isso. É assim que a obra de Deus aparece e fala com as pessoas, e você ouve a palavra e diz 'É a verdade viva': é assim que Deus opera.


ASIN : B01MCXQO5C
Editora : Ian Randle Publishers (23 outubro 2016)
Idioma : Inglês
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Dicas de vocabulário : Habilitado
Número de páginas : 244 páginas


terça-feira, 26 de janeiro de 2021

DUKE REID E O TREASURE ISLE RECORDS

Reid nasceu em Portland, Jamaica. Depois de servir dez anos como policial jamaicano. Reid deixou a força para ajudar sua esposa Lucille a administrar o negócio da família, The Treasure Isle Grocery and Liquor Store na 33 Bond Street em Kingston. A Treasure Isle Records foi uma das presenças mais poderosas na cena musical jamaicana dos anos 60 e início dos anos 70, rivalizando apenas com a empresa Studio One de Coxson Dodd.

Ele entrou na indústria da música primeiro como proprietário, promotor e discotecário (ou seletor nos dias de hoje) de um sistema de som em 1953. Ele rapidamente ultrapassou Tom The Great Sebastian e seu sistema de som como o sistema de som mais popular da Jamaica. Logo ele também foi patrocinador e apresentador de um programa de rádio, Treasure Isle Time. Reid era um homem do jazz e blues de coração, Reid escolheu "My Mother's Eyes" de Tab Smith como sua música tema. Outros favoritos dele incluía Fats Domino, uma influência notável no inicio de Reid na música.

Ele começou a produzir gravações no final dos anos 1950. As primeiras produções de Reid foram gravadas em estúdios de terceiros, mas quando o negócio da família mudou de Pink Lane, Kingston para Bond Street, Reid montou seu próprio estúdio acima da loja. Ele se tornou proprietário de uma série de selos, principalmente Treasure Isle e Dutchess. Grande parte de sua receita derivou de acordos de licenciamento com empresas no Reino Unido, algumas das quais criaram selos especializados nas produções do estúdio de Duke Reid. A Treasure Isle Records foi uma das presenças mais poderosas na cena musical jamaicana dos anos 60 e início dos anos 70, rivalizando apenas com a empresa Studio One de Coxsone Dodd.

Ele dominou a cena musical jamaicana dos anos 1960, especializando-se em ska e rocksteady, embora seu amor pelo jazz americano, blues e soul fosse evidente. Reid tinha várias coisas a seu favor que o ajudaram a ganhar destaque. Ele fez um esforço concentrado para estar no estúdio tanto quanto possível, algo que seus colegas não fizeram. Ele era conhecido como um perfeccionista e tinha um talento especial para adicionar sons sinfônicos às suas gravações e produzir arranjos densos. Além disso, suas gravações eram consideravelmente mais longas do que os produzidos por seus rivais. Suas melodias costumavam quebrar a barreira dos quatro minutos, enquanto a maioria das canções do ska não durava mais que dois minutos. O material lançado pela Treasure Island exemplifica a sensação mais cool e elegante da era rocksteady.


Duke Reid causou impacto com sua presença em brindar batalhas, tentando superar outros DJs. Ele usava uma longa capa de arminho e uma coroa dourada na cabeça, com um par de revolveres Colt 45 em coldres de cowboy, uma cartucheira amarrada no peito e uma espingarda carregada sobre o ombro. Não era incomum que as coisas saíssem do controle e contam que o Duque Reid colocava a multidão sob controle disparando sua espingarda para o alto. 

Reid inicialmente não gostava do ska por ser muito simples e focar muito mais na bateria do que na guitarra. No entanto, ele eventualmente produziu ska e fez vários sucessos.  As produções de ska de Reid na década de 1960 "sintetizaram o auge absoluto do estilo", de acordo com o historiador da música Colin Larkin. Ele teve uma longa sequência de sucessos com artistas como Stranger Cole, the Techniques, Justin Hinds and the Dominoes, Alton Ellis and the Flames, The Paragons, The Jamaicans, e The Melodians.

O sucesso jamaicano do duque refletiu no Reino Unido, onde os registros de Duke Reid eram os favoritos entre as comunidades das Índias Ocidentais do país, bem como entre os jovens mods britânicos e seus sucessores, os skinheads. A influência e credibilidade de Treasure Isle entre os fãs de música jamaicanos no Reino Unido é ilustrada pela decisão de usar seu selo ‘Trojan Records’ como o nome da empresa que, é claro, dominou a cena reggae britânica até meados dos anos setenta.

A música de Duke Reid permaneceu uma pedra angular da Trojan Records e na indústria do reggae como um todo, seu catálogo continuou a exercer uma influência, local e internacionalmente, com seus sucessos lançados e regravados por incontáveis ​​artistas.


Na década de 1970, a saúde debilitada de Reid e a tendência para o reggae de raízes rastafari influenciou visivelmente o número de lançamentos de Treasure Isle. Reid proibiu as letras do Rasta de serem gravadas em seu estúdio e, portanto, Coxsone Dodd foi capaz de dominar a indústria fonográfica jamaicana. Reid manteve seu perfil em grande parte gravando o "brinde" dos DJs U-Roy e Dennis Alcapone, bem como curiosidades vagamente influenciadas pelo Rasta, como "Aily-I" de Cynthia Richards.

Por volta dessa época, o pupilo de Reid, Justin Hinds, notou que seu chefe parecia doente e recomendou um médico. Câncer foi diagnosticado e Reid decidiu vender a Treasure Isle para Sonia Pottinger, viúva de seu amigo Lenford "Lennie the King" Pottinger e já dono da High Note Records, que era uma das maiores gravadoras da ilha. Ele permaneceu envolvido por um tempo atuando como magistrado, mas morreu em 1975.

Em 2012, a Treasure Isle finalmente voltou ao redil em grande estilo, quando a Trojan adquiriu direitos mundiais completos e exclusivos, junto com o acesso aos arquivos das fitas originais, contendo literalmente centenas de gravações não lançadas.

Além disso, como parte do acordo, a Trojan também ganhou os direitos mundiais dos catálogos de Lindon Pottinger e sua célebre esposa Sonia, que entre meados dos anos 60 e o final dos anos 70 lançaran incontáveis ​​sucessos em seus selos Gay Feet e High Note, com artistas como como Marcia Griffiths, Max Romeo, Bob Andy, Culture e Junior Murvin em seu elenco altamente impressionante.


Bibliografia:


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segunda-feira, 25 de janeiro de 2021

BYRON LEE E O DYNAMIC SOUNDS

Byron Lee no Dynamic Sounds
Lee nasceu em Christiana, Manchester Parish, Jamaica, filho de mãe chinesa-jamaicana Evelyn Chung e pai chinês Oscar Lee (um professor de línguas) originalmente de Kowloon, Hong Kong. A família mudou-se para a área de Mountain View Gardens de Kingston quando Lee tinha cerca de 8 ou 9 anos de idade. Ele aprendeu a tocar piano em uma escola de convento em Mandeville, mas colocou a música em espera quando foi selecionado para a seleção nacional de futebol da Jamaica. Ele aprendeu sozinho a tocar baixo em um instrumento caseiro, e por volta de 1950, junto com seu amigo Carl Brady, ele formou a primeira encarnação dos Dragonaires, em homenagem ao time de futebol da faculdade para o qual eles jogavam, naquela época concentrado no mento. A banda se profissionalizou em 1956 e se tornou uma das principais bandas de ska da Jamaica, continuando desde então e incorporando outros gêneros como calypso, soca e mento. 

De acordo com Michael E. Veal em seu livro Dub: soundscapes and shattered songs in Jamaican reggae, Wesleyan University Press, 2007, Byron Lee é conhecido por ter introduzido o baixo elétrico na Jamaica no final de 1959 ou 1960. No entanto, a razão Lee começar a usar o baixo elétrico em oposição ao contrabaixo não tinha nada a ver com o som. Em vez disso, era uma forma de Lee evitar carregar o grande e pesado contrabaixo para o caminhão, para ir de show em show. O baixo logo ganhou popularidade em todo o país e logo se tornou o padrão. O som do baixo elétrico mais alto, mais claro e mais direto logo mudou todo o som da música jamaicana por completo, especialmente depois que o baixista do Skatalites Lloyd Brevett começou a gostar dele.  
A banda gravou seu single de estreia, "Dumplin's", em 1959 nos estúdios WIRL (West Indies Records Limited) de propriedade do futuro primeiro ministro Edward Seaga, que se tornou o empresário da banda. O single foi lançado pelo selo Dragon's Breath do Dragonaire na Jamaica, e foi o segundo lançamento pelo selo Blue Beat no Reino Unido, e foi incomum para um single jamaicano, pois apresentava um órgão elétrico e um baixo Fender que Lee havia comprado durante uma visita aos Estados Unidos. 

Lee e Seaga perceberam que ska era a música para fornecer à Jamaica uma identidade musical que poderia quebrar o domínio do R&B americano, e os Dragonaires se tornaram uma das maiores bandas de ska do início dos anos 1960, lançando singles como "Fireflies", "Mash! Mr Lee","Joy Ride"e uma versão ska de "Over the Rainbow", ambos com seu próprio nome e como The Ska Kings. Em 1961, a banda teve uma grande oportunidade quando foi escalada como a banda do hotel no primeiro filme de James Bond, Dr. No. A banda executou várias canções no filme, embora as gravações tenham sido feitas pelo guitarrista Ernest Ranglin. Em 1964, a banda apareceu em um programa chamado “This is Ska!” ao lado de Jimmy Cliff, Prince Buster e Toots and the Maytals. 

A banda recebeu outro grande impulso quando foi selecionada por Seaga, então chefe do 'Bem-Estar Social e Desenvolvimento Econômico' da ilha, em 1964 para viajar para a Feira Mundial de Nova York e se apresentar como banda de apoio para uma vitrine de talentos jamaicanos, incluindo Jimmy Cliff , Prince Buster e Millie Small. A viagem não foi um grande sucesso, com os músicos "uptown" dos Dragonaires não se encaixando com os outros artistas "downtown". Percebendo que seu apelo para as multidões de ska estava diminuindo, Lee levou a banda em uma nova direção, incorporando calipso e fazendo turnês por Trinidad e Tobago em 1963 e 1964. Além disso, a banda contribuiu com a parte instrumental da gravação de 'Only A Fool' de Mighty Sparrow em 1966. 

Lee também trabalhou como produtor, produzindo muitos dos singles de ska de The Maytals, e empreenderorismo o levaram a organizar a turnê Byron Lee's Spectacular Show, que envolveu vários grupos e cantores jamaicanos (incluindo The Maytals) em turnê pelo Caribe. Ele também se tornou o chefe de distribuição na Jamaica da Atlantic Records. A relação com a gravadora levou Byron a lançar discos da Dragonaires nos EUA, incluindo dois álbuns programados para capitalizar os ganhos gerados pelas apresentações na Feira Mundial, 'Jump Up' e 'Jamaican Ska' (no qual os Dragonaires apoiaram nomes como The Blues Busters, The Charmers, The Maytals, Stranger Cole, Ken Boothe e Patsy Todd). 

A banda também teve como alvo o mercado internacional do rocksteady com álbuns principalmente de versões cover, como 'Rock Steady Beat' e Rock Steady '67. Além disso, a Atlantic Records tentou empurrar o álbum Jamaican Ska usando o produtor e engenheiro de som Tom Dowd, que produziu todos os maiores singles de Aretha Franklin, para produzir o álbum. Além disso, os Dragonaires foram renomeados como "The Ska Kings" no álbum. Infelizmente, apesar dos melhores esforços da Atlantic, o álbum Jamaican Ska não conseguiu decolar nos Estados Unidos, embora o disco "Jamaica Ska" tenha se tornado um dos 30 primeiros nas paradas do Canadá.

O selo/ gravadora West Indies Records Limited (WIRL) era um estúdio de gravação na Jamaica. Foi criado por Edward Seaga. O estúdio estava localizado na Bell Road. O estúdio foi inaugurado em 1958. Seaga recrutado do show de talentos de Vere John. O WIRL tinha a franquia da Columbia Records na Jamaica. Seaga mais tarde se tornou primeiro-ministro da Jamaica. A faixa gravada e lançada pelo selo WIRL "Oh Manny Oh" de Higgs e Wilson vendeu mais de 50.000 cópias na Jamaica em 1960 - um número absurdamente alto.  

E enquanto Seaga perseguia sua carreira política, ele o vendeu para Byron Lee, que o rebatizou de Dynamic Sounds e o expandiu com uma fábrica para prensar discos. Lee comprou os estúdios WIRL da Seaga e se transformou na Dynamic Sounds Recording Co., onde os Dragonaires gravavam habitualmente, usando as instalações superiores para gravar uma série de álbuns bem produzidos durante o final dos anos 1960 e início dos anos 1970, muitas vezes contendo versões de covers destinadas a turistas, e eles gravaram uma série de álbuns intitulados "Reggay" no início dos anos 1970. O Dynamic Sounds logo se tornou um dos estúdios mais bem equipados do Caribe, atraindo artistas locais e internacionais, incluindo Paul Simon e The Rolling Stones, que gravaram sua famosa canção "Angie" no Dynamic Sounds. As produções de Lee incluíram Reggae 'Happening de Boris' Gardiner, 'Grooving Out on Life' de Hopeton Lewis e 'Johnny Too Bad' dos Slickers

O WIRL também estabeleceu uma divisão barbadiana. Na Jamaica, o Dynamic Sounds lançou discos de Toots & the Maytals, Eric Donaldson, John Holt, Barry Biggs, Freddie McKay, Tommy McCook e Max Romeo em várias selos, incluindo Jaguar, Panther, Afrik e Dragon.

O nome WIRL permaneceu com sua divisão em Barbados e permaneceu como a marca sempre popular da música Bajan até 1995, quando mudou seu nome para E.A. Best Music Ltd, e eventualmente com seu nome atual, Caribbean Records - ainda a maior gravadora e distribuidora de Barbados. De volta à Jamaica, a Dynamic se tornou uma força maior do que nunca, investindo na apresentação de mais talentos da Jamaica para o vinil, incluindo Toots & the Maytals, Eric Donaldson, John Holt, Barry Biggs, Freddie McKay, Tommy McCook e Max Romeo. em selos como Jaguar, Panther, Afrik e Dragon.

O Dynamic também atuou como um dos principais distribuidores de discos da Jamaica. A Trojan Records administrou os álbuns dos estúdios no exterior e lançou compilações das gravações produzidas no estúdio e lançadas pelo selos do Dynamic Sounds


Bibliografia:



domingo, 24 de janeiro de 2021

COXSONE DODD E O STUDIO ONE

Poucos jamaicanos que cresceram durante os anos 60 podem esquecer a espera pelo “point” (festa) do próximo fim de semana. Depois de uma semana tediosa passada em uma cidade quente e úmida, era importante se vestir bem e sair, se socializar com os amigos e dançar. A chave do sucesso para qualquer festa sempre foi fazer as pessoas dançarem e mantê-las dançando. Naquelas noites frescas da Jamaica ... dançando em uma sala de estar sem móveis ... escura, quase escura ... ouvindo os últimos sons estrondosos de grandes caixas de som ... parecia que o único lançamento para a frustração de todos era dançar. E pelo menos não parecia importante se você fosse rico ou pobre. Talvez fosse um sinal do que estava por vir, que as pessoas mais pobres tinham os maiores alto-falantes, mas ainda era apenas a música que contava. Nada parecia importar quando você estava dançando ao som de Alton Ellis ou Marvin Gaye: a Jamaica nos anos 60 era unida pela música.

Clement Dodd, o homem que moldou grande parte da música jamaicana, começou a se interessar por música ouvindo jazz americano: Louis Jordan, Lionel Hampton, Billy Eckstine e Ella Fitzgerald. Embora seus interesses comerciais o tenham afastado do jazz, ele sempre permaneceu como sua música favorita. Nos anos 50, ele começou a colecionar discos de R&B trazidos para a ilha por trabalhadores rurais migrantes que deixaram a Jamaica para trabalhar na Flórida. Foi essa música preta, crua e não escolarizada que atingiu um acorde na psique jamaicana.


Por volta de 1954, a consciência de Coxsone do potencial comercial do R&B o levou a montar sua primeira aparelhagem de som para tocar em festas que eram um esteio da vida social jamaicana. Como a música R&B formava a maior parte dos pedidos das festas, era importante atender à demanda crescente assim que os hits começassem a ficar obsoletos (ou, como dizem os jamaicanos, "comuns"). Para atender a essa demanda, Coxsone foi forçado a viajar pelos EUA para buscar sucessos locais e trazê-los de volta para casa. Ao ser exposto a esses novos sons, seus shows se tornaram mais populares do que outros sistemas de som antigos, como Count Nick, Woodie e Tom the Great Sebastian. No auge dessa mania de aparelhagens, Coxsone tinha até cinco shows diferentes por noite (o preço médio de entrada para essas festas era cerca de 50 centavos de dólar americano).

Isso não poderia durar para sempre, e quando o rock 'n' roll na América eclipsou o R&B, Coxsone ficou sem produto suficiente para atender à demanda local e foi forçado a gravar sua própria música para abastecer seus fãs. Como ele explicou:

Então decidi fazer algumas gravações locais para o sistema de som. Quando comecei, não sabia que poderia ser um negócio comercial a ponto de vender meus próprios discos. Então, depois das primeiras três ou quatro sessões, o feedback foi muito bom porque as pessoas começaram a dançar. Essa foi a era Ska; fizemos muitos instrumentais como “Shuffling Jug” e “Easy Snapping”.

O ska, uma versão jamaicana de R&B, foi uma partida clara das gravações jamaicanas tradicionais, que eram calipso ou baladas lentas. Coxsone não vendeu essas gravações inicialmente. Ao mantê-las exclusivas, ele tinha uma vantagem sobre os sistemas de som existentes e mais recentes, como Duke Reid 'The Trojan', King Edwards e Lord Koo's, que também estavam tendo dificuldade em encontrar novos discos de R&B nos Estados Unidos.

O sucesso dessas novas gravações inspirou Coxsone a se ramificar em shows ao vivo para destacar seus artistas. Owen Gray e os Blues Busters superaram esses projetos iniciais de sucesso. Outro aspecto importante desses primeiros shows foi que eles eram inovadores, os shows na Jamaica não tinham sido puramente baseados na música.

Coxsone fez experiências com Delroy Wilson, Millie Small, The Wailers e The Maytals. A nata de seus músicos de estúdio era conhecida como The Skatalites, numerando em suas fileiras Don Drummond, uma figura seminal do ska. O ska imediatamente se tornou uma sensação internacional, gerando incontáveis ​​álbuns de covers nas principais gravadoras dos EUA.


Em 1962, o Sr. Dodd construiu um estúdio em Brentford Road em Kingston, onde lançou seu próprio selo “Studio One”. O estúdio, além de permitir a independência artística de Coxsone, foi o berço do rocksteady. RockSteady era o termo local para a nova batida, mais lenta do que o ska.

O nome saiu de um grupo deles [músicos] falando sobre isso. No RockSteady tentamos fazer com uma batida realmente cativante e constante para dançar porque em RockSteady foi quando percebemos o quão importante era a linha do baixo. Tão importante quanto o vocal, ter uma linha de baixo estável, uma linha de baixo cativante.

Ainda mais do que o Ska, o RockSteady formou a base para o Reggae, e foi a desejável lentidão do RockSteady e a linha de baixo contagiante que criou uma música que rivalizaria com qualquer black music urbana do período. Grupos como The Heptones e The Cables e artistas como Alton Ellis, Slim Smith e Bob Andy estavam produzindo um som tão liricamente e musicalmente realizado quanto qualquer um de seus colegas em Detroit e Memphis. Compare qualquer lançamento da Motown desse período com seu equivalente jamaicano e você perceberá como Alton Ellis na Jamaica pode ser tão popular quanto Marvin Gaye. O rock constante jamaicano e o soul americano não eram primos distantes, mas sim músicas relacionadas com o mesmo molde. Ambos eram produtos dinâmicos da mesma experiência urbana preta.

Coxsone sempre manteve sua popularidade não apenas por seu talento em saber o que era bom gravar e produzir música consistentemente inovadora, mas pelo fato de ainda ouvir o homem na rua.

Porque eu tinha meu próprio estúdio eu fiz muitas experiências, o que eu fazia ... Eu gravo a música, coloco em uma placa de acetato (dubplate) e vou direto para o salão de dança assistir a reação. Muitas vezes, fazemos o disco e o mudamos, observamos a reação e mudamos de acordo com os fãs. Como eles estavam se movendo e não tanto quanto o que as pessoas dizem.

Embora Coxsone no início dos anos 80 não estivesse correndo com as festas e seu sistema de som para mostrar seu álbum de sucesso mais recente, ele ainda estava descobrindo e exibindo novos talentos. Sugar Minott, Michigan e Smiley, Jennifer Lara, Freddie McGregor e Johnny Osbourne devem sua própria “descoberta” diretamente a Coxsone. Em 1982, "Full Up" alcançou nova popularidade quando relançado como "Pass the Dutchie" pelo grupo Musical Youth, cuja versão alcançou o primeiro lugar nas paradas pop do Reino Unido, bem como em outras paradas europeias. O cover do The Clash de "Armagideon Time" de Willie William trouxe a obsessão do punk pelo Reggae para o primeiro plano e abriu outra porta para o Studio One. “Smile” de Lily Allen chega às paradas em todo o mundo usando uma sample do Studio One de “Free Soul”. O Prodigy gravou com um sample de "Ethiopian Peace Song" de Al T Joe para a faixa "Thunder". Outros artistas que experimentaram canções do Studio One incluem Born Jamericans, Ayatollah e KRS-One. Em 1994, Dawn Penn refez seu lançamento de 1967 no Studio One para aclamação mundial. Ele gerou covers de Rihanna e Ghostface Killah com cover da Beyonce em sua turnê mundial de 2009.

A música do Studio One é atemporal; há inúmeros outros exemplos de música e ritmos que ele produziu anos atrás, saindo pela segunda vez, uma terceira vez, ou até muitas mais vezes, como sucessos de outros músicos. Quem acompanha a música Reggae há anos sabe que o Studio One ainda é o melhor som que existe. Ouvimos isso diariamente nos incontáveis ​​remakes dos grandes sucessos de Clement Dodd, e sabemos que qualquer novo sucesso provavelmente terá sua marca.

Em amorosa memória de Clement Seymour Dodd, 1932-2004

Bibliografia: 

 

sábado, 23 de janeiro de 2021

KEN KHOURI E A FEDERAL RECORDS

Ken Khouri nasceu na Paróquia de Santa Catarina em 1917, filho de pai imigrante libanês e mãe de origem cubana, cresceu em Richmond e Highgate. Sua família trabalhava com armarinhos e móveis. Ele se mudou para Kingston quando jovem e ingressou na empresa de varejo E.A. Issa and Brothers Limited que possuía jukeboxes operando em bares de rum em toda a ilha. A empresa pertencia à família Issa, que eram amigos de sua família, e lá ele aprendeu sobre o negócio da música. 

Quando seu pai precisou de tratamento hospitalar especializado, ele voou com ele para Miami, Flórida, e por acaso ouviu alguém vendendo uma máquina de gravação de discos (acetatos). Khouri comprou a máquina e os discos e voltou com eles para Kingston, onde em 1947 montou um serviço de gravação de voz. Khouri fez gravações de bandas locais e, como não havia instalações de prensagem de discos na Jamaica, ele as enviou ao Reino Unido para serem prensadas. 

Percebendo as possibilidades comerciais, ele decidiu abrir um negócio de gravação de música e viajou para a Califórnia para adquirir o equipamento de que precisava para montar sua própria fábrica. Tendo até então tido discos prensados nos Estados Unidos, ele também montou uma fábrica de prensar discos de vinil no início dos anos 1950, e começou a prensar cópias de discos americanos sob licença dos direitos autorais.  Inicialmente, Khouri lançou principalmente música mento e calypso, posteriormente gravando as primeiras músicas de ska e rocksteady.

No início dos anos 1950, ele montou o selo Times Record Limited com Alec Durie, dono da loja Times em Kingston, e começou a produzir Mento com músicos locais, a primeira vez que isso foi feito na Jamaica. Uma de suas primeiras gravações foi "Naughty Little Flea", de Lord Flea. Os discos prensados ​​por Khouri e outros como Stanley Motta ajudaram a criar a era de ouro da música mento e a levaram para um novo público.

A Times Records Limited foi renomeada como Federal Records no início dos anos 1960.


A empresa foi uma potência durante as décadas de 1960 e 1970. Ken Lazarus, Ernie Smith, Ken Boothe, Pluto Shervington, guitarrista Ernst Ranglin, Don Drummond, Winston Turner Quintet, Eric Grant Orchestra, Gladstone Anderson, Cecil Lloyd, The Maytals, Eric Morris, Granville Williams Orchestra, Delroy Wilson, Marcia Griffiths, Bob Andy, Derrick Harriott, Tinga Stewart, Roland Alphonso, John Holt, The Meditations, John Jones, Eddie Lovette, The Zodiacs, Byron Lee e The Dragonaires, Archie Lewis, foram apenas alguns dos artistas que gravaram canções de sucesso lá. [13] [14] [15] [16]

Em 1965, o cantor Hopeton Lewis gravou seu hit rocksteady "Take It Easy" na Federal Records, geralmente reconhecido como o primeiro single rocksteady gravado. O estilo de batida mais lenta e baixo desse novo gênero rocksteady se tornou a escolha dos foliões na Jamaica em vez do Ska baseado no jazz. Isso levou Khouri à criação do selo Merritone em 1966.  Dentro da Federal Records. Merritone foi bem-sucedido e influente, embora tenha vida curta. 

Khouri contratou o cantor americano Johnny Nash para gravar música jamaicana, produzindo seu primeiro hit internacional "Hold Me Tight" em 1968, que vendeu seis milhões de cópias globalmente e colocou o reggae nas paradas americanas.

Bob Marley gravou seu primeiro single "Judge Not" em 1962 na Federal Records. Jimmy Cliff também gravou sua primeira faixa em 1962 nos estúdios Federal para o sistema de som de Count Boysie, que, por sua vez, iria tocar a faixa em bailes, embora o single nunca tenha sido lançado. 

A versão reggae do artista jamaicano Ken Boothe da canção "Everything I Own" foi lançada em 1974 pela Federal Records e alcançou o número um nas paradas de singles do Reino Unido em 26 de outubro de 1974, e permaneceu no topo das paradas por três semanas. 

Algumas cenas do filme The Harder They Come, de 1972, foram filmadas no Federal Studios.  

Em 1981, Khouri vendeu o estúdio e seus direitos comerciais para a gravadora Tuff Gong Records de Bob Marley, propriedade da esposa de Marley, Rita, que mudou o nome de Federal Studios para Tuff Gong Recording Studios.

Khouri foi descrito como um pioneiro e visionário. De acordo com Lloyd Bradley (em seu livro Bass Culture), sem Khouri a "... nova indústria [de produção de discos jamaicana] provavelmente teria nascido morta. Ken Khouri sempre seria uma figura central: qualquer um que tivesse uma música em seu cabeça poderia vir a Ken para gravá-la ... e ser pressionado a tudo o que ele pensasse que poderia vender.

O engenheiro de gravação e fundador da Island Records, Graeme Goodall disse: "Se há um denominador comum em tudo, não no que diz respeito ao conteúdo musical, mas em todo o processo [de desenvolvimento da indústria fonográfica jamaicana], esse foi Ken Khouri , Papa Khouri. Porque foi ele quem teve a visão de desenvolver a indústria, sabe, construir o estúdio, construir a fábrica de prensagem. Ele era um empresário libanês muito bem-sucedido, mas quer dizer, ele foi o alicerce de tudo isso.

Em uma entrevista, ele comentou sobre sua falta de reconhecimento na indústria musical jamaicana, afirmando que além de alguns não-jamaicanos e alguns antigos associados como Prince Buster ou Pluto Shervington: "Ninguém nunca diz obrigado ... Eu prefiro que você não diga, mas estou decepcionado, especialmente com o Governo, por não reconhecer minha contribuição.” 

Em 2001, ele foi introduzido no Hall da Fama da Fundação para o Desenvolvimento das Artes e Cultura do Caribe e, antes de sua morte, recebeu a medalha de prata Musgrave por suas contribuições para a indústria musical. Ele morreu em Kingston em 2003, aos 86 anos. 

Bibliografia;



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sexta-feira, 22 de janeiro de 2021

A HISTÓRIA DE CASSIANO, O GÊNIO ESQUECIDO E ÍCONE DA MÚSICA PRETA BRASILEIRA

Conhecido pelas novas gerações por uma citação na música de Racionais MCs, Cassiano tem um lugar importantíssimo na música brasileira e na consolidação do movimento negro no país

Cassiano tem seu nome marcado na história da música, mas, infelizmente, é pouco conhecido das novas gerações.

Sua qualidade como cantor e compositor o coloca no mesmo nível que Tim Maia, porém, injustamente, com menos holofotes.

Genival Cassiano dos Santos nasceu em um bairro pobre da cidade de Campina Grande, na Paraíba. Quando criança, aprendeu os primeiros acordes de violão com seu pai, amigo íntimo da fera Jackson do Pandeiro.

Ao chegar com a família ao Rio de Janeiro, em meio a um grande processo migratório, Cassiano conseguiu emprego de servente de pedreiro. Nos horários e dias de folga, aproveitava para treinar acordes de violão e bandolim. Durante os anos 60, período em que a música negra, principalmente o soul, passavam a fazer cada vez mais sucesso, o cantor se junta com Hyldon e outros músicos e formam a banda “Bossa Trio” que, mais tarde, se converteria em os “Diagonais”, grupo responsável, junto com Tim Maia, pela difusão da música negra pela região sudeste.

O Síndico havia voltado dos Estados Unidos há pouco tempo e estava na fissura para produzir, encontrou no Brasil Cassiano, que tocava junto com sua banda na noite de São Paulo e Rio de Janeiro. Impressionado com o talento do cantor na guitarra, voz e composição, Tim Maia convida Cassiano para a gravação do primeiro álbum do Síndico, em 1970. Foi nesse disco que Tim inseriu duas composições do cantor Paraibano “Eu amo você” e “Primavera”, sucessos que ajudaram Cassiano a tornar seu nome conhecido e passar para a carreira solo, arrastando muito fãs pelo caminho.

Seu primeiro disco solo foi “Imagem e som”, de 1971. Neste LP, interpretou “Ela mandou esperar” e “Tenho dito”, ambas em parceria com Tim Maia, e ainda, “Primavera”, com Silvio Rochael e “Uma lágrima”. O primeiro lançamento foi um grande sucesso, o que garantiu a segunda gravação, denominada: “Apresentamos o nosso Cassiano” álbum no qual interpretou dez composições de sua autoria, dentre elas, “Cedo ou tarde”, com Suzana, “Me chame atenção”, com Renato Britto e “Castiçal”.

Mas a grande explosão de sucesso viria em 1976, quando lançou o disco com duas de suas músicas mais conhecidas: “A Lua e Eu” e “Coleção”, ambas viraram temas de novela da Globo e marcaram uma geração de fãs da música negra.

O grande sucesso do cantor ajudou a impulsionar o movimento negro no Brasil, o qual se reunia em torno dos bailes organizados em São Paulo e Rio de Janeiro sob a égide da trilha sonora composta por Cassiano.

Porém, com toda a genialidade, o cantor foi acometido por problemas respiratórios e foi submetido à retirada de um dos pulmões, fato que levou ao enfraquecimento de sua voz e, consequente, aposentadoria. Nas décadas de 80 e 90, Cassiano compôs músicas para Alcione e outros cantores famosos, fez pequenas participações em um disco aqui e outro ali.

Nos anos 90, esquecido pela indústria cultural brasileira e pouco lembrado pelas novas gerações, a gravadora Universal retoma a voz do cantor no disco “Velhos camaradas”, de Cassiano, Tim Maia e Hyldon, álbum que reuniu alguns sucessos de cada um dos artistas e fez um estrondoso sucesso de vendas e público.

Atualmente, o cantor continua vivo, mas pouco participa da indústria musical atual. Suas composições são tocadas todos os dias em videokês. Para as novas gerações, ele é lembrado pela citação em uma das músicas dos Racionais “Vida Loka – parte II: “Ouvindo Cassiano, há, os gambé não guenta”.

Na maior parte das vezes, o nome do cantor passa despercebido por entre as batidas do rap do grupo paulista. Percebemos que poucos entenderam que Cassiano foi fundamental para o estabelecimento da música negra no Brasil e, sem ele, certamente teríamos um Racionais muito diferente do que é.

Cassiano é um daqueles gênios que aparecem em nosso país, entretanto, não é lembrado como deveria, nem de acordo com o talento e trajetória que teve.

Aqui guardamos um espaço para seu legado e para sua importância para a música brasileira, principalmente aquelas que tocavam em barracos de comunidades pobres, enquanto o jovem negro penteava seu cabelo no garfo pra dar um rolê na noite de sábado.

Grande Cassiano!


 

'AFRO-LATINX REVOLUTION': UM DOCUMENTÁRIO SOBRE IDENTIDADE E RACISMO NO CORAÇÃO DE LOÍZA

A renomada jornalista Natasha S. Alford externaliza as dúvidas e o debate sobre sua identidade afro-latina tomando o pulso dos habitantes de Loíza, em Porto Rico.


O filme pretende destacar o racismo entre os porto-riquenhos que afeta
 a vida de boricuas e afro-latinos. Foto: Afro-Latinx Revolution

Já disponível em múltiplas plataformas de streaming, o documentário da renomada jornalista Natasha S. Alford; 'Afro-Latinx Revolution: Puerto Rico', que aborda o profundo debate sobre a identificação interna e social de Afro-boricuas, Boricuas ou Afro-Latinxs em Porto Rico. Ele está disponível para visualização no Amazon Prime Video (se tiver acesso ao Amazon Prime nos EUA), Local Nom e theGrio.com., ou dar o play aqui no vídeo abaixo. 


Produzido em colaboração com o Pulitzer Center e adquirido pela Freestyle Digital Media, Alford também colaborou com os produtores Mikey Cordero e Frances Medina, ambos envolvidos no Defend Puerto Rico e no documentário Temblores.

A jornalista vai a Loíza para perguntar a outras pessoas da cidade como se identificam, com o objetivo de encontrar a mesma dualidade que despertou em sua memória aos 15 anos, quando enfrentou suas raízes africanas na bomba - dança porto-riquenha. Desde os protestos de 2019, o racismo entre os porto-riquenhos que afeta a vida dos boricuas (aqui no Brasil seriam mulatas), ou afro-latinos foi mais prontamente denunciado.

Como um dos entrevistados apontou, a mistura cultural e genética entre hispânicos, africanos e franceses faz com que pareçam "muito latinos para serem pretos e muito pretos para serem latinos". Os efeitos não são apenas os estereótipos, mas também a representação eurocêntrica dos porto-riquenhos e a ignorância de suas raízes africanas.

A experiência de Alford é mais ou menos semelhante à dos outros entrevistados. O resultado é uma certa variedade de termos para definir essa miscigenação, que vai desde o termo "afro-latino" até "afro-porto-riquenho".

É catastrófico quando o documentário expõe a separação que ainda existe em certas áreas da sociedade porto-riquenha, um racismo interno que se expressa em espaços separados e que obriga as pessoas que se movem entre os dois a se limitarem a um só quando operam em círculos sociais. . Há um profundo problema de concepção do africano que funciona quase como uma réplica do sistema colonial.

Para além do debate sobre o termo específico e até que ponto os novos neologismos continuam a ser coloniais, o documentário é uma oportunidade não só de apontar injustiças sociais, mas também de abraçar outras mudanças demográficas objetivas, como o facto de, em 2000, 80% da população se identificava como branca e esse número diminuiu para 76% em 2010.

A pluralidade da cena Boricua ou Afro-Latinx também emerge em entrevistas com vários artistas, como Ralez, Hanzen, e em referências a Rafa Pabon, bem como em suas pesquisas sobre as origens da bomba e da plena (música e dança porto-riquenha).

Em suma, o documentário é um testemunho no coração de Loíza, onde Alford investiga coletivamente suas raízes africanas.

Eu queria contar uma história que centralizasse as vozes negras em nossas conversas sobre a identidade Latin@/x; destacando sua complexidade, beleza, poder e diversidade de pensamento. Muitas vezes, a imagem popular de ‘Latinidad’ apaga os afro-latinos, junto com suas realizações e contribuições históricas”, disse ela.


UM GUIA PARA A DISCOGRAFIA DO ARQUITETO DO REGGAE BRITÂNICO DENNIS BOVELL


É impossível contar a história do reggae britânico sem Dennis Bovell. Como produtor, baixista, compositor, DJ e engenheiro de gravação. Ele esteve no estúdio ou no palco desde a descoberta da música no início dos anos 70, passando por suas voltas e reviravoltas subsequentes - os anos de boom e os tempos de silêncio. Então, quando o diretor Steve McQueen precisava de uma música para servir como ponto focal de seu filme Lovers Rock de 2020 (em breve falamos dele aqui no fyadub) - parte de uma antologia que retrata momentos da experiência negra britânica nos anos 60, 70 e 80 - a escolha pode ter sido óbvia . “Silly Games”, uma balada tonta que alcançou o segundo lugar na parada de singles do Reino Unido em 1979, resume o estilo de reggae romântico que deu ao filme seu nome. Cantada por Janet Kay, o registro vocal assustadoramente alto da música, as letras ansiosas e o padrão de chimbal inventivo e oscilante são todos obra de Bovell.


A canção é tecida ao longo do filme, aparecendo logo no início, quando um grupo de mulheres preparando a comida a canta entre si. Mais tarde, no auge de uma festa sufocante na sala de estar, a melodia toma conta da multidão; o DJ corta a música e as pessoas continuam a dançar, mergulhados em devaneios, e cantam seus compassos finais a capela. Bovell, que deu consultoria sobre a música do filme e atuou em um pequeno papel, estava lá, cantando junto com eles e dançando ao fundo. “No roteiro, [McQueen] escreveu que o DJ havia parado a gravação e a multidão estava cantando a melodia, o que não é inédito, sabe. Mas quando eu vi o filme, a música foi tocada quatro vezes [diferentes]. Eu estava tipo, uau, quer dizer, isso é o sonho de um compositor, certo?”, Disse Bovell, falando de sua casa no norte de Londres.

"Silly Games" é uma parte fundamental da história de Dennis Bovell - como muitas de suas músicas, reaparece novamente em novas edições, versões cover e mixagens em versões dub - mas é apenas uma porta de entrada para um vasto catálogo. Como técnico de estúdio, músico ao vivo e lutador junto de uma ampla gama de talentos, Bovell colocou sua marca em centenas de discos, tanto nos bastidores quanto na frente do microfone, moldando o som do reggae britânico e suas ramificações no processo. Aqui estão apenas algumas das joias de sua ampla discografia.


Depois de se mudar de Barbados para Londres aos 12 anos, Bovell trocou suas ambições iniciais de tocar baixo com uma banda de amigos incipiente chamada Matumbi. Enquanto escrevia e gravava com aquele grupo, ele trabalhou como assistente de estúdio contratado e DJ de sistema de som. À medida que o reggae avançava pela cena do sistema de som do Reino Unido, apesar da falta de rádio ou apoio institucional, Bovell assumiu a missão de provar que o talento local da Grã-Bretanha era tão adepto do som florescente quanto seus criadores jamaicanos. Utilizando suas habilidades como multi-instrumentista, Bovell gravou canções sob uma variedade de nomes, incluindo Blackbeard, The Dub Band, The 4th Street Orchestra e African Stone - às vezes até deixando os selos em branco para ser confundido com as importações jamaicanas. “Eu tinha tantos projetos diferentes nos quais estava envolvido, que para colocá-los em prática ao mesmo tempo, eu não poderia ter colocado Dennis Bovell em todos eles. Então, inventei vários nomes artísticos diferentes”, explica ele. Seu processo semelhante a uma fábrica de combinar talentos com suas próprias produções deu origem a uma série de canções de loversrock por cantores como Louisa Mark, Marie Pierre e Janet Kay em meados dos anos 70, que incorporaram soul e disco ao som do reggae. (Um estoque dos primeiros singles com edições dub está disponível em quatro compilações: Arawak Label Showcase, The British Core Lovers, The British Pure Lovers e The British Roots Rockas.)


O outro lado dessas baladas românticas é a aproximação de Bovell na música mais explicitamente política. Quando o toaster jamaicano I-Roy chegou a Londres em meados dos anos 70, o Matumbi já havia tornado as letras conscientes uma parte essencial do som do reggae raiz e ganhou a reputação de uma banda capaz de reproduzir o som do dub ao vivo, tocando como backband de cantores como Johnny Clarke, Ken Boothe e Pat Kelly. O proprietário da aparelhagem de som Lloyd Coxsone intermediou a parceria que enviou a banda para uma turnê como banda de apoio do vocalista. “[I-Roy] amou a ideia de [tocar com uma banda ao vivo] porque então ele poderia dizer suas letras como quisesse ou repetir o refrão 10 vezes ou o que fosse,” diz Bovell. “Ele inicialmente estaria por aí por dois ou três meses, e ele estava por aí por dois ou três anos.”

Matumbi e Bovell foram fundamentais para o movimento Rock Against Racism em meados dos anos 70, e com a ascensão de Black Lives Matter nos dias atuais, Bovell se lembrou desta canção unificadora que gravou com I-Roy em 1979. Um amigo na Itália, a quem ele dera um dubplate da música, cerca de 25 anos atrás, trouxe à tona, e Bovell desenterrou a fita. “Eu fui ao estúdio do Mad Professor e fiz uma mixagem e enviei para meu amigo e ele disse,‘ Não, essa não é a voz certa ’. Eu disse, o que você quer dizer? E então ele me enviou uma cópia do que eu havia dado a ele. E com certeza era esse ritmo, mas o que I-Roy estava cantando era algo completamente diferente”, diz ele. Depois de se aprofundar, Bovell percebeu que a música foi mixada a partir de dois takes diferentes que ele uniu: “Agora, naquele [único take], ele está falando sobre a unidade do Caribe. E estou pensando que talvez eu possa lançar em breve."


Procurando capturar a cultura do sistema de som de Londres do final dos anos 70 no cinema, o diretor Franco Rosso e o roteirista Martin Stellman abordaram Bovell para a trilha sonora de seu filme de 1980, Babylon. Outra figura importante do reggae londrino - Brinsley Forde, vocalista do grupo Aswad - foi que faz o papel principal. A história segue um grupo de jovens enquanto eles navegam por bairros racistas, perspectivas de emprego inexistentes e sem apoio dos pais enquanto se preparam para um soundclash, com a música de Bovell fornecendo um acompanhamento essencial para a imersão no filme. A classificação X do filme no Reino Unido significava que qualquer pessoa com menos de 18 anos não poderia vê-lo, e o filme não foi lançado nos Estados Unidos até 2019, sendo considerado "muito polêmico e susceptível de incitar tensão racial", de acordo com um artigo no momento.

Embora Bovell seja o responsável pela trilha, sua conexão com o filme é mais profunda: sua própria experiência em 1974 de ser acusado pela polícia por supostamente instigar um motim enquanto DJs estavam fazendo um soundclash que inspirou o confronto climático do filme. No caso de Bovell, sua condenação foi anulada, mas não antes de um julgamento de um ano e seis meses de prisão. “Isso me fez desistir da minha escrita e musicalidade, em vez de ser um operador de aparelhagem, porque sistemas de som estavam sendo condenados”, diz ele. “A polícia estava pressionando os sistemas de som e shows em todos os lugares, apreendendo o som, prendendo pessoas, agredindo pessoas, confiscando ganja de pessoas.

Nos anos que se seguiram à sua experiência, Bovell iniciaria uma parceria com o poeta dub Linton Kwesi Johnson que o levou a uma série de álbuns políticos influentes, começando com Dread Beat An ’Blood, de 1978. As palavras de Johnson documentaram a situação dos presos injustamente (George Lindo em “It Dread Inna Inglan”) e dos mortos pela polícia (Blair Peach em “Reggae Fi Peach”), dando voz à realidade da violência anti-preta e do desejo preto para a libertação política. Sob as entonações de Johnson, as produções de Bovell ecoam os ritmos percussivos das palavras, enquanto seu baixo ágil se move em contraste melódico com as letras frequentemente brutais.


Sempre o líder do estúdio, os dois álbuns de dub de Bovell como Blackbeard (Strictly Dub Wize de 1978 e I Wah Dub de 1980) demonstram sua própria abordagem única e autoral no gênero impulsionado pela tecnologia. À medida que sua reputação como engenheiro de estúdio e produtor crescia, Bovell organizou gravações para uma ampla gama de sessões de estúdio, desde a estreia da banda punk do Slits, com o álbum 'Cut', em 1979, até o inovador e sobrenatural "Riot in Lagos" do LP de Ryuichi Sakamoto de 1980, 'B-2 Unit'. O álbum de Sakamoto foi o primeiro a ser gravado no Studio 80 de Bovell e explorou as possibilidades da então nova bateria eletrônica Roland TR-808. Continuando nessa direção aventureira, Bovell gravou e lançou seu próprio álbum duplo de 1981, 'Brain Damage', uma coleção de experimentos pop, desconstruções de dub e batidas dançantes. A faixa-título segue em todas as três direções ao mesmo tempo, enquanto outras canções - como uma versão punk de "After Tonight" (anteriormente um single descontraído do Matumbi) e o Afrobeat pesado de "Heaven" - exploram seu desejo para cobrir um território sônico em constante expansão.


À medida que abre novos caminhos, Bovell também revisita e recontextualiza continuamente o trabalho anterior, o que, de certa forma, sempre fez parte do plano. Uma experiência inicial de negócios com a Trojan Records, que levou Bovell e Matumbi a lançar versões rápidas de reggae de canções populares em vez de construir um catálogo de composições originais que vinham com dinheiro do lançamento, imbuiu uma veia independente no artista. “Aprendemos há muito tempo que, quando você grava algo, é seu. A gravadora não tem razão para ser responsável por isso, porque esse é o seu legado ali mesmo”, diz Bovell. “Eu achava que era legal porque eles tinham o ônus de guardar aquelas coisas em um local apropriado armazenado e devidamente catalogado e tudo mais. Mas a verdade é que é deles se eles fizerem isso.

Seu AKOUSTIK EP, lançado em 2018, apresenta versões reduzidas de suas primeiras canções, incluindo um cover de "Man in Me" de Bob Dylan, que ele arranjou originalmente para o Matumbi com base na versão harmonizada a capela dos Persuasions da música, e mais uma versão de “After Tonight” com Bovell nos vocais e violão. O retrabalho de "Silly Games" de Bovell segue em uma direção semelhante, com apenas o piano acompanhando o compositor enquanto ele próprio entrega a linha vocal notoriamente complexa.

Durante a pandemia de COVID-19, Bovell continuou a se comunicar remotamente e usou o tempo para digitalizar seus arquivos. Recentemente, as circunstâncias intervieram quando o telhado de sua garagem, onde suas fitas, CDs e cassetes estão armazenados, caiu, estimulando uma reavaliação mais profunda. “Eu passei por eles e pensei, uau, há um monte de coisas que não viram a luz do dia, coisas que eu tenho a intenção de trabalhar”, diz ele. “Tive a oportunidade de revisitar parte deste material e fazer um balanço.



quinta-feira, 21 de janeiro de 2021

KING TUBBY 'MOST NOT BE FORGOTTEN' - A VIDA DA LENDA SERÁ CELEBRADA COM SHOW E NOVO ÁLBUM DUB

Osbourne ‘King Tubby’ Ruddock

King Tubby, que é considerado o inventor do conceito do remix, foi morto em 6 de fevereiro de 1989, fora de sua casa em Duhaney Park, em St. Andrew. Ele estava voltando de uma sessão em seu estúdio na Drumalie Avenue em Waterhouse.

É no dia 6 de fevereiro o aniversário de grandes nomes do reggae como Derrick Harriot e Bob Marley que a vida de um gênio musical foi extinguida. O produtor musical e engenheiro original Osbourne ‘King Tubby’ Ruddock foi baleado e morto naquele dia de fevereiro de 1989, fora de sua casa em Duhaney Park, St Andrew. Ele estava voltando de uma sessão em seu estúdio na Drumalie Avenue em Waterhouse.

Passando três décadas, a vida e o legado de King Tubby, cujas inovações revolucionárias no estúdio o viram “elevar o papel do engenheiro de mixagem a uma fama criativa anteriormente reservada apenas para compositores e músicos”, serão celebrados de forma gigantesca. Paul Scott, o promotor do show King Tubby, ‘Sound System Club Presents: Firehouse Crew and Friends Tribute to King Tubby 31 Years Since his Passing', é inflexível ao afirmar que a grandeza de King Tubby não deve ser esquecida.

O evento está sendo planejado para reconhecer as contribuições de King Tubby para a música reggae e música eletrônica em todo o mundo. O evento é um apelo para que King Tubby seja homenageado com distinção e destaque sua contínua representação interminável do maior atributo da Jamaica: a música reggae. Assim que comecei a viajar pelo mundo, meus olhos foram abertos para o respeito concedido a King Tubby e suas criações musicais”, diz Scott, ex-gerente de negócios de Tubby, ao The Gleaner.

HOMENAGEM AO KING TUBBY

Paul Scott - Organizador e ex agente de King Tubby. 

Um evento virtual, que será transmitido ao vivo do estúdio do King Jammy em Waterhouse em 27 de março e verá apresentações do The Firehouse Crew, a banda que se orgulha de que sua carreira começou com King Tubby; participaram do evento o protegido de Tubby, Anthony Redrose; o saxofonista Dean Fraser; e os cantores Courtney Melody, Thriller U, Duane Stephenson e Miriam Simone do Suriname. A banda The Firehouse Crew estará lançando um álbum dub, Tribute To King Tubby, especialmente para o evento.

King Tubby, cujos dubs se tornaram a trilha sonora daquela época, tornando-o uma figura de imensa influência, é freqüentemente retratado como alguém vestido de humildade. Scott compartilhou com o The Gleaner que King Tubby era “muito quieto e estudioso” e gostava de ouvir um pouco de jazz, de preferência de Thelonious Monk, no final do dia. George Miller do Firehouse Crew concordou. “Ele não era muito falador. Ele era um gênio. Tubby era uma pessoa calorosa que foi nosso mentor e padrinho”, declarou Miller.

A jornada musical de King Tubby começou quando ele tinha 17 anos e dirigiu seu próprio sound system, o Tubby’s Hometown Hi-Fi em 1958. Ele atraiu U-Roy e Dennis Alcapone, que eram os DJs que cantavam no sound system. Mais tarde, ele se aventurou no mundo da engenharia de estúdio e se tornou excepcional no que fazia. Curiosamente, o trabalho pioneiro do engenheiro de estúdio como eletricista é frequentemente citado como uma das razões de sua experiência no campo da engenharia de som. Diz-se que seu conhecimento de circuitos e equipamento bruto remodelaria a paisagem musical. “O fato de ser eletricista influenciou os sons que ele criou e o conhecimento dos equipamentos com que ele trabalhou. Ele não apenas fez o equipamento eletrônico, [mas] ele poderia mudar a maneira como eles operavam para dar a ele o som que ele queria”, explicou Scott.

Tubby, que conquistou a realeza com sua capacidade de inovação, usou seu pequeno estúdio na comunidade musical de Waterhouse para produzir um som totalmente novo que “redefiniu a música popular jamaicana nas décadas de 1960 e 1970”. E, de acordo com Scott, King Tubby estava ciente de sua própria grandeza. “Sim, mas ele não se gabava disso. O título 'Rei' veio de sua inovação e do comando que ele tinha sobre os aspectos criativos do dub, que ele transformou em uma forma de arte”, elaborou Scott.

LEIA TAMBÉM; KING TUBBY - O PRODUTOR QUE TRANSFORMOU O DUB EM FORMA DE ARTE... GUIA PARA INICIANTES

Segundo uma de suas biografias, King Tubby pode ser considerado o inventor do conceito do remix, que mais tarde se tornou comum na produção de dance e música eletrônica. Seu dub mais famoso e um dos mais populares de todos os tempos foi King Tubby Meets Rockers Uptown de 1974. Diz a lenda que a sessão original foi para uma música de Jacob Miller chamada Baby I Love You So, que apresentava o baterista de Bob Marley, Carlton Barrett, tocando um ritmo tradicional 'one drop'. Quando Tubby completou o dub, que também contava com Augustus Pablo na melódica, a bateria de Barrett se regenerou várias vezes e criou um ritmo totalmente novo, que mais tarde foi marcado como "rockers". Esta faixa seminal também apareceu mais tarde no álbum de 1976 de Pablo de mesmo nome, King Tubby Meets Rockers Uptown.


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