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quarta-feira, 3 de março de 2021

UMA NOVA EXPLORAÇÃO DOS ÁLBUNS DE SUN RA

Ilustração: Robert Beatty

Talvez tenha sido escrito com o brilho das estrelas - ou, mais provavelmente, predito na escuridão que os cerca! Nos últimos anos, o crescimento da admiração coletiva pela música, arte e filosofia do tecladista e compositor Afrofuturista Sun Ra, e sua banda The Arkestra, foi fenomenal de se ver, igualado apenas pelo volume de suas próprias gravações disponíveis.

A busca pela discografia de The Sun Ra de décadas de status cult de estranheza em direção aos arredores do cânone do século 20, sem dúvida, foi ajudada pelo fato de que a The Sun Ra Arkestra permanece em uma unidade totalmente ativa, mesmo 27 anos após a morte de seu fundador (graças em grande parte ao liderança do saxofonista de 96 anos, Marshall Allen). No entanto, entre os aspectos mais curiosos desta jornada está o quanto da excentricidade de Sun Ra permaneceu intacta - o interesse que ele ganhou, não apesar disso, mas principalmente por causa dele - e como atraiu uma infinidade de perspectivas contemporâneas. Ouça os álbuns de Sun Ra em 2021 e seu trabalho pode ser corretamente colocado em uma infinidade de quadros.

Não é exagero dizer que Sun Ra expandiu a tradição da música criativa moderna e se tornou central para reavaliações mais amplas da arte afro-americana e de vanguarda do pós-guerra; que ele indiscutivelmente semeou as sementes do pensamento afrofuturista e utópico, enquanto defendia um universalismo preto centrado na auto-sustentabilidade e na história da arte-política, enquanto empregava um espelho de trapaceiro na supremacia branca. O Arkestra, por sua vez, tornou-se um exemplo de autonomia DIY (do it yourself / faça você mesmo) de longo prazo, incorporando a linha histórica de performances musicais experienciais, sendo teatrais antes da era “exótica” ao reinado de Tik Tok. O nome de Ra pode surgir em conversas sobre as raízes do free jazz ou do techno - sua música é a prova de ambos.

Na verdade, a grande quantidade de gravações que Sun Ra deixou - além de novas peças descobertas em seus próprios arquivos ou nos arquivos de outras pessoas, e compilações temáticas reformulando a obra - é a principal razão para a amplitude de interpretações de seus muitos impactos e de The Arkestra. Sun Ra dirigia sua própria gravadora (El Saturn Records); fez sessões para outras gravadoras e material licenciado para elas; constantemente gravava concertos e aparições no rádio, mas também permitiu que outros o gravassem. Todo aquele material propagava autossuficiência e uma abordagem indiscriminada para qualificar a arte. A canonização certamente NÃO era o ponto, e “Ótimo” freqüentemente poderia ser encontrado ao lado de “Morno” - a subjetividade sendo uma amante tão cruel quanto o tempo.

Desde nosso último guia para ouvir Sun Ra em 2017, houve mais de 50 novas adições ao catálogo disponível no site. Para o bem da sanidade, só considerei aqueles que foram adicionados desde então - e mesmo assim, deixei de fora muitas sessões dignas ao vivo e de rádio.


88 Keys to the Kosmos: Solos, a Duet and a Trio



Em algum nível, a ideia de discos solo de piano de Sun Ra é bastante natural: Herman “Sonny” Blount foi um prodígio do piano em Birmingham e sua destreza no instrumento (movendo-se perfeitamente de sútil ao agressiivo para ondas vulcânicas semelhantes ao som de Cecil Taylor), que podiam ser ouvidos na maioria das apresentações do Arkestra, muitas das quais com momentos de Rá desacompanhado. Por muito tempo, os dois volumes de Monorails and Satellites (originalmente lançado do “final dos anos 1960”) foram seus álbuns solo de piano mais conhecidos, e a nova versão adiciona um terceiro volume. Embora geralmente apresentem um Rá contido, exibindo principalmente originais de swing meditativos (como "The Eternal Tomorrow"), até com a aparência da eletrônica ("Astro-Vision") ou um impulso em direção à atonalidade ("Calundronius" que soa como Gershwin picado), (Ra) nunca parece estar longe.
 
Um conjunto de álbuns na segunda metade da década de 1970 viu Ra retornar aos teclados solo, às vezes de maneiras únicas. Ambos Solo Piano, Vol. 1 (estúdio 1977) e St. Louis Blues (ao vivo 1977) foram produzidos pelo pianista Paul Bley; e ambos apresentam uma mistura de originais e padrões onde as duas abordagens de tocar - é livre, buscando ao lado do melódico e descontraído - estão intimamente integrados. (Descubra os blues abstratos de fios soltos na versão de Solo de “Sometimes I Feel Like a Motherless Child.”.) O piano solo anteriormente não editado no WKCR de 1977 foi gravado uma semana depois do St. Louis Blues, e junto com a mistura familiar de originais e padrões inclui quatro improvisações dramáticas. Essa mistura de material também está presente no Solo Keyboards gravado não oficialmente, em Minnesota, em 1978 - três das apresentações não são no piano, mas em um sintetizador Crumar, que adiciona um brilho elétrico e tributários futuristas a "Motherless Child". A gravação solo mais recente, Haverford College Solo Piano 1980, também é um nome impróprio, já que Ra executa o concerto inteiro em uma Fender Rhodes, criando pontes naturais entre "Space is the Place" e "Somewhere Over the Rainbow", invocando então efeitos sonoros de Star Wars na segunda de duas improvisações originais.

A exploração de Sun Ra no ambiente livre resultou em dois outros álbuns exclusivos neste período. Visions é uma adorável dupla curiosidade de 1978 com o vibrafonista Walt Dickerson, um convidado em uma das faixas de Haverford que é creditado em todas as sete composições. A maioria é despojada e cheia de interação fácil, as exceções sendo “Utopia” e “Prophesy” - nas quais sons de sintetizador, rabiscos de piano e grupos de outro mundo tocam em contraponto. A única sessão de trio de piano da carreira de Sun Ra, God Is More Than Love Can Ever Be, de 1979, é muito mais do que uma curiosidade. Com Samarai Celestial (também conhecido como Eric Walker) na bateria e Hayes Burnett no baixo, o álbum abraça a acessibilidade da forma em sua plenitude ("Magic City Blue" é um boogie-woogie exuberante), sem nunca se esquecer de se esticar em várias direções (o propulsão de “Blithe Spirit Dance” é conduzida por todos os três músicos). Esta merece maior aclamação.


In the Shadow of ‘Space’: The ABC/Impulse! Years



Após o sucesso comercial do álbum Space Is The Place de 1972, Sun Ra assinou um contrato com o famoso selo Impulse!, um acordo ambicioso que deveria incluir o licenciamento de antigos lançamentos da Saturn Records para reedição, bem como a criação de novas gravações. As coisas não correram como planejado. Depois que o primeiro álbum do acordo, Astro-Black de 1973, fracassou, o acordo desmoronou; no entanto, outros títulos chegaram ao mercado, e a música da Arkestra gravada para o Impulse! encontrou seu caminho para lançamentos futuros. (Uma recontagem completa desse assunto confuso é parte da biografia crucial de Sun Ra de John Szwed, Space Is The Place.) Na verdade, esse período na existência terrena da Arkestra (1972-74) viu Rá e o grupo fazendo parte das gravações de estúdio mais intrigantes de sua “carreira”, abraçando o barulhento, eletrônico e discordante. Vários álbuns desse período agora estão disponíveis digitalmente - ou organizados - pela primeira vez.

Aparentemente, a música mais "famosa" deste período é, na verdade, um nome impróprio: uma sessão de 1972 lançada em 1993 como Space is the Place: Music for the Film não é a trilha sonora do filme cult que parece ser, embora tenha sido gravada como tal; no entanto, inclui versões novas / diferentes de alguns dos materiais mais conhecidos de Sun Ra interpretados por uma Arkestra de 12 peças "compacta". Por outro lado, a Discipline 27-II de outubro de 1972 é totalmente original, abrangendo as muitas notas e rotas que até então fizeram de Rá e sua banda exploradores musicais. É expansivo (mais de 20 músicos e cantores); percussão e voz pesada; livre e oscilante; celestial, engraçado e filosófico, com uma suíte poética de 24 minutos que dá título ao álbum e é seu coração pulsante. Um clássico.
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Crystal Spears é algo completamente diferente. Gravado inverno / primavera de 1973 e planejado para pelo selo Impulse! de 1975. O lançamento (mas arquivado pelos "termos" da gravadora), abre com um surto emocional de sintetizador e órgão barulhento, perambula em território tradicionalista orientado para a canção apenas por um momento ("Eternal Sphynx"), e se transforma em um percussivo, crescendo psicodélico, e não é para os fracos de coração. The scattered Cymbals / Symbols Sessions (New York, 1973), todos reunidos aqui pela primeira vez, são gravações irmãs de Spears; mais estruturados em sua interação de uma Arkestra relativamente pequena, espinhosa e elétrica em espírito. Apenas a troca entre o sax tenor de John Gilmore, Sun Ra no órgão e o baterista Harry Richards na curta "Universe Is Calling" parece um momento estabelecido.

Também gravado no inverno de 1973, Pathways to the Unknown foi lançado pela Impulse! em 1975, encerrando a experiência do rótulo. Também soa como uma peça, de "fora" tocando cheio de espaços para digressões carregadas de pequenas combinações, explosões de banda completa ou longos solos externos (Gilmore e Allen no recém-adicionado "Intrinsic Energies"). Melodias e estruturas extensas são difíceis de encontrar. A única exceção é "View From the Mountain Top", um trecho de três minutos adicionado à reedição, onde o órgão de Ra, o tenor de Gilmore e o clarinete baixo de Eloe Omoe criam um clima mais focado. Seja a disposição, as circunstâncias ou o estúdio, Sun Ra e o selo Impulse!, a música abraça uma distopia que suas outras (canções) eras apenas reconhecidas.


Time Travelers & Super Heroes: Oddities & Curiosities



Uma das razões pelas quais o personagem e a música de Sun Ra sempre se destacaram foi a variedade de informações contidas em ambos. Ele foi um ímã, um tradutor e um construtor de utopias, com uma ampla gama de interesses esotéricos; mas também um músico altamente qualificado e intransigente, um líder de banda consumado que liderou uma orquestra desde os seus 20 anos, impulsionado a levar sua filosofia e som ao maior público possível. A mistura desses atributos criou uma cosmologia poderosa. Também levou Sun Ra por caminhos criativos incomuns em direção a destinos longínquos, enquanto o colocava em contato com outras grandes mentes. Somos abençoados por ele ter gravado muitas dessas discursões.

Há, por exemplo, a versão expandida de With Pharoah Sanders & Black Harold, uma gravação de um concerto de 1964 no Judson Hall de Nova York que marca o único documento da época do grande saxofonista tenor com a Arkestra. Uma nova versão expande o conjunto histórico original em quatro números, apresentando Sanders alguns meses antes de se juntar ao grupo de John Coltrane - e já em pleno vôo. A versão de Sun Ra de compromisso com a libertação preta também o colocou em contato com artistas do então incipiente Movimento das Artes Negras, principalmente com o acompanhamento de Arkestra de 1968 da peça do escritor Amiri Baraka,  A Black Mass. The Ankh and the Ark apresenta outra peça de evidência do envolvimento de Rá com essa tradição literária, uma entrevista em 1966 com o grande escritor e defensor de Arkestra; Henry Dumas (que seria morto por um policial de Nova York dois anos depois). A conversa mostra a visão de mundo de Rá então atual, com Dumas como um poderoso interlocutor. The Stranger: A Radio Play (por volta de 1968) é o som do Arkestra como uma banda de trabalho no estranho contexto do teatro de rádio, fazendo tudo o que era necessário para sobreviver, mas incapaz de salvar a apresentação medíocre com sua partitura exótica . O álbum Batman & Robin de 1966, creditado a "The Sensational Guitars of Dan and Dale", também mostra os membros de Sun Ra e Arkestra (bem como membros do Blues Project de Al Kooper) fazendo um show por dinheiro; mas esta - uma sessão rápida produzida por Tom Wilson (que tinha acabado de trabalhar com Bob Dylan e estava prestes a gravar The Velvet Underground & Nico) - é uma piada, apresentando não apenas a música tema, mas versões instrumentais dos sucessos do da época (sob títulos amigáveis ​​ao Batman), tocados como R&B rudimentar.

O Egito desempenhou um papel central na mitologia de Sun Ra desde o início - inspirando seu nome adotado e fornecendo a ele uma história cultural centrada no preto e um mapa estelar que literalmente mudou sua vida. Portanto, não é surpresa que o Egito fosse um dos destinos musicais de seus sonhos, um sonho que se tornou realidade em dezembro de 1971. O enorme conjunto Egypt, 1971, compila todas as gravações disponíveis da primeira viagem histórica da Arkestra ao Norte da África, quatro notáveis horas de música, com Rá confiando fortemente em teclados eletrônicos - muitas vezes tocando longas passagens solo, prototecnologia - ouvindo o ruído galvânico de seu  perído que se aproxima do selo e gravadora Impulse!. Sun Ra voltou duas vezes ao Egito no início dos anos 80 e, ao fazê-lo, em 1983, ele e o Arkestra foram para o estúdio com o baterista / compositor Salah Ragab, uma das principais figuras do "jazz" do país. O EP de duas faixas resultante, "Egypt Strut" / "Dawn", é o Arkestra em seu modo de banda de boogie posterior, com tonalidades do norte da África.

Uma vibração de pista de dança ainda mais intensa pode ser encontrada em On Jupiter, de 1979, uma espécie de disco irmão do Lanquidity do ano anterior. Aquele álbum da Arkestra universalmente amada, gravada com o famoso produtor nova-iorquino Bob Blank, é um ponto alto na música amigável para DJs que tocam Sun Ra; mas para o meu dinheiro empalidece com a música "UFO" em On Jupiter’s, uma música deliciosa e funky (cortesia do baixo elétrico fornecido pelo co-escritor Steve Clarke) que casa o olhar espacial do líder da banda com as profundas ruminações da era. On Jupiter é tanto uma fatia clássica da Arkestriana quanto um reflexo de seu momento musical e, portanto, parece simpático ao Swirling do ano passado, o primeiro álbum novo da Arkestra em duas décadas. Essas reinterpretações com muitos vocais do songbook original de Sun Ra e Arkestra antecipam nosso estado contemporâneo (veja a cappella "Sea of ​​Darkness", uma ótima leitura de "Seductive Fantasy" de On Júpiter) ao mesmo tempo em que parece atemporal.


Chopped: Thematic Compilations 



Finalmente, um dos grandes aspectos de agora ter toda a produção de Sun Ra administrada por uma única entidade legal, Sun Ra LLC, é que o imenso (e crescente) arquivo que pode ser recontextualizado de várias maneiras, permitindo mais reconsiderações temáticas. Um punhado de álbuns com compilações recentes fez exatamente isso, alguns destacando membros individuais da Arkestra, outros envolvendo partes específicas do repertório do grupo.

As compilações que homenageiam o trabalho da cantora June Tyson (Saturnian Queen of the Sun Ra Arkestra) e do saxofonista tenor John Gilmore (Kosmos in Blue and Blues at Midnight), dois dos músicos centrais e mais antigos do grupo, dão a eles seus tributos em um maneira que a história da música popular não mudou. Tyson foi o único membro feminino de longa data das bandas de Sun Ra durante seu mandato de um quarto de século. Ela era dançarina, coreógrafa e vocalista, mas o mais importante, era a voz universal da razão e da humanidade transmitindo as filosofias cósmicas do líder da banda - muitas vezes com um toque de humor atrevido (ouvir "Outer Spaceways Incorporated") que raramente fazia parte da abordagem do próprio Rá. Gilmore foi um dos músicos do Arkestra cuja presença tornou impossível para os tradicionalistas do jazz descreverem totalmente o grupo como uma espécie truque. John Coltrane amou o tom de Gilmore tanto que ele modelou o seu próprio som depois dele; Gilmore também foi membro da Art Blakey’s Jazz Messengers em meados dos anos 60, antes de se comprometer totalmente com a Arkestra. Com base nas gravações de Sun Ra dos anos 1950 e início dos anos 60, os compositores gêmeos defendem Gilmore como um grande saxofonista da era do hard-bop, tocando as mudanças em vez de pular galáxias sonoras. (Embora ele pudesse, é claro, fazer as duas coisas.)

Coleções baseadas em temas sônicos desconstroem o pensamento musical de Sun Ra, de acordo com muitos, que o próprio grande compositor pode ter considerado menos diversas categorias, considerando mais como ingredientes. Por exemplo, não há mentira em nomear uma compilação de 25 faixas de Sun Ra Exotica, expressando sua admiração pelo kitsch de "audição fácil" de Les Baxter, ou a apropriação de locais musicais e efeitos sonoros de alta fidelidade, como tendência, em vez de como fonte de material para o universalismo de Ra. Claro, números como "Tiny Pyramids" e "Cha Cha in Outer Space" se encaixam confortavelmente ao lado de coquetéis de guarda-chuva e modismos do dia, mas eles estão na verdade se preparando para o ensopado de alma multidimensional da Arkestra; assim como seu trabalho misturando doo-wop, R&B urbano e swing de big band que fez seu nome como músico em Chicago no final dos anos 40 e 50.

Space Age Rhythm & Bop (1950) apresenta Sun Ra como escritor / produtor / arranjador / e engenheiro da parada de sucessos local do dia, polvilhando poeira estelar em material numa miscelanea como o rosnado violento de Yochanan; "Hot Skillet Mama". Sua entrega lírica e propósito comunicam-se diretamente décadas depois. Usando quase 40 anos de gravações, em uma variedade de configurações, Sun Ra Plays Gershwin realiza outro tipo de recontextualização, mostrando um radical americano engajado em um dos amados clássicos do país. A leitura ao vivo inédita da Arkestra em 1979 de "Rhapsody in Blue" abre com uma improvisação de piano solo estendida sobre seu famoso tema, seguida por uma versão turbulenta - um triunfo de quem está de fora, dando um novo significado em um padrão antigo e alegre. Que Sun Ra tocou o “Blue” mais legal do que George Gershwin não é preciso dizer.

terça-feira, 5 de janeiro de 2021

AFROFUTURISMO - 28 FILMES PARA ASSISTIR


O canal de streaming estadunidense 'The Criterion Channel' - uma espécie de Netflix cult, disponibilizou 28 filmes afrofuturistas em seu canal de streaming.  Alguns clássicos como 'Space Is The Place' dirigido por John Coney apresentando Sun Ra e sua orquestra e diversos outros filmes absolutamente recentes. Lista extremamente valiosa culturalmente e relacionada a inovação artística no entretenimento.  Destaque para dois filmes brasileiros (que ainda não vi); 'Once There Was Brasilia'  e 'White Out, Black In' ambos dirigidos por Adirley Queirós. 

Afrofuturismo

Cunhado em 1994 pelo crítico Mark Dery, o termo “Afrofuturismo” tornou-se uma estrutura essencial para a arte sobre experiências pretas imaginárias e alternativas. Como escreve o autor Ytasha Womack, “Afrofuturismo combina elementos de ficção científica, ficção histórica, ficção especulativa, fantasia, afrocentricidade e realismo mágico com crenças não ocidentais”. As ideias afrofuturistas encontraram um terreno fértil no cinema, e esta série expansiva leva os espectadores em uma jornada internacional intergaláctica que remonta a muito antes de o termo existir, e em um futuro distante. Abrangendo animação, documentário e espetáculo de gênero, essas visões exuberantes da criatividade, resistência e liberdade pretas ziguezagueavam pela diáspora africana de Nova York a Brasília, Kinshasa e mundos desconhecidos. Com curadoria de Ashley Clark, a série reúne filmes como Space is the Place: Afrofuturism on Film, que aconteceu no Brooklyn Academy of Music em 2015; com uma sequência planejada para 2020, que foi cancelada devido à pandemia; e uma seleção de títulos totalmente novos, muitos deles disponíveis para streaming pela primeira vez.

A lista de filmes está logo abaixo;  

Introducing Afrofuturism; introdução do diretor curatorial da Criterion, Ashley Clark, foi gravada em 2020

1. Space Is the Place; Dirigido por John Coney • 1974 • Estados Unidos; Estrelando Sun Ra, Barbara Deloney, Raymond Johnson

2. Born in Flames; Dirigido por Lizzie Borden • 1983 • Estados Unidos; Estrelado por Honey, Adele Bertei e Jean Satterfield

3. The Brother from Another Planet; Dirigido por John Sayles • 1984 • Estados Unidos; Estrelado por Joe Morton, Daryl Edwards, Steve James

4. Ornette: Made in America; Dirigido por Shirley Clarke • 1985 • Estados Unidos; Estrelado por Ornette Coleman

5. Yeelen; Dirigido por Souleymane Cissé • 1987 • Mali; Estrelado por Issiaka Kane, Aoua Sangare

6. Welcome II the Terrordome; Dirigido por Ngozi Onwurah • 1995 • Reino Unido; Estrelado por Suzette Llewellyn, Saffron Burrows, Felix Joseph

7. The Last Angel of History; Dirigido por John Akomfrah • 1996 • Reino Unido

8. The Changing Same; Dirigido por Cauleen Smith • 2001 • Estados Unidos

9. Dark Matters; Dirigido por Monique Walton • 2010 • Estados Unidos; Estrelado por Sade Jones

10. The Becoming Box; Dirigido por Monique Walton • 2011 • Estados Unidos

11. Robots of Brixton; Dirigido por Kibwe Tavares • 2011 • Reino Unido

12. Hasaki Ya Suda; Dirigido por Cédric Ido • 2011 • França; Estrelado por Jacky Ido, Cédric Ido e Min Man Ma

13. Native Sun; Dirigido por Terence Nance e Blitz Bazawule • 2011 • Estados Unidos; Estrelado por Edward Dankwa, Marcus Quarshie, Helena Yaboah

14. An Oversimplification of Her Beauty; Dirigido por Terence Nance • 2012 • Estados Unidos; Estrelado por Terence Nance, Namik Minter e Chanelle Aponte Pearson

15. Jonah; Dirigido por Kibwe Tavares • 2013 • Reino Unido, Tanzânia

16. Touch;  Dirigido por Shola Amoo • 2013 • Reino Unido; Estrelado por Tanya Fear, Alexis Rodney, Nina Edwards

17. Twaaga; Dirigido por Cédric Ido • 2013 • França, Burkina Faso; Estrelado por Sabourou Bamogo, Harouna Ouedraogo, Sidiki Diarra

18. Afronauts; Dirigido por Nuotama Bodomo • 2014 • Estados Unidos; Estrelado por Diandra Forrest, Yolonda Ross, Hoji Fortuna

19. White Out, Black In; Dirigido por Adirley Queirós • 2014 • Brasil

20. Crumbs; Dirigido por Miguel Llansó • 2015 • Espanha, Etiópia; Estrelado por Daniel Tadesse

21. You and I and You; Dirigido por Terence Nance • 2015 • Estados Unidos

22. The Golden Chain; Dirigido por Adebukola Bodunrin e Ezra Claytan Daniels • 2016 • Estados Unidos

23. Once There Was Brasilia; Directed by Adirley Queirós • 2017 • Brasil; Estrelado por Wellington Abreu, Marquim do Tropa, Andreia Vieira

24. 1968 < 2018 > 2068; Dirigido por Keisha Rae Witherspoon • 2018 • Estados Unidos

25. Supa Modo; Dirigido por Likarion Wainaina • 2018 • Alemanha, Quênia; Estrelado por Stycie Waweru, Marrianne Nungo e Nyawara Ndambia

26. Zombies; Dirigido por Baloji • 2019 • Bélgica, República Democrática do Congo
Estrelado por Popaul Amisi e Gaelle Kibikonda

27. T; Dirigido por Keisha Rae Witherspoon • 2019 • Estados Unidos; Estrelado por Koko Zauditu-Selassie, Kherby Jean, Jesus Mitchell

28. I Snuck off the Slave Ship; Dirigido por Lonnie Holley e Cyrus Moussavi • 2019 • Estados Unidos
Estrelado por Lonnie Holley, Theotis Taylor


segunda-feira, 4 de janeiro de 2021

'A COISA NOVA' :: A PONTE SUBVERSIVA DO BOP AO FREE JAZZ


Você não precisa procurar além dos títulos dos álbuns. One Step Beyond de Jackie McLean, Evolution de Grachan Moncur III e Point of Departure de Andrew Hill - o movimento de meados dos anos 60 no jazz conhecido como "The New Thing" (A Coisa Nova) era sobre tudo como levar a música para o próximo nível.

Entre o declínio do bebop e o florescimento do free jazz, um grupo habilidoso de artistas com visão de futuro deu ao jazz novas asas. O método de voo era diferente daquele a que os fiéis estavam acostumados, mas em meados dos anos 60 o New Thing fez pelo jazz o que o cubismo fizera pela arte meio século antes, oferecendo um modo totalmente novo de experiência. Em 1964, o saxofonista Archie Shepp, um pivô do movimento, disse à revista Downbeat: “A nova música remonta às raízes do que o jazz era originalmente. De certa forma, é uma rebelião contra a ultra sofisticação do jazz.

Primeiros Adeptos

Houve outros desenvolvimentos pós-bop, do cool jazz ao Third Stream, mas o New Thing levou o jazz à frente como nada havia feito desde os anos 1940. Seus arquitetos vieram do bop, mas na década de 60 eles estavam prontos para o próximo passo. As sementes foram plantadas no início da década por outliers visionários como Cecil Taylor, Sun Ra, Ornette Coleman, Lennie Tristano, Charles Mingus, Jimmy Giuffre e especialmente John Coltrane. Eles reuniram fios de sons orientais e africanos, construções clássicas e ideias de vanguarda e os trouxeram para o coreto de jazz.

Não foi fácil para os puristas no início. Até a bíblia do jazz, a revista Downbeat, lançou termos como “niilista” e “anti-jazz” em Coltrane e Coleman. Mas nos anos seguintes, os amantes de jazz de mente aberta foram abençoados com uma safra abundante de álbuns que subverteram alegremente as ideias da velha escola e levaram as inovações do início dos anos 60 para outro lugar.

Como grande parte da história do jazz, a maior parte aconteceu na cidade de Nova York. Se os principais membros da equipe do New Thing não fossem de lá, na década de 60 eles chegaram lá. E uma quantidade esmagadora de música foi entregue pelo Impulse! e Blue Note Records. Muito crédito vai para Bob Thiele, que assumiu as rédeas nos primórdios em 1961, e deu a Coltrane - e depois a sua comitiva - bastante espaço de manobra e até adotou "New Thing" como uma marca de marketing.

Ponto de partida

Thiele já havia produzido uma série de álbuns de Coltrane quando o saxofonista, um incansa pesquisador, se juntou a um grupo completo de camaradas de vanguarda nas prateleiras de discos por volta de 1964, quando o New Thing realmente construiu seu ritmo. One Step Beyond, de Jackie McLean, foi um dos primeiros a sair daquele ano.

'Alto man' (por tocar sax alto) McLean era um peso pesado do hard-bop desde os anos 50, com mais de 20 álbuns em seu crédito em 1964, mas Coltrane e companhia aguçaram seu apetite por mudanças. Ele saciou esse desejo com a ajuda de músicos que se tornariam os órgãos vitais do movimento, incluindo o jovem figurão do vibrafone Bobby Hutcherson, o fenômeno da bateria adolescente Tony Williams (já um veterano da banda de Miles Davis) e o trombonista Grachan Moncur III.

Moncur era o ingrediente semissecreto que contribuiu muito para o molho especial da cena. Embora ele nunca tenha alcançado o mesmo renome que alguns de seus colegas, e problemas de saúde eventualmente o levaram a sair dos holofotes, o trombonista tinha uma visão tão vital quanto qualquer um de seus companheiros de sessão. Ele escreveu a maior parte das músicas de One Step Beyond e seu seguimento, Destination ... Out, das mudanças assustadoras de acorde de film-noir para a tensão de parar / iniciar, Moncur era um mestre em criar um clima excêntrico e exótico . “Se Moncur tivesse morrido há 40 anos em um acidente de carro ou se tornado um dos poetas drogados do jazz, ele poderia ser uma lenda hoje”, afirmou Adam Shatz no New York Times em 2003.

Nas formações sem piano de ambas as gravações de McLean, Hutcherson assume o papel de acordes, seu arco, harmonias trêmulas que afastam as coisas da convenção do bop. Seus solos agilmente sinuosos puxam as bases harmônicas para a quantidade certa de atrito.


Hutcherson, McLean e Williams aparecem na estreia de Moncur como líder em Evolution, lançado poucos meses depois. O herói do trompete do hard-bop Lee Morgan também se juntou à equipe do New Thing - ele e McLean definitivamente desmentiram a velha máxima de que cachorro velho não aprende novos truques (apesar de sua juventude, Morgan já tinha feito mais de uma dúzia de álbuns centrados no bop com seu próprio nome) . A evolução leva a causa mais longe do que os registros de McLean, distorcendo as melodias em formas tentadoras como um criador de animais de balão enlouquecido. Melodias espinhosas, mas informadas sobre o blues, e mudanças de acordes de ficção científica ressaltam a influência de Thelonious Monk (um dos primeiros mentores de McLean) no New Thing.

Aventurando-se em terreno não mapeado

Naquele verão, Hutcherson e Williams apareceram em um álbum que fez mais para fincar a bandeira para o novo som do que quase qualquer outra coisa: Eric Dolphy’s Out to Lunch. O mestre multi instrumentista Dolphy começou como um dos pensadores mais inovadores do bop, e ele já tinha se aventurado em terrenos não mapeados, mas Out to Lunch foi onde tudo se juntou.

Com o baixista Richard Davis e outro trompetista pesado do hard-bop, Freddie Hubbard, completando a formação, Out to Lunch é uma pintura de Picasso do jazz em um espelho de casa de shows. Com elementos vestigiais suficientes de bebop e Hutcherson fornecendo uma sobreposição impressionista, Dolphy e sua gangue construíram uma visão de jazz de universo alternativo intensa, mas convidativa, deixando o mundo em geral saber que o New Thing havia chegado.

Em seu livro Biographical Encyclopedia of Jazz, o famoso escritor de jazz Leonard Feather citou Mingus entusiasmado com Dolphy: “Ele conhecia aquele nível de linguagem que poucos músicos chegam a aprender”. Embora o álbum continuasse sendo um marco para sempre, era o canto do cisne de Dolphy. Ele morreu de diabetes entre a gravação e o lançamento.


O  álbum sutilmente subversivo de Andrew Hill 'Judgment!' chegou no mês seguinte, com Hutcherson, Davis e o decano de bateria Elvin Jones. Sem nenhuma buzina para monopolizar os holofotes, os conceitos inebriantes do piano de Hill conduzem a banda a um jogo de sombras sônico, definido por uma sensação de algo escuro e pesado à espreita logo abaixo da superfície.

Em 1965, os amantes do jazz aventureiros sacudidos pelo trabalho de Hutcherson com Dolphy e Hill tiveram uma explosão de mil watts do brilho do maverick em sua estréia como líder de banda, Components. Reintegrado por Hill e Davis, com Joe Chambers ocupando o banco da bateria e Sam Rivers e Freddie Hubbard acrescentados em palhetas e trompete, respectivamente, Hutcherson prova ser um poeta de vibrações e marimba. Num momento ele está estrangulando um vampiro latino como um mambo enlouquecido, e no próximo, ele está alegremente jogando bop de um telhado alto e remontando seus fragmentos como um Dr. Frankenstein moderno para seus próprios fins transgressores emocionantes.

A influência de Coltrane e além

Nada disso poderia ter acontecido se Coltrane não estivesse levando um maçarico para as convenções de jazz desde o final dos anos 50, mais tarde entrando no fundo do poço para desafiar as noções tradicionais de ritmo e harmonia em Impressions ('63) e Crescent. A obra-prima de Trane, A Love Supreme, chegou em 1965. A suíte de duração do álbum usa estruturas abertas, cantos vocais, minimalismo, mudanças dinâmicas drásticas, execução modal e um tema espiritual abrangente para redefinir as possibilidades não apenas para o jazz, mas para a própria música. Ele continua sendo um dos residentes mais reverenciados e influentes do cânone do jazz, e o ne plus ultra da era do New Thing. Em uma entrevista de 2017 para o The Sound of Vinyl, Henry Rollins disse: “Foi um disco que me fez entender a possibilidade da música ... toda casa deveria vir com esse disco.

Coltrane tomou o jovem tenor Archie Shepp sob sua proteção, que contribuiu para as sessões do álbum, embora eles não tenham feito a edição final. Mas o LP 'Four for Trane' de Shepp de 1964, já havia levado a música de seu mentor a lugares que nem mesmo Coltrane havia imaginado. Com uma linha de frente que inclui duas das mentes mais audaciosas do movimento, o trombonista Roswell Rudd e o flugelhornistista Alan Shorter (irmão do saxofonista Wayne), Shepp desconstrói e reconstrói as composições do final dos anos 50 de Trane em um modo modernista inteligente, mas visceral.

A continuação de Shepp, Fire Music, é uma declaração histórica que destacou o vínculo crescente do jazz progressivo com o ativismo e a política de identidade do movimento Black Power. O poema de tom impressionista “Malcolm, Malcolm – Semper Malcolm” até muda para a poesia em prosa com uma recitação de um elogio furioso para o recém-assassinado Malcolm X.


As bandas de Shepp e Coltrane dividiram um palco no Newport Jazz Festival de 1965, e os resultados estão em New Thing at Newport, um dos álbuns ao vivo mais poderosos da cena. O quarteto clássico de Trane com McCoy Tyner, Jimmy Garrison e Elvin Jones explodiu em tantas direções naquela noite de julho que é uma maravilha que o corpo de bombeiros não tenha sido convocado. O grupo de Shepp com Bobby Hutcherson, Joe Chambers e o baixista Barre Phillips, alternadamente desliza silenciosamente por cavernas escuras e se torna combustível quando o líder recita um pouco de poesia socialmente mais inflamada.

Depois que o New Thing sacudiu vigorosamente a garrafa de refrigerante, o jazz explodiu em múltiplas direções - free jazz, fusion e as abstrações de próximo nível da Association for the Advancement of Creative Musicians (A.A.C.M.) baseada no Art Ensemble of Chicago.

Em 1986, com duas décadas de retrospectiva, o respeitado jornalista musical Robert Palmer escreveu no New York Times: “O jazz de vanguarda dos anos 1960, que inicialmente parecia caótico como um ataque às noções tradicionais de harmonia, ritmo e estrutura, manteve o curso, percorreu a distância.” Mas nada disso teria sido possível se um laço com nó mal apertado de aventureiros do jazz não tivesse abandonado os velhos hábitos pela Nova Coisa.


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