AS ESTRELAS JAMAICANAS ESTÃO DEIXANDO O REGGAE PARA TRÁS?

Foto por The Daily Beast/Foto via (L-R): Fernando Hevia; Yannick Reid; Sameel "samo Kush I" Johnson

A primeira estação de rádio reggae da Jamaica, IRIE FM, estreou nas ondas da ilha em agosto de 1990. No jargão rastafari jamaicano, “irie” significa bom, legal, alegre, e a estação utilizou um jingle simples para anunciar seu conteúdo: “Reggae pela manhã , reggae à tarde, reggae à noite na IRIE FM.” Trinta anos depois, IRIE ainda toca o jingle original. Mas isso não é mais verdade.

Algumas das maiores estrelas apresentadas na IRIE FM estão tocando um estilo híbrido que seria irreconhecível como reggae quando a estação começou. Para muitos fãs, agora é irreconhecível. O novo som da Jamaica deve tanto ao trap, EDM, Afrobeat e R&B contemporâneo quanto ao dancehall ou às raízes originais do reggae. É um estilo que ainda não tem nome, pelo menos não que pegou (embora às vezes seja chamado de trap dancehall) e você pode ouvi-lo em toda a Jamaica.

“O reggae e o dancehall continuam a influenciar e contribuir para o nascimento de vários gêneros, como vimos no hip hop, reggaeton e o tropical house; agora estamos experimentando o nascimento do trap dancehall. Os ouvintes do IRIE ouvem reggae e dancehall, mas também seus filhos, em uma tentativa de impulsionar ainda mais as formas de arte”, comenta Kshema Francis da IRIE FM.

Três nomes marcantes - Tarrus Riley, Protoje e Dre Island - lançaram álbuns excelentes este ano (2020) que incorporam esse som evolucionário. Todos incorporaram influências e ensinamentos de seu modo de vida Rastafari, mas várias faixas em seus novos álbuns têm pouca semelhança com o reggae de uma geração atrás. “Eu amo os sons autênticos do reggae e do dancehall, mas há misturas de outras influências dentro desses sons”, disse Tarrus Riley, cujo álbum Healing foi lançado em 28 de agosto, disse ao The Daily Beast em uma entrevista recente ao Zoom.

Tarrus, 41 anos, é um improvável garoto-propaganda desse novo movimento. Ele ascendeu ao estrelato do reggae em 2006 com "She’s Royal", um belo tributo de origem às mulheres e um dos solteiros jamaicanos mais populares da década. A descoberta do Tarrus foi parte do ressurgimento do reggae de raízes dos anos 2000 em meados da década. Outro movimento de raízes apareceu na Jamaica no início de 2010, conhecido como Reggae Revival, que viu o surgimento de vários jovens talentos carismáticos, incluindo Chronixx, Jah9, Jesse Royal e Kabaka Pyramid. Tarrus se vê como o filho do meio na família reggae.

“Buju [Banton] e Sizzla vieram antes de mim nos anos 1990 e a Chronixx está depois de mim, então eu entendo as raízes e entendo os jovens”, explica ele. “Quando eu era jovem, eu e meu pai (o falecido Jimmy Riley, cuja carreira de cantor começou na era do rock na Jamaica, em meados dos anos 60) nunca gostamos da mesma música. É uma nova década agora, coisas novas estão acontecendo, então enquanto as pessoas de antes querem manter a música que teve seu tempo, os jovens querem te dar algo novo.”

O impressionante catálogo do Tarrus apresenta seus vocais expressivos afinados, que são adaptáveis ​​a uma variedade de estilos de soft rock ("Jah Will") à bateria Rastafari Nyabinghi tradicional ("Lion Paw") e dancehall energético ("Good Girl Gone Bad") . Depois, há a power ballad EDM "Powerful", um single de ouro certificado produzido por Major Lazer, com Tarrus e Ellie Goulding.

A Jamaica entrou em lockdown por causa do coronavírus no final de março. Tarrus encerrou abruptamente sua turnê, voltou para casa e começou a escrever e gravar as canções que viriam a ser Healing, produzidas por Tarrus com co-produção de Shane Brown e do lendário saxofonista Dean Fraser.

Várias faixas oferecem o que Tarrus chama de "sons experimentais": sobre dub espacial e efeitos de trap, Tarrus e o artista de dancehall em ascensão Teejay trocam rapidamente rimadas que fazem referência à luta racial e política atual em "Babylon Warfare". “Connect Again” com a estrela do dancehall Konshens antecipa um mundo pós-quarentena e oferece trap com uma reverberação reggae sutil, enquanto o espiritualmente fortificante “My Fire” (com a cantora Dexta Daps) é um trap R&B por excelência. O maior sucesso do álbum, "Lighter", mistura trap, EDM e dancehall em uma pepita pop cativante, apresentando a potência do dancehall feminino Shenseea e é produzido por Rvssian (nascido na Jamaica), conhecido por seus sucessos de dancehall e latim trap e reggaeton no topo das paradas internacionais. O vídeo “Lighter” recebeu mais de 32 milhões de visualizações no YouTube desde seu lançamento em 6 de setembro (2020). Um criativo e destemido Tarrus diz que a única coisa que se pode esperar de sua música são mensagens fortalecedoras.

“Não preste atenção ao andamento”, ele avisa, “porque gosto de fazer coisas novas. As pessoas se preocupam com nomes, rótulos, trap, rap, hip-hop, dancehall, não me preocupo com essas coisas. Sempre fiz diferentes tipos de sons e vou continuar. A música está passando por uma mudança agora, as pessoas estão se misturando e se fundindo, todo mundo quer chamar isso de um nome, mas eu apenas chamo de boa música.”

O reggae, como seus precursores jamaicanos diretos, ska e rocksteady, é um som de amálgama. No final da década de 1950, o ska beat foi desenvolvido nos estúdios de gravação de Kingston por cantores e músicos influenciados pelo doo wop americano, rock and roll antigo, gospel, rhythm and blues, bem como o mento da Jamaica e o calipso de Trinidad. O rocksteady seguiu em 1966 com um ritmo mais lento que permitiu aos vocalistas mostrar seus talentos completamente enquanto as linhas de baixo se tornavam mais estáveis ​​e pronunciadas. Em 1968, o drum and bass liderou um ritmo mais rápido e complexo chamado reggae. A experimentação em faixas de reggae por engenheiros e produtores jamaicanos levou ao nascimento do dub logo depois. O dancehall, cepa digitalizada do reggae, foi criado em 1984.

Ao longo das décadas, o reggae passou por mudanças estilísticas orgânicas e adaptações intencionais destinadas a atingir um público mais amplo. O fundador da Island Records, Chris Blackwell, criou uma estratégia de marketing para os The Wailers em 1973 com o álbum 'Catch A Fire' como um álbum de rock, dobrando riffs de guitarra e floreios de teclado nas gravações jamaicanas do trio. Procurando se conectar com um público afro-americano, Bob Marley incorporou influências da discoteca em seu single de 1980, "Could You Be Loved". A respeitada seção rítmica e a dupla de produção Sly Dunbar e Robbie Shakespeare trouxeram a agressividade das influências do rock que absorveram durante a turnê como membros da banda de Peter Tosh abrindo para Santana e The Rolling Stones.

“Ao fazermos algumas turnês com essas bandas de rock, ficamos nos perguntando como podemos obter esse poder, essa energia, por trás do groove do reggae?” Dunbar disse ao The Daily Beast. “Então Robbie e eu mudamos o som do que tocávamos, era reggae, mas com uma atitude diferente. O primeiro experimento foi (o trio vocal) Black Uhuru, uma de suas primeiras músicas foi “Shine Eye Gal” e as pessoas ficaram tipo o que é isso?”

Foto Yannick Reid

As modernizações de Sly e Robbie ganharam atenção generalizada, mas alguns protestaram que eles estavam mudando muito a música. No século 21, seus avanços sonoros continuam a inspirar outra geração de artistas e produtores. Stephen e Damian Marley testaram a produção de Sly and Robbie do cantor Ini Kamoze "World-A-Music" para o blockbuster vencedor do Grammy de Damian em 2005 "Welcome to Jamrock", uma consolidação profundamente influente de elementos de hip-hop, dancehall e reggae. Em 2012, Protoje, profundamente inspirado por “Jamrock” de Marley, experimentou Ini Kamoze para seu hit provocativo “Kingston Be Wise”, escrito sobre a incursão da Força de Defesa da Jamaica na comunidade de Tivoli Gardens da cidade em busca do crime Christopher “Dudus” Coke, traficante procurado. que resultou em cerca de 100 mortes. 

No início deste ano, Protoje experimentou outro ritmo de Sly and Robbie para sua produção do single "Thy Will" da cantora Lila Ike. “Sly pessoalmente me enviou o riddim de Baltimore”, Protoje compartilhou com o Daily Beast via Zoom, “e ele me disse, eu amo como você prova e experimenta esses riddims, mas agora quero que você adicione algo e coloque ele para frente.”

Protoje, 39 anos, nasceu Oje Ken Ollivierre, filho da advogadao jamaicana (e ex-cantora) Lorna Bennett e Mike Ollivierre, um ex-rei do calipso de St. Vincent. Ele foi um membro central do movimento Reggae Revival dos anos 2010; desde seu impacto inicial na música jamaicana com o single "Rasta Love" de 2011, entregue em seus vocais hipnotizantes falados / cantados / patois, Protoje fez grandes avanços para levar a indústria da música da ilha para a frente. Ele contratou três jovens cantoras (Lila Iké, Sevana e mais recentemente Jaz Elise) para seu selo In.Digg.Nation Collective de Kingston e fez história como o primeiro artista jamaicano a ter seu selo contratado por uma gravadora americana, a RCA Records. In Search of Lost Time, lançado em 28 de agosto, é seu álbum de estreia por meio desse acordo. Ao longo das 10 faixas do álbum, a base ampla das influências de Protoje, incluindo dub clássico, dancehall dos anos 80, guitarras grunge, trap, hip hop e música eletrônica são intrinsecamente tecidas em um som de várias camadas.

O álbum abre com “Switch It Up”, misturando hip hop, R&B e um toque de raízes, enquanto Protoje e a sensação jamaicana de 20 anos Koffee (que cita Protoje como uma influência significativa na carreira) mudam de forma impressionante seus fluxos, cantando juntos então trocando versos empolgantes. Incorporando uma mistura de dancehall clássico e hip-hop, Protoje reinventa o sucesso de 1991 "Strange" do veterano Papa San em "Strange Happenings". “Weed & Ting” é uma versão inesperada de uma canção sobre ganja que também reflete sobre as bênçãos da vida e é definida para uma fusão de reggae com um trap transcendente; a outra música sobre  maconha do álbum, "A Vibe", com Wiz Khalifa, é um trap direto. Protoje escreveu o motivacional “Like Royalty” (apresentando a superestrela do dancehall Popcaan) depois de comparecer ao Grammy Awards 2019 (ele foi indicado para Melhor Álbum de Reggae por A Matter of Time); envolto em hip hop, funk e soul, as rimas de patois complexas da música reconhecem os sacrifícios feitos por alguns amigos íntimos e especialmente sua mãe para avançar em sua carreira.

Trabalhando ao lado de um elenco estelar de produtores jamaicanos, incluindo Iotosh Poyser, Supa Dups, Ziah Roberts, Natural High, The Grei Show, Stephen McGregor e o colaborador de longa data Winta James, Protoje incorpora instrumentação ao vivo, samples, reverbs dub e vários efeitos em um tableau sofisticado que é além da classificação de gênero, ainda mantém muitos elementos jamaicanos distintos: a linha de baixo pesada do reggae e a percussão exclusiva dos Wailers em "Deliverance"; uma linha de baixo sampleada do renomado produtor / engenheiro de dub (britânico) Mad Professor em "Still I Wonder" e um sample do veterano cantor Freddie McGregor em "I'm A Revolutionist", que se transformou na sensual canção de amor influenciada pelo neo-soul, "In Bloom”, com participação de Lila Iké.

“Quando Bob Marley largou o Exodus, as pessoas provavelmente disseram que não era reggae de verdade”, disse Protoje. (Gravado durante o período de exílio de Marley em Londres, alguns críticos recusaram que o álbum Exodus de 1977, dizendo que não havia relação com o que estava acontecendo na Jamaica, em vez de aplaudir as inovações sonoras do álbum; Exodus foi nomeado Álbum do Século pela Time Magazine em 1999.)

“Eu sempre incorporo elementos indígenas da Jamaica, mas a música evolui, e nossa geração é responsável pelo que o som é agora. São os jovens que eu procuro, mas quero que os mais velhos respeitem minha música. Freddie McGregor, Papa San, Sly, todas aquelas pessoas dizem que amam o que eu faço, e dizem  para que eu não ouça os outros. Eu simplesmente continuo fazendo música como soa na minha cabeça. ”

O álbum de estreia de Dre Island, Now I Rise, combina as denúncias do reggae de raízes rastafari sobre as injustiças sociais sustentadas por batidas atmosféricas que desafiam o gênero. Lançada em maio, a Now I Rise Deluxe Edition foi lançada em 24 de julho, com Dre escrevendo, cantando e produzindo a maioria das 20 faixas do álbum. Nascido Andre Johnson, Dre, 32 anos, é um pianista com formação clássica que trabalhou como engenheiro / produtor antes de pisar na frente do microfone. Ele fez seu impacto inicial com singles como o jubiloso “Rastafari Way” e o comentário comovente sobre as disparidades sociais e “Uptown / Downtown”; A base de fãs de Dre foi expandida por meio de clipes acústicos carregados na internet e postados nas redes sociais, mostrando sua experiência no teclado e vocais roucos e emotivos. Seu maior sucesso até agora, "We Pray", com Popcaan, um hino amplamente aceito de força espiritual (seu vídeo recebeu mais de 32 milhões de visualizações no YouTube) foi lançado em 2017 e está incluído em Now I Rise.

Dre habilmente explora uma variedade de estilos, incluindo EDM (“More Love-Dub Fx Remix”) exuberante funk pop (“Four Seasons”) Afrobeats (“Calling”) e várias faixas influenciadas por trap, como “Run to Me” com Alandon. Criado na volátil área de Red Hills Road em Kingston, são as observações em primeira mão corajosas de Dre que fornecem os momentos mais fascinantes do álbum. Ao longo de uma faixa de ritmo inspirada em traps nebulosos, a melancolia de Dre, com seus vocais profundamente afetados em “My City”, entrega uma carta de amor agridoce à capital da Jamaica, “onde os políticos todos os dias se importam e não se importam com os problemas que os eleitores têm.”

“Kingdom” foi escrito em 2014 sobre a incursão dos Jardins do Tivoli, sua esparsa batida marcial ressalta o apelo espiritual da letra às armas: “Eu estava vivendo em uma comunidade que foi afetada profundamente por isso, muitos jovens inocentes morreram, então Eu abordei isso na música enquanto nós, os Rastas, apresentamos a mensagem de Jah”, Dre lembrou. Igualmente assombroso e ritmicamente rígido, “Still Remain” comenta sobre a guerra de gangues contínua na comunidade de Mountain View de Kingston: “shotta spray like how the fountain spew, your door police will squeeze round ten through, stand over three man and found them blue.”  [disparou um spray como a fonte jorra, a polícia na sua porta se espremerá em dez para passar por três homens e os encontrar tristeza.]

Foto por Fernando Hevia

“Muitos artistas falam sobre esse tipo de coisa, mas por causa de onde eu venho, são apenas alguns que tocam e me deixam ver aquela dura realidade onde eu digo, isso é o que realmente acontece, ele não mente”, oferece Dre. “É por isso que hoje posso dizer 'foi tudo um sonho, eu costumava ler Word Up! Magazine '”, citando letras de Biggie Smalls. “Eu também senti que vivi isso, Biggie. Biggie já se foi na carne, mas sua alma viverá para sempre porque ele nunca mentiu, ele atingiu essa realidade. Foi isso que Bob Marley também fez, ele nunca tentou embelezar: ‘de homem para homem é tão injusto que você não sabe em quem confiar”, acrescenta Dre, citando “Who The Cap Fit”. “Bob nunca disse nenhuma mentira, é exatamente assim que as coisas acontecem hoje também.”

Wyclef Jean recrutou Dre para o remix de sua canção “Justice”, uma homenagem ao corredor assassinado Ahmaud Arbery, e então ofereceu a Dre o remix para Now I Rise. "Bang Your Head" combina as palavras sábias de incentivo da mãe de Dre com a EDM futurística da produtora Winta James e o ritmo infundido do hip-hop. O alcance musical impressionante de Now I Rise não será identificado externamente como reggae de raiz, embora a entrega apaixonada de Dre e as declarações provocativas estendam o espírito revolucionário da música com uma atualização sonora para uma nova geração. “Não vejo como gênero porque reggae não é uma batida para mim”, diz Dre, que assim como  Tarrus e Protoje resiste a categorizações. “Reggae é a música que os Rasta usam para transmitir a mensagem de Sua Majestade (Imperador Etíope, Salvador Rastafari Haile Selassie I) e como um Rastaman, como mensagem eu digo para queimar (condenar) a divisão, queimar a segregação, somos um só povo: Eu digo não a raça, sem cor, então como direi gênero? Enquanto a mensagem falar retidão e amor ao povo, a música é reggae para mim.”

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SUPER-HERÓIS DO REGGAE :: SLY DUNBAR & ROBBIE SHAKESPEARE COMPUSERAM 200.000 MÚSICAS - AQUI ESTÃO 16 DAS MELHORES

Sly Dunbar e Robbie Shakespeare são os mais famosos músicos da cozinha de ritmo (baixo e bateria) jamaicana de todos os tempos, e há pelo menos 200.000 razões.

Isso de acordo com o famoso duo de drum and bass (baixo e bateria), que de qualquer modo e independentemente da veracidade desta afirmação, são certamente responsáveis por muito mais músicas do que são normalmente reconhecidos. Sem eles, a música popular jamaicana teria tomado um rumo muito diferente.

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Grande parte do mundo exterior tornou-se ciente do 'Rhythm Twins' (Gêmeos do Ritmo) através de seu trabalho com a sensação transplantada jamaicana Grace Jones, ou através de colaborações posteriores com os (The Rolling) Stones, Serge Gainsbourg, Herbie Hancock e Bob Dylan. No reino do reggae, Sly e Robbie primeiro causaram um rebuliço quando eram banda de apoio do cantor Peter Tosh em meados dos anos 70, e os holofotes foram colocados diretamente sobre a sua própria criatividade mais tarde, nessa década através de produções em seu selo 'Taxi' com Gregory Isaacs, The Tamlins, Jimmy Riley e Junior Delgado. As conquistas com o Black Uhuru também ajudaram a dar a esse grupo o seu status estelar na sequência da morte de Bob Marley, resultando no primeiro prêmio Grammy de reggae em 1985.

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Sly and Robbie também fizeram uma série de álbuns com conceito abstrato com a figura subterrânea Bill Laswell em Nova York, antes de voltar para a briga de hits no dancehall na Jamaica com Chakademus e Pliers, Beenie Man, Capleton e Innocent Kru entre outros. Continuaram os trabalhos com a atriz e cantora jamaicana Cherine Anderson e fizeram colaborações com 'No Doubt' e Sinead O'Connor, que mantiveram o duo com demanda internacional - até mesmo Paris Hilton solicitou a assistência da dupla em sua produção.

Por tudo isso, a música deles nunca realmente caiu em qualidade, e qualquer um que teve o prazer de observá-los no trabalho sabe que sua química individual, é uma grande parte do que faz Sly e Robbie uma força única na produção musical. Sly Dunbar pode soar como um metrônomo e é igualmente hábil em programação de bateria, enquanto que os graves rock-solid de Robbie Shakespeare constituem uma âncora melódica inabalável. Suas personalidades estão em extremos na escala de oposição também - o magrelo Sly é a essência de uma calma e um cavalheiro cortês, enquanto o baixista robusto, uma vez ficou um tempo em uma prisão jamaicana notória, por causa de uma carga de armas e não tem escrúpulos em deixar claro que ele não está para brincadeiras. Juntos, os Senhores Drumbar e Basspeare são um tour-de-force de criatividade rítmica.

Lowell Charles Dunbar foi inicialmente criado em East Kingston, mas se mudou para o distrito de West Kingston de Waterhouse com sete anos de idade, quando esse bairro estava sendo desenvolvido para aliviar a superlotação crônica da capital. Ele gravitou para a bateria enquanto participava da Trench Town Comprehensive School depois de ver Ken Boothe e os The Gaylads se apresentarem lá. O jovem Dunbar passou por um clube de teatro chamado os Yardbrooms e foi orientado brevemente por Mikey 'Boo' Richards da banda In Crowd e Carlton Barrett do The Boys Hippy (que estava prestes a juntar-se aos The Wailers), mas foi o tecladista Ansel Collins que realmente lhe deu educação musical, direcionando-o para o RHT Invincibles (com base em uma padaria Rastafari conhecida como o Rainbow Healing Temple [Templo Do Arco-íris Energético]) como substituto para o Lloyd 'Tin Leg' Adams.

A bateria pronunciada de Dunbar ajudou Collins na música instrumental 'Night Doctor' se tornar um enorme sucesso, especialmente no Reino Unido, onde foi lançada pelo selo Upsetter de Lee Perry. A música de Dave e Ansel Collins 'Double Barrel'* foi um sucesso ainda maior, e a bateria soberba de Sly foi um fator significativo na sua popularidade. Sly brevemente tocou com os The Supersonics no início de 1970, fazendo batidas para Justin Hinds na música 'Say Me Say', mas tocou principalmente em shows dos Vulcanoes em clubes, um spin-off do RHT Invicibles, com base na costa norte. Isso foi quando ele ganhou o apelido de Sly, inspirado por seu amor ao grupo 'Sly and the Family Stone'.

* Existe uma coletânea (muito famosa para quem conhece a história dos Bailes Blacks de de São Paulo), chamada 'Sambarock - O Som dos Blacks' lançada em 1978 pela gravadora Copacabana. Causou certo desconforto em algumas equipes de som da época, por incluir algumas músicas raras (na época) na coletânea. Mas o mais importante é que esse foi o disco onde tive o primeiro contato com o reggae (mesmo sem saber), na coletânea estava músicas como Dave & Ansell Collins - Double Barrel, The Upsetters - Shocks Of A Mighty e Desmond Decker - If You Get If You Really Want. O disco comprado pela minha mãe em 1978, está comigo até hoje e é como se fosse uma memorabilia da casa e do acervo. Em 2009 escrevi sobre essa coletânea e sobre a música Check My Machine de Paul McCartney.

Robbie Shakespeare foi criado em Kingston oriental, e desde que seu irmão mais velho Lloyd era um membro do grupo harmônico 'The Emotions', e Robbie foi motivado a perseguir a música em uma idade precoce, pegando emprestado o violão de seu irmão em todas as oportunidades. Ficava pendurado para fora durante as sessões de ensaio do Hippie Boys, e Robbie teve Aston "Family Man" Barrett para ensinar-lhe os principais rudimentos de contra-baixo, e quando o integrante Fams deixou o grupo para se juntar aos Upsetters (que se tornou banda de apoio dos Wailers), Robbie foi foi quem ficou no seu lugar. Depois de tocar em versão reggae de Errol Dunkley dos Beatles 'I'll Be Back' (lançado como 'You'll Never Know'), ele se juntou a uma banda chamada 'Big Relation', que o levou para o grupo 'The Eternals' de Cornell Campbell, que por sua vez, o levaram a ter a atenção do produtor Bunny 'Striker "Lee, resultando em uma associação de longa data. Family Man garantiu que Robbie aparecesse no álbum 'Catch A Fire' dos Wailers também, podendo ser ouvido nas músicas 'Concrete Jungle' e 'Stir It Up'.

Após o desaparecimento dos 'Volcanoes', Sly transformou os RHT Invencibles em 'Skin, Flesh and Bone'. Banda residente no clube 'Tit For Tat', uma das muitas casas noturnas que na parte alta da cidade florescente Red Hills Road, em Kingston. A versão de Al Brown de Al Green "Here I Am Baby' tornou-se um enorme sucesso em ambos os lados do Atlântico graças em parte à bateria matadora de Sly. E mesmo que Robbie não fizesse parte ainda, Sly fundou o selo Taxi com o guitarrista Ranchie McLean naquela época, sendo o primeiro lançamento uma versão reggae de Ranchie, de 'Little Anthony And The Imperials' com a música 'I'm Falling In Love With You'. (O nome do selo foi desenhado a partir do desenho de um taxi batido que Sly usava para leva-lo de um lado ao outro da cidade).

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Sly e Robbie tiveram que conhecer um aos outro nesse período de tempo, em que Robbie estava tocando com o 'Big Relation' em um clube algumas portas para baixo do clube 'Tit For Tat' chamado 'Evil People'. Sly transformou 'Skin, Flesh and Bones' na banda 'The Revolutionaries', que se tornou a banda de estúdio do famoso Channel One, e Robbie era um dos líderes nos 'The Aggrovators', banda ordinária de Bunny Lee, que ouvimos nos grandes sucessos de Cornell Campbell, Johnny Clarke, e Linval Thompson. Sly e Robbie tocaram juntos em algumas sessões do 'The Aggrovators', e Robbie trabalhou com o 'The Revolutionaries' também, tocando piano no hit instrumental "MPLA" e contribuiu tocando guitarra em outras faixas, antes de assumir funções de baixo com Ranchie.

Após a sua série inicial de trabalhos para Peter Tosh, o primeiro lançamento do selo Taxi a creditar Sly and Robbie como produtores conjuntos, foi Gregory Isaacs com o hit de 1977; 'Oh What A Feeling' - uma forte primeira tentativa na esfera da produção. Para os próximos anos, eles não poderiam fazer nada errado, trazendo o Black Uhuru à proeminência e pontuando hit após hit com os principais ouvintes do reggae. Desde então, Sly e Robbie criaram a música em muitos gêneros diferentes ao redor do mundo, reinventando-se como um duo de produção digital na era dancehall, e continuando a tocar ao vivo e em gravações de colaboração.

Aqui está um punhado dos maiores lançamentos de Sly and Robbie de todos os tempos, cada um com a inscrição de sua musicalidade e habilidades de produção excepcionais.

Para ouvir todas as músicas relacionadas no texto, basta dar o play e acessar a playlist.  

1. Andy Capp - ‘The Law’ (Tiger/Duke, 1970)

As incríveis habilidades de Sly Dunbar já estavam em evidência em suas primeiras sessões de gravação. O instrumental de 'Night Doctor' veio de sua primeira sessão de gravação (gravada por Ansel Collins, que licenciou a Lee Perry para lançar a música), com a bateria rock-solid de Sly, enquanto o preludio para Winston Riley em 'Double Barrell', tem uma qualidade igualmente metronoma, com viradas mais impressionantes que preenchem a canção com intervalos regulares. Quando você virar o disco para ouvir a versão, você pode realmente entrar em sintonia com o que Sly está fazendo, com movimentos destros no chimbal, é um contrato de prestação rítmica para a linha de piano de Ansel.

Talvez a mais notável contribuição de Dunbar desse período aparece no início 'falado' no disco 'The Law', com a voz do engenheiro de masterização, Linford 'Andy Capp' Anderson da Dynamic Sounds. Aqui, o ritmo galopante de Sly nos leva para dentro e fora da melodia, enfatizando o tema ocidental de narração de Anderson (e o fez mais proeminente através da aplicação de efeitos de delay), a bateria intrincada fornecendo o principal combustível propulsor da canção. Tanto o corte vocal e a versão do lado B com o solo de órgão, que desacelera e acelera no final da música, mostram que a abordagem de Sly Dunbar no ritmo já era muito além do que de seus contemporâneos estavam fazendo.


2. Errol Dunkley - ‘You’ll Never Know’ (Gay Feet/Bomb, 1972)

Como os primeiros trabalhos de Sly, a gravação de estréia de Robbie Shakespeare já mostra uma afinidade natural com o seu instrumento. A música do The Beatles 'I'll Be Back' tinha sido adaptada pelos Paragons em um fino rocksteady de efeito, mas a reformulação reggae de Errol Dunkley tem mais poder emotivo, sua voz angustiada sem restrições pela harmonia vocal, e o ritmo lânguido ajudando cada palavra sair.

A parte do baixo de Robbie fornece a âncora melódica que mantém tudo no lugar, e você pode ouvir a influência da orientação de Family Man em seu estilo de tocar. Para reforçar ainda mais os elementos da sincronicidade, consideram que Robbie estava usando um Hofner 'Bass Beatle' no momento, o que lhe foi dado por Fams. A música também se beneficia de um acompanhamento de trombone discreto (provavelmente tocado por Vin Gordon) e, embora a canção tenha sido licenciada para Sonia Pottinger para o seu lançamento jamaicano, na verdade a música é auto-produzida por Errol Dunkley. Um belo primeiro esforço de Robbie, apontando para linhas de baixo de arrepiar que iriam vir.


3. Al Brown & Skin Flesh And Bone - ‘Here I Am Baby’ (Tit For Tat/Trojan, 1974)

•  COMPRAR Al Brown - Here I Am Baby Come And Take Me (7")

Desde a posse de Sly no comando do 'Skin Flesh And Bones', a música 'Here I Am Baby' é uma versão reggae do clássico soul de Al Green, que achou sua graça em ambos os lados do Atlântico, e de novo, o padrão de ritmo complicado de Sly impulsiona toda a composição. A canção é notável em várias frentes, não menos importante porque emprega um ritmo do 'flying cymbal', com base em um padrão de abrir e fechar o chimbal, mas a batida de Sly no chimbal é totalmente diferente do que todo mundo estava fazendo com o estilo, e você pode ouvir isso mais claramente na excêntrica versão no lado b, que tem uma espécie de duelo na linha melódica. A produção é creditado ao dono do de um clube chamado Dickie Wong, mas Sly e Ranchie McLean estão totalmente no controle. Mais evidências de que Sly estava fazendo mais do que muitos de seus contemporâneos nesta época, era assumir o comando da banda de trás da bateria.


4. Cornell Campbell - ‘Wherever I Lay My Head’ (Bar Bell/Micron/Horse/Monica’s, 1975)

Como foi o caso com Sly, Robbie Shakespeare começou a emitir suas próprias produções em 1974, começando com faixas de Johnny Clarke e seu principal rival Cornell Campbell. Shakespeare tinha sido tocado no grupo 'Eternals' de Campbell, o que fez com que o seu vínculo com o cantor fosse particularmente forte, e assim como Sly apreciado gravar versões reggae de músicas soul, Robbie faz uma reformulação da música de Marvin Gaye 'Wherever I Lay My Hat' (gravada para a Motown por de volta em 1963, mas que não teve um impacto até vários anos depois, quando foi reeditada como lado b de "Too Busy Thinking About My Baby').

O ritmo aqui é despojado na bateria, baixo e vocal, com apenas um punhado de guitarra atrás de uma linha de teclado instável, o que significa que Robbie fornece a única melodia instrumental, em paralelo com o vocal tenor de Campbell. A versão no lado b de King Tubby faz pleno uso do "flying cymbal', e mostra a profundidade total de expressão que Robbie é capaz de transmitir através de suas linhas estrondosas, com seus dedos em queda livre até as profundezas do espectro dos graves, antes de pular o pescoço (do contra-baixo) para os refrões.


5. Gregory Isaacs - ‘What A Feeling’ (Taxi, 1977)

Uma dos clássicos de todos os tempos de Gregory Isaacs, 'What a Feeling' descreve a atmosfera incrível de uma festa com um sound sustem em Kingston, com todos recebendo alegremente e balançando ao ritmo, sem se preocupar com as divisões que muitas vezes resultam em violência na ilha. Leva o cantor de volta à sua infância, mas ele observa que, mesmo assim a paisagem foi marcada por malfeitores; No entanto, o poder da música prevalece.

Com a primeiro co-produção oficial de Sly & Robbie, este é um bom local de interesse, embora Robbie disse que eles realmente não conseguiram um sucesso significativo com o selo, até Gregory gravar 'Soon Forward' no ano seguinte. Em qualquer caso, o contraste fornecido pelo rufar intrincado de Sly nos espaços de Robbie, com uma linha de baixo 'hands-off', é em parte o que torna esta uma grande sintonia. As paradas de descanso de Robbie caíram em todos os lugares certos, e há um arranjo de piano memorável que surge no meio de versos de Gregory, com apenas um pouco de guitarra para apimentar o processo. Outras músicas de Gregory para ver a produção de Sly & Robbie incluem uma grande 12inch duplo; "Motherless Children/Going Downtown", e o mega-hit 'Soon Forward'.


6. Black Uhuru - ‘Let Him Go’ (Taxi 7”, 1977)

Sly e Robbie tiveram um relacionamento especial e de longa data com o Black Uhuru. A ligação entre Sly e Michael Rose vem desde o início dos anos 70, porque ambos eram residentes no Waterhouse, e estavam chegando na cena musical, e é digno de nota que Sly produziu 'Artibella' para o Táxi com Rose em 1975, antes que ele e Robbie fossem uma sólida equipe de produção. Depois Rose, tornou-se vocalista do Black Uhuru, e a intenção era que o seu álbum de estréia fosse uma produção de Sly e Robbie, mas a dupla estava em turnê com Peter Tosh, e o Black Uhuru acabou gravando esse disco com Prince Jammy.

No entanto, versão animada de Black Uhuru para "Let Him Go" foi um tremendo sucesso para o selo Taxi, e prescindia o que iriam alcançar juntos no futuro, e a percussão inventiva de Sly é uma grande parte do que a torna única e tão grande. É uma leitura individual do clássico dos Wailers, re-trabalhado para a era dos rockers, com atropelos de pratos e um teclado borbulhante dando a canção seus ganchos irresistíveis. Uma vez que o grupo voltou a trabalhar com Sly e Robbie, em 1979, não havia como voltar atrás: o álbum 'Showcase' seria trabalhado no exterior pela Virgin, e o contrato de Sly quebrado com a Island fez o grupo o maior ato reggae no mundo, seguinte a morte prematura de Bob Marley.


7. Junior Delgado - ‘Fort Augustus’ (Taxi 7”/Niagara 12”, 1979)

Júnior Delgado tem o seu início no 'Time Unlimited', gravando trabalhos impressionantes para Rupie Edwards, Lee 'Scratch' Perry e Tommy Cowan. Quando os membros do grupo seguiram caminhos separados, os tons graves de Delgado caíram nas graças e excelência para gravações com Perry, Niney The Observer e Augustus Pablo, antes de sua parceria duradoura com Dennis Brown que também deu frutos. 'Fort Augustus' é a mais difícil das duas faixas que Sly and Robbie produziram com Jux para o táxi, com gritos angustiados de Delgado, em referência a várias instituições penais na Jamaica e as práticas terríveis infligidas aos prisioneiros. Syndrums de Sly dão à música uma ponta de futurismo e o padrão de baixo subsônico de Robbie enfatiza a gravidade na melodia.

A outra gravação do selo Taxi por Jux, 'Merry Go Round", é também uma vencedora, embora vindo muito mais do ponto de vista de uma loversrock; para melhor apreciar a dureza do ritmo do 'Fort Augustus', verifique as várias versões dub, incluindo a estendida 12" pelo selo Niagara, e a versão por Paul 'Groucho' Smykle no álbum 'Raiders Of The Lost Dub LP'.


8. The Tamlins - ‘Baltimore’ (Taxi 7”/Taxi & D Roy 12”, 1980)

Fortemente influenciado pelo soul norte-americano, o trio de harmonia 'The Tamlins' começou a gravar em meados dos anos 70 e fez seu nome no Channel One, dando-lhes uma relação de trabalho duradoura com Sly e Robbie. Uma vez que parte do foco de produção do selo Taxi sempre envolvia interpretações reggae de músicas estrangeiras, o grupo foi uma escolha natural para colaborar a dupla. Nesta intensa versão de 'Baltimore', eles padronizarão a música não depois do original discreto de Randy Newman, mas fizeram após a leitura individual da melodia em jazz de Nina Simone.

Entre o baixo pulsante de Robbie e os padrões syndrum intergalácticos de Sly, temos uma fanfarra de metais temível, que ressalta o desespero dramático da canção, com Tamlin Júnior Moore cantando com seu coração para fora. A versão dub estendida nos 12" e o lado B dos 7", ambos colocam as arestas do ritmo totalmente no centro das atenções. Ouça também a versão pseudo-rap no toast de Welton Irie, 'Hotter Reggae Music', que aparece em alguns 12" lançados, com alguns enxertos com pedaços de 'Rappers Delight' na letra.


9. Jimmy Riley - ‘Love And Devotion’ (Taxi 7”, Niagara & Yes 12”, 1980)

O tenor influenciado pelo soul Jimmy Riley era um colega de escola de Slim Smith, que formou o grupo rival 'The Uniques', porque o grupo 'The Techniques' de Smith já estava completo. A carreira solo começou na década de 1960, ele gravou trabalhos inovadores com Bunny Lee e Lee 'Scratch' Perry, bem como o trabalho de auto-produção, e apesar de material gravado na Black Ark e com Ossie Hibbert no Channel One, ele teve uma sensação underground, o sucesso internacional que ele desejava não aconteceu até ele que ele se juntou com Sly e Robbie para gravar esta música pós-rockers, o hino de Smith, que finalmente o levou ao topo das paradas.

Os complicados padrões de bateria e syndrum acentuados de Sly reestruturaram totalmente a melodia, enquanto Robbie, toca juntamente com uma linha de baixo ainda melodiosamente escassa; Riley torce a emoção máxima de sua entrega de espírito, trazendo a música para o seu pleno potencial. Não perca a versão de General Eco com a hilariante kung-fung "Drunken Master', que também faz o uso máximo do ritmo. Quanto Riley, fez o prelúdio para Sly e Robbie de 'My Woman's Love', era quase tão popular quanto 'Love And Devotion', e um gravação reggae com a voz rouca de "Sexual Healing", de Marvin Gaye também ajudou a manter sua carreira nos trilhos.


10. The Viceroys - ‘Heart Made Of Stone’ (Taxi 7” & 12”, 1980)

'The Viceroys' é um desses trios de harmonia que têm uma história muito complicada. Na era rocksteady fizeram gravações notáveis ​​para o Studio One, Derrick Morgan e Sir JJ , passando a trabalhar com Joe Gibbs, Lee Perry, Lloyd The Matador, Sidney Crooks e Winston Riley nos primórdios do reggae. Algumas mudanças de line-up aconteceram ao longo do caminho (embora o líder Wesley Tinglin permaneceu no comando), e após o gravação do trabalho mais fino para o Studio One, eles gravaram este impressionante single para Sly and Robbie em 1980.

O ritmo é enganosamente simples, mas o padrão de baixo com as nuanças de Robbie engancha o ouvinte desde o início, e como de costume, Sly dirige tudo com um padrão de bateria complicada, fez ficar mais atraente pelos gritos de seu acentuado syndrum. Adicione alguns sons de teclado e guitarra estranhos, e você tem um pano de fundo adequadamente estranho para um conto de um romance de um coração partido, Tinglin e o grupo das desbravam as desgraças de uma mulher de dois tempos.


11. Grace Jones - ‘My Jamaican Guy’ (Island 7” & 12”, 1983)

Chris Blackwell viu o potencial de estrela em Grace Jones desde o início, lançando-a na sequência abortada de Perry Henzell para The Harder They Come (intitulado como No Place Like Home), num momento em que ela era totalmente desconhecida e apostando em seus três primeiros álbuns, que foram em grande parte do gênero Disco, mas não conseguiu alcançar o sucesso no mainstream. Blackwell sabia que ela precisava de uma direção diferente para alcançar o objetivo, e acabou formando as 'Compass Point All Stars' como sua banda de casa para o estúdio 'state-of-the-art' que ela construiu nas Bahamas. Sly e Robbie foram naturalmente recrutados para ser o seu núcleo rítmica e artístico.

Eles trouxeram o guitarrista Mikey 'Mao' Chung dos 'The Revolutionaries' e percussionista Sticky Thompson com eles de Kingston (e em algumas sessões, Tyrone Downie da banda The Wailers), mas Blackwell não queria que o All Stars fosse ser 100% jamaicano, então ele puxou para o guitarrista de Marianne Faithful, Barry Reynolds, e do natural de Benin, residente em Paris, o gênio do teclado desde criança, Wally Badarou, para ampliar o som. Os álbuns 'Warm Leatherette' e 'Nightclubbing' foram álbuns quentes e maciçamente bem sucedidos, mas a final da colaboração do Compass Point, 'Living My Life', talvez apresentou a maior complexidade. 'My Guy Jamaican' é excelente, em parte por causa de seu maravilhoso ritmo, que Sly diz ser influenciada pela música popular jamaicana conhecida como mento. Robbie mantém sua mínima linha de baixo na extremidade inferior da escala e os teclados de Badarou injetam um pouco de melodia alegre. A canção foi aparentemente inspirada por Tyrone Downey, como foi revelado por Jones algumas décadas mais tarde.


12. Dennis Brown - ‘Revolution’ (Taxi 1983)

• COMPRAR Dennis Brown - Sitting & Watching / Revolution (7")

Uma das figuras verdadeiramente icónicas da música popular jamaicana, o catálogo de Dennis Brown é simplesmente magnífico, e muitos fãs sentem que ele tinha a vantagem sobre Bob Marley em grande parte das suas respectivas carreiras. A parceria com Sly e Robbie produziu resultados excelentes e em nenhum lugar isso é mais evidente do que na música 'Revolution', um verdadeiro hino de Brown que permaneceu com uma característica de suas performances ao vivo. Sua ligação inicial com a dupla em 1981 produziu a censurada 'Sitting And Watching' (o que teve uma grande versão de rub a dub de Ranking Dread em 'Lots Of Loving'), e a romântica 'Have You Ever', mas 'Revolution' de 1983 é muito mais forte.

Desta vez, o ritmo é ainda mais tentador através do uso criterioso de Sly do Roland TR-808 como um enfeite; em vez de dominar a música com a máquina, ele só a usa para fornecer sons assassinos de aplauso (claps), incitando o ritmo para a frente com cada barra. Enquanto isso, Brown canta com fervorosa convicção da necessidade de uma ação rebelde em um momento em que o mundo estava no meio de uma reação conservadora.

13. Ini Kamoze - ‘World A Music’ (Taxi 7” & Island LP, 1984)

No rescaldo da morte de Bob Marley, o Black Uhuru estava pronto para levar a coroa do reggae, graças em grande parte à entrada do Sly e Robbie no grupo. No entanto, quando se preparavam para gravar o álbum Anthem, que acabou vencendo o primeiro Grammy do reggae, tensões internas culminaram na expulsão de Michael Rose, sinalizando o declínio gradual da sua posição dominante.

Ao mesmo tempo, uma vez que Island tinha contrato assinado com o ex-trabalhador da comunidade e ator Ini Kamoze, houve rumores de que ele herdaria o legado de Marley. Kamoze fez suas primeiras gravações por cerca de 1982, para o selo Mogho Naba, que ele tinha formado com o sobrinho de Jimmy Cliff, Sipho Merritt. Sly e Robbie o pegaram depois de obter num porão uma fita demo, e quebraram seu contrato com a Island.

‘Trouble You Trouble Me’ (com Sly e sua TR-808) e ‘General’ foram lançados como um único single em 1983, o que provocou todos os tipos de interesse em Kamoze, e quando seu álbum de estréia auto-intitulado veio à tona no ano seguinte, ele também teve a contundente 'World A Music', o inesperado sucesso que a maioria dos fãs mais jovens conhecem devido à seu uso no álbum de Damian Marley 'Welcome To Jamrock'. Robbie fornece uma linha de baixo desarticulada com abundância de paradas de descanso, enquanto Sly faz alguns interlúdios extravagantes; acordes de piano de Robbie Lyn saltam dentro e fora da miragem, onde foi dada maior profundidade por Paul 'Groucho' Smykle. Como tenor distintivo Kamoze canta o apelo duradouro da música reggae.


14. Sugar Minott - ‘Herbman Hustling’ (Jaguar 7”, Taxi 7” & 12”, Black Roots 12”, 1984)

Há um debate considerável sobre quem fez o primeiro registro de reggae 'digital' ou 'computadorizado', ou mesmo se tais termos descrevem com precisão o reggae feito com sintetizadores e baterias eletrônicas. Todos apontam para Wayne Smith com 'Under Mi Sleng Teng', produzido por Prince Jammy a partir de um preset Casio, mas Sugar Minott afirmou que ‘Herbman Hustling’ merece a designação primária. Minott começou sua carreira com o 'The African Brothers' durante meados dos anos 70, mas se separou para seguir carreira solo no Studio One, onde ele revolucionou a música popular jamaicana, dando voz a novas canções em velhas faixas produzidas por Dodd.

Quando lançou seu próprio selo batizado de Black Roots em 1980, Minott lançou um monte de trabalhos auto-produzidos e alimentados com os talentos de futuros músicos. Ele continuou a gravar para uma série de produtores ao mesmo tempo e um emparelhamento com Sly and Robbie fez todo o sentido. Minott já tinha gravado uma versão rotos, um pouco mais lenta de de ‘Herbman Hustling’ para Bullwackie em Nova York, mas Sly e Robbie recravaram a música com arranjos digitais super-carregados, e acabou por se tornar um sucesso espetacular. Seu ritmo sustentado e o baixo do teclado forneceu amplitude para o movimento dancehall que crescendo. Isso mostra que Sly Dunbar foi capaz de se adaptar aos tempos, e embora eles enfrentassem críticas em casa por gastar muito tempo em passeios no exterior, Sly e Robbie foram capazes de continuar a ser uma força de produção viável na era dancehall, apesar da produção digital ter causado mudanças drásticas na músida.


15. Mykal Roze - ‘One A We, Two A Wi’ (Taxi 7” 1999)

Em meados da década de 1980, Sly e Robbie produziram alguns grandes álbuns de fusão com o produtor baseado em Nova York Bill Laswell. 'Language Barrier' teve contribuições da África Bambaata, Herbie Hancock, Doug E. Fresh, e até mesmo Bob Dylan na gaita, todos fazendo a sua parte através de uma série de ritmos de condução, enquanto Rhythm Killers também foi multifacetada, com uma base dancehall, hip-hop, funk e electro multi efeito.

Sly and Robbie também alimentaram a carreira de Gwen Guthrie e contribuíram para o álbum 'Empire Burlesque' de Bob Dylan, uma das muitas colaborações no exterior de alto nível da época. Então, durante a década de 1990, eles começaram a passar períodos mais longos na Jamaica e retiraram à produção musical, gravando uma grande versão influenciada pelo bhangra de 'Mission Impossible' (na voz de Innocent Kru chamada de 'Impossible Train'), entre muitos outros.

Um dos registros mais notáveis ​​para a superfície deste período é ade Michael Rose 'One A We, Two A Wi', que monta um ritmo digital do selo Taxi, resistente e não-padrão, sobreposto por acordes de guitarra agitadas e teclados estranhos numa espécie de redemoinhos, sobre as quais Rose canta sobre o ciclo vicioso que leva perpetuamente maus rapazes da esquina e da rua à cadeia. Curiosamente, a produção não é creditada a Sly e Robbie, mas para o guitarrista enigmático Carl Harvey, um colega de longa data de Robbie com os Aggrovators. Note que a canção foi reeditada em forma de Remix várias vezes, com variados graus de sucesso; o 7" original pelo selo Taxi continua a ser o formato preferido.


16. Jimmy Riley & Tarrus Riley - ‘Pull Up Selector’ (Taxi 7,” 2007)

• Ouça a versão do riddim 'Rub A Dub' produzida com Criolo para a MIXTAPE MATILHA VOL 1

Se alguém tinha alguma dúvida sobre Sly e a relevância de Robbie em nossa época contemporânea, basta ouvir este grande dueto entre Jimmy Riley e seu filho Tarrus. Produzido por Sly e Orville ‘Rorey’ Baker no Baker’s One Pop Studio, o ritmo é baseado em uma riddim de (outro sucesso de Sly & Robbie e produção clássico de '84) 'Rub A Dub (aka Tune In)' de Sugar Minott. E Tarrus lidera o caminho neste hino ao fascínio do dancehall, auxiliado por tons rudes do pai de Jimmy em intervalos selecionados. Pura Classe!

COMPRAR SLY & ROBBIE @ FYASHOP

	Various - Fat Eyes Dancehall Dee-Lite (LP, Comp) Label:Heartbeat Records (2) Cat#: HB 226 Media Condition: Mint (M) Sleeve Condition: Mint (M)
	Leroy Brown (2) - 70's Reggae Style (LP) Label:Caturna Cat#: CATLP003 Media Condition: Mint (M)
	Pinchers, Firehouse Crew, Sly & Robbie - O Lord Remember Me (7") Label:XTerminator Cat#: none Media Condition: Very Good Plus (VG+)
	Capleton - Prophecy (LP, Album) Label:African Star Music, Rush Associated Labels Cat#: 314 529 264-1 Media Condition: Very Good Plus (VG+) Sleeve Condition: Very Good Plus (VG+)
	Maxi Priest - Wild World (7") Label:10 Records Cat#: TEN 221 Media Condition: Very Good Plus (VG+) Original press, some little noise, marks on surface and some marks and sticker on label, plays nice.
	Sly & Robbie - Dance Hall (12") Label:Island Records Cat#: 0-96536 Media Condition: Very Good (VG) Sleeve Condition: Good (G)
	Judy Mowatt - Come see About Me (7") Label:Taxi Cat#: TXI-867123 Media Condition: Very Good Plus (VG+)
	Dennis Brown - Sitting & Watching / Revolution (7") Label:Taxi Cat#: none Media Condition: Near Mint (NM or M-) Have a sticker on label.
	Sly & Robbie Presents Mykall Rose* - The Taxi Sessions (LP, Album, Promo) Label:Taxi Cat#: TAXI PROMO 1 Media Condition: Very Good Plus (VG+) Sleeve Condition: Very Good Plus (VG+)

Por David Katz - Publicado Originalmente @ http://www.factmag.com/2016/06/01/sly-robbie-best-songs/

            

FREE DOWNLOAD - ROOTS ORGANICS APRESENTA CULTURE MIX 2010 POR RORY STONE LOVE

O seletor imortal do sound Stone Love Rory, forjou uma reputação durante os anos 80 e 90 em diversas comunidades da Jamaica. Stone Love já se tornou uma lenda viva dos sound systems indo ao topo como um dos maiores sistemas de som da ilha promovendo o reggae e o dancehall, a Jamaica, o Rastafari e o o também o "enganjamento" para a legalização da maconha. O nome Stone Love veio para encarnar o espirito de varias gerações de sound system's em clashes legendários. 

Era costume improvisar nas comunidades carentes de Kingston para lideres que em alguns casos eram conhecidos como "Dons" (um tipo de Robin Hood para alguns, e para outros eram Chefes do Crime Organizado) organizavam semanalmente uma festa de graça na rua para a comunidade. Esses "Dons" proviam o ingrediente essencial, a musica, que incluia o sistema de som, o seletor, e uma parede de alto falantes que revelava para alguns, por um momento, um escapada da situação critica sócio-econômica e política e curtir uma noite de boa musica. 

Muitos artistas de hoje passaram pelo sound e mostraram respeito para o Don e para a comunidade passando a vibração pelo microfone e criando letras certeiras e profundas. Roots Organics, Rootz Underground e o seletor Rory do Stone Love Movement produziram a mixtape "Culture Mix 2010" para recapturar a essencia do dancehall... A gente te convida para acender seu spliff, ou simplesmente vir com boas vibrações e fazer parte dessa legendaria era da cultura reggae para sempre ser lembrada - "Música está sendo Plantada!"

Artistas que participam da mixtape; Rootz Underground, Rory Stonelove, Junior Byles, Robert French, Busy Signal, Damian “Jr. Gong” Marley, Richie Spice, Chuck Fenda, Taru, Luciano, Sizzla, Johnny Osbourne, Duane Stephenson, Big Yout, Tarrus Riley, Etana, Abijah, Lutan Fya, Capleton, Nas, Julian Marley, Anthony B, Norris Man, Sugar Minott.

Blessed Love

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