UM OLHAR SOBRE A HISTÓRIA E A EVOLUÇÃO MUSICAL DO DUB COM HOPETON 'SCIENTIST' BROWN

Arte por Ellen G

No ano passado, tive o prazer de entrevistar um dos pioneiros do dub e reggae: Hopeton Overton Brown, o engenheiro de gravação e produtor jamaicano que alcançou a fama na década de 1980 misturando música dub como The Scientist.

Scientist foi apresentado à eletrônica por seu pai, um técnico em consertos de televisão e rádio. Ainda jovem, ele começa a construir seus amplificadores e a comprar transformadores de (King) Tubby. Enquanto estava em seu estúdio, ele pediu a chance de mixar uma faixa, então se tornou o assistente de Tubby. Seu nome está ligado, mais uma vez, ao estúdio. Durante uma sessão, Tubby disse a Bunny Lee: 'Droga, esse garotinho deve ser um cientista' - referindo-se à proficiência técnica do Scientist . E assim nasceu um nome lendário.

O final da década de 1970 viu Scientist como o engenheiro principal do Channel One, trabalhando em uma mesa de mixagem de 16 canais, em vez das quatro canais que Tubby usava. Seu nome começou a chamar a atenção no início dos anos 1980. Ele lançou uma série de álbuns pela Greensleeves Records com títulos temáticos em torno das conquistas ficcionais do Scientist: lutando contra Space Invaders, Pac-Men e Vampires, mas também vencendo a Copa do Mundo (World Cup). Sua música era tocada pela banda Roots Radics, seus colaboradores mais frequentes.

Não apenas seus lançamentos o colocaram no mapa, mas também suas habilidades únicas de engenharia, que se tornaram uma marca registrada. Ele foi o engenheiro favorito de muitos produtores, para os quais mixou álbuns apresentando músicos como The Roots Radics e Sly & Robbie.

Em 1982 ele deixou o Channel One para trabalhar no estúdio Tuff Gong e, a partir de 1985, começou a trabalhar como engenheiro em estúdios de gravação na área de Washington, D.C.

Após a entrevista, você conhecerá o gênio musical e o prolífico artista por trás do nome The Scientist. De técnicas de mixagem a capas visuais de LPa e o legado de King Tubby, nossa conversa fez um tour por esse impressionante trabalho de engenharia do artista.

Legado do King Tubby e histórias amargas da Jamaica

Minha primeira oportunidade foi no estúdio de Coxsone, e trabalhei entre ele e (King) Tubby. Meu relacionamento com King Tubby era muito bom.

Mas o que eu quero falar são as falsas alegações e fraudes na música jamaicana - Prince Jammy, que também estava no estúdio com Tubby, há algo que deve ser dito quando se trata do álbum temático de ficção científica 'Scientist and Jammy Strike Back'! Jammy nunca mixou uma faixa naquele disco! Era tudo falso marketing para vender álbuns, Jammy não está nesse nível de engenharia. Eu posso dizer isso a ele.

'E o que aconteceu com Strike Back acontece hoje em dia também. Os produtores estão fazendo todos os tipos de truques de marketing para atrair compradores.'

Eu me tornei professor desses caras. Tem muita pirataria acontecendo, depois da morte do Tubby, tinha muitos discos saindo com o nome dele quando era meu trabalho, com minhas mixagens. Por exemplo, 'King Tubby's vs Channel One in Dub' é uma fraude completa, e nós desmentimos isso. Tubby tinha uma máquina de quatro canais e, quando você ouve o reverb, pode ouvir que é a mesa de mixagem do Channel One. O som de reverberação é exclusivo para cada estúdio neste mundo. O Channel One tem um reverb muito distinto, assim como Tubby.

Quando você tem uma gravação de quatro faixas como a de King Tubby, é impossível separar, por exemplo, o bumbo da faixa de bateria, ou o órgão do resto da seção rítmica. Então, se você tirar a trilha rítmica, você tira o piano e tudo dentro da seção rítmica, como piano, órgão, guitarra base, o mesmo para a bateria, você não pode tirar a bateria sem tirar a percussão. agrupados com a bateria no momento da gravação. É impossível fazer isso com um gravador de quatro canais. Mas no álbum pirata Tubby, que foi mixado por Peter Chemist, você pode ouvir a faixa do órgão separadamente. O que acontece com esses produtores é que eles ficaram sem ideias, então recorreram à pirataria. Além disso, as mixagens são tão embaraçosas que parecem que meu vizinho do lado ou algum cara bêbado mixou aquele álbum.

Cada engenheiro, produtor e mixer lá fora na história da música tem uma assinatura única. As pessoas os amam por sua assinatura. Nesse álbum, nada soa como Tubby, e novamente a mesma coisa aconteceu com o álbum 'Dangerous Dub', onde supostamente 'King Tubby Meets the Roots Radics'. Isso é uma fantasia. Tubby nunca mixou nenhuma música com os Radics. O que essas gravadoras fazem é inventar e lançar suas idéias malucas. A pior parte é vender esses discos sob o nome de Tubby e ficar com todo o dinheiro para eles. É uma vergonha e uma vergonha quando eles deveriam ser responsabilizados pelo que estão fazendo.

Desastres acontecem na indústria musical. Já vi músicos acabar sendo indigentes e sem-teto, enquanto as gravadoras, com sua moral pobre, mantêm todas o lucro para si. Quando eles têm a oportunidade de tirar vantagem, eles o fazem. Você pode considerar um conto de fadas quando ouve aquelas histórias de como muitos artistas de jazz e blues foram recompensados ​​em bebidas pelas gravadoras. Mas também aconteceu na Jamaica. Artistas assinaram papéis que eles não entendem. Os advogados que trabalhavam para as gravadoras estavam fazendo esses contratos imorais. E duvido que alguém renuncie a seus direitos por alguns drinques ou algumas centenas de dólares.

Esta situação tem sido uma vergonha e as coisas estão melhorando lentamente. Pode acontecer novamente amanhã, a menos que o governo mude a lei, então, quando você for assinar um contrato com qualquer uma dessas gravadoras, deverá ter um advogado externo independente. Se o dinheiro for substancial, muito generoso, cerca de 500 milhões de dólares, você poderá entender por que alguém simplesmente desistiria de seus royalties. Eu não acho que ninguém em sua mente consciente assinaria (um contrato cedendo) seus direitos por um donut! Mas a lei é muito vaga agora e os artistas precisam de mais proteção. Quando você vai contra essas gravadoras, elas têm advogados criminais de grande porte. Um advogado sempre visa ser ganancioso e ver quanto pode obter do artista para seus clientes. Isso é o que conta como um bom advogado neste negócio. Você pode ouvi-los se gabando:

Ei, fiz com que os Wailers cedessem seus direitos por cem dólares.

É um advogado desonesto e canalha! Os jamaicanos no passado não tinham ideia do que significava trabalho para alugar. Eles apenas viram pessoas vindo até eles com papéis para assinar. Nos anos setenta, 500 dólares pareciam muito dinheiro. Eles me procuraram com os mesmos papéis e eu recusei. Do meu ponto de vista, no mundo da música há uma necessidade de proteger mais os artistas e as pessoas que colocam todo o esforço e estão fazendo o trabalho duro.

Mesmo que você venda maçãs, a corporação chega até você com um acordo. E parece que você sempre encontra o tipo de pessoa que pega o helicóptero para viajar dois quarteirões até sua casa, enquanto algumas pessoas trabalham e são escravas. Estamos falando de alguém que não perderia 10.000 dólares do bolso, mas que não pagaria um artista ou trabalhador direito.

Reggae e o mundo

Deixe-me colocar desta forma: o reggae é o gênero mais difícil de projetar. Você tem que entender que fui o pioneiro desse som na Jamaica. Depois de fazer tanto trabalho de estúdio no reggae, na Jamaica, do meu ponto de vista, qualquer outro gênero é facinho. Não deixe as pessoas distorcerem isso. O reggae é a referência para todos os gêneros. É por isso que fiz o 'Scientist Launches Dubstep into Outer Space'. Todos eles vêm de nossas inovações de frequências graves e usando a mesa de mixagem como um instrumento. Reggae é muito mais difícil de mixar do que rock, música clássica ou jazz. Todo o gênero (vertente) do reggae estabeleceu os padrões para música de alta fidelidade em todo o mundo.

Quem ensinou o mundo sobre o baixo, as frequências mais baixas, os médios e os agudos adequados? Não era reggae e o dub? Se você voltar no tempo e buscar gravações lendárias em outros gêneros, poderá ouvir alguns grandes artistas com composições incríveis, mas a técnica de gravação e a qualidade não são as melhores. Para mim, trabalhar por tanto tempo na Jamaica com tantos artistas de primeira linha, agora levando músicas para remixar e mixar de outros gêneros é fácil de trabalhar. Como eu disse: facinho.

Mas gosto de ouvir todos os tipos de música. Para mim, ouvir uma gravação é como aprender um idioma. Gosto de ter uma coleção e conferir uma grande variedade de sons e gêneros, mas a composição tem de ser perfeita. Se alguém quiser entrar em contato comigo para trabalhos, pode fazer por meio do meu gerente. Gosto de manter as coisas tão simples e profissionais assim.

Mas pense um pouco sobre isso, o reggae se torna uma música de azarão. Se você for para a América Latina, eles têm música latina, mas também tem reggae. Você vai para a África onde eles têm sua música, mas também tem artistas de reggae, como Alpha Blondy e Jah Tiken Fakoly. Em qualquer lugar do mundo, da Ásia ao Oriente Médio, há reggae. Não se engane, as pessoas ouvem principalmente dois tipos de música: sons que vêm da Jamaica e música que vem da América. Quantos artistas da música chinesa, balinesa, vietnamita você vê no centro das atenções? Corrija-me se eu estiver errado, algum desses países tem música nas paradas?

Muitas culturas incorporaram o reggae em sua música moderna, e as músicas que eles têm nas paradas são sons de reggae. Eu agradeço a isso! É um privilégio ter voz, falar contra a injustiça que está passando ao som do reggae. Está em toda parte, e as pessoas precisam parar de considerá-lo um gênero azarão. Estamos vivendo em um mundo onde algumas pessoas tentam parecer melhores do que outras, como se fossem mais inteligentes. Quem sabe, talvez daqui a cem anos, você encontrará escrito nos livros de história que o reggae foi inventado em algum outro país que não a Jamaica. Eu vi isso através das décadas, bem na frente dos meus olhos, como as pessoas tentaram reescrever o reggae.

Afrobeats e riddims

Quando se trata de respeitar, tenho isso para qualquer cultura e nacionalidade e, portanto, para qualquer gênero musical. Fiz um remix da música 'Body & Soul' do músico nigeriano William Onyeabor, e é respeito isso quando ouço um som que copia a música jamaicana. Então, como eu não as discrimino eu não discrimino os músicos. Claro, todos são livres para fazer seu som e ser influenciado por quaisquer sons e gêneros estrangeiros que quiserem.

Mas não há diferença entre mixar e fazer um dub de Sly & Robbie ou do Roots Radics. Você deve se lembrar, eu mixei muitas músicas com Sly & Robbie e quase todo mundo, então não há uma abordagem especial. Eu mixei, por exemplo, o irmão justo Marvin Gaye, trabalhei sua música 'What's Going On'. Esse tipo de música tem uma ótima composição. Marvin Gaye é insubstituível. Ele foi um compositor e intérprete maravilhoso. Mas, na verdade, o que faltou foi o desenvolvimento tecnológico que foi pioneiro e iniciado na Jamaica. Não quero parecer muito fanfarrão, mas fui o pioneiro nesse tipo de som. Há muito o que aprender com o reggae e o dub. Algumas pessoas não querem engolir. Nosso som jamaicano teve muita influência em todo o mundo em todos os diferentes tipos de gêneros.

As capas musicais e inspirações

Eu vejo a arte da gravação da seguinte forma: você tem que atrair a pessoa para pegar sua música. Muitas pessoas são atraídas pela qualidade da música, mas uma boa arte aumenta a chance de estranhos comprarem sua música quando nunca ouviram falar de você.

Posso comparar ir a uma loja de música a comprar uma camisa. Quando você vai a uma loja de roupas, pode vestir para ver se cai bem em você, mas a primeira coisa é atraente aos olhos. Assim como a cor e o padrão perfeitos de uma camisa, a arte visual é importante para um produto musical. Essa é a primeira atração. Primeiro você precisa ser seduzido pelo que vê e, então, tentar conseguir com seu interesse, ou então seria uma perda de tempo. É aí que entram essas capas de álbuns incríveis de Tony McDermott, Jamaal Pete e Willy Dread.

As pessoas me perguntam sobre isso, o que inspirou Rids the 'World of the Evil Curse of the Vampires'. Quando eu estava crescendo, havia alguns programas de terror na TV, 'Dark Shadows' com o vampiro Barnabas Collins e 'The Munsters' com o Frankenstein Herman Munster. Essas foram as estrelas dos shows de terror clássicos dos anos 60 e tiveram uma influência direta na música e na cultura popular jamaicana.

Barnabas Collins influenciou a música dancehall na década de 1980, Lone Ranger fez uma música e um álbum com esse nome. E em 1985, eu mixei um trilha de terror influenciado pelo Early B no álbum 'Ghostbusters', no estúdio Tuff Gong Recording.

  

Uma mensagem para o mundo

Gênero, cor, raça e nacionalidade não são ignorados pelo Coronavírus, por exemplo. O Sr. Corona veio e desligou o mundo inteiro. Não importa se você pensa que é um superstar, o vírus não dá a mínima! Não importa quem é seu presidente ou quantas armas nucleares seu governo possui, quantas bombas a mais você pode lançar e qual é seu poder militar. Corona vai chutar sua bunda como se nada estivesse acontecendo.

Então agora é o melhor momento para todos respeitarem a todos. É hora de o mundo se unir como uma comunidade, e os políticos precisam parar com essa loucura de invadir outro país com um exército de soldados bombardeando uns aos outros. No meio, há pessoas inocentes pegas no fogo cruzado. Meu ponto é - vamos respeitar uns aos outros e respeitar a música. Não importa se um gênero deseja copiar o reggae. Se você é criativo na música, que seja para melhor! É assim que vejo o mundo.

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'BUTCH' STEWART, ROBBIE SHAKESPEARE, ASTON 'FAMILY MAN' BARRET E O 'THE BOX GUITAR' - LEROY BROWN LEMBRA O INSTRUMENTO QUE MUDARIA O REGGAE PARA SEMPRE

Leroy Brown (à direita) e seu ex-chefe, Gordon ‘Butch’ Stewart. Brown diz que Stewart lhe emprestou um violão Edmond na caixa (ou se preferir no case) em 1969, que viria a ser usada para ensinar muitos músicos a tocar, incluindo Robbie Shakespeare de 'Sly and Robbie' e Aston ‘Family Man’ Barrett, o ex-líder da banda de apoio de Bob Marley.

Em 1969, não muito depois de Gordon 'Butch' Stewart começar no mercado da música, seu artista gráfico, Leroy 'Artist' Brown, foi para sua residência em Graham Heights em St Andrew para pintar os logotipos de ar condicionado ATL (Appliance Traders Limited) e Fedders em um veículo. Enquanto estava lá, Brown viu um instrumento que sem dúvida ajudaria a mudar a cara da música reggae: uma guitarra Edmond.

Brown, que era muito interessado em música, soube imediatamente que precisava daquele violão, então perguntou a Stewart se poderia pegá-lo emprestado. “Foi fácil pegar emprestado. Butch era um homem gentil na época, e ele nunca mudou em todos os anos que o conheço”, disse Brown ao The Sunday Gleaner: “Embora eu tenha dito 'emprestar', eu sabia que não havia nenhuma maneira de Butch recuperar aquele violão. Muitos de nós precisávamos aprender com aquilo”, acrescentou ele com uma risada.

Entre as muitas pessoas que aprenderam a tocar aquele violão estão duas cujos nomes são bem conhecidos à medida que se distinguiam como guitarristas mestres - Robbie Shakespeare dos famosos Rhythm Twins, Sly and Robbie, e Aston 'Family Man' Barrett, o ex-líder da banda de apoio de Bob Marley, bem como co-produtor dos álbuns e o homem encarregado dos arranjos musicais gerais. Shakespeare, aliás, sempre presta homenagem a Barrett como seu professor e mentor. Em 2012, Family Man recebeu o prêmio Lifetime Achievement da revista Bass Player, e tanto ele quanto Robbie foram nomeados no ano passado pela Rolling Stone Magazine em sua lista dos "50 maiores baixistas de todos os tempos".

Leroy 'Artist' Brown

Brown explicou que ele e o irmão de 'Family Man', Carlton, eram membros de um grupo chamado The Hippy Boys, e ele e o irmão mais velho de Robbie, Lloyd, eram membros do The Emotions. No início dos anos 70, ele migrou para o Canadá, onde se dedicou tanto à música quanto às artes gráficas e ganhou o Juno Award, o equivalente canadense do Grammy. Ele deixou a guitarra Edmond nas mãos de Lloyd, que estava morando em Jakes Road em Kingston na época.

“Eu havia planejado alguns anos atrás para surpreender Butch e devolver o violão para ele, mas não conseguimos encontrar o instrumento. Procuramos por toda parte e Lloyd faleceu, então não podemos perguntar a ele ”, disse Brown ao The Sunday Gleaner.

Observando que ele permaneceu amigo de Stewart ao longo das décadas, Brown disse que Butch e Robbie Shakespeare se conheceram, e também havia outro relacionamento que não tinha nada a ver com o violão. “O cunhado de Robbie foi o primeiro motorista de Butch”, revelou Brown.

Ele saudou o falecido empresário e magnata dos hotéis como “um cavalheiro e um estudioso e um homem cuja fama e fortuna nunca mudaram”. Ele disse que quando Butch estava relançando a Air Jamaica no Canadá em 2003, ele o convidou para se apresentar no evento, e também quando ele voltou do Canadá, Butch deu-lhe cartas de apresentação a todos os seus amigos para ajudá-lo a conseguir empregos.

“Butch estava interessado no bem-estar de seus trabalhadores, e ele até conseguiu que um trabalhador fosse libertado no dia de Natal. E ele nunca se esqueceu de nada que você fez que ele considerasse fora do comum. Certa vez, ele me disse que sempre se lembrava de como, nos primeiros dias, eu costumava viajar com a equipe e pintar os veículos na estrada. O que costumava acontecer é que quando os caras iam instalar um aparelho de ar condicionado, uma ou duas horas que passavam fazendo isso, eu usava esse tempo para pintar os logotipos no veículo. Butch não tinha veículos suficientes e, portanto, não podia se dar ao luxo de tirar um da estrada o dia inteiro enquanto eu estava trabalhando nele, então essa era a solução. Fui eu que pintei o logotipo em seu primeiro Mercedes Benz”, disse Brown com orgulho.

O cantor e músico, que lançou álbuns incluindo True Confessions e Leroy Brown and Friends Volumes 1 e 2, agora trabalha em seu próprio estúdio privado e também no One Pop Studio de Sly and Robbie em Red Hills Road. Ele diz que teria adorado ter tocado uma música para Butch no violão Edmond e, embora isso não seja mais possível, ele se compromete a continuar a busca.

Brown está feliz por ter sido associado a Stewart. “Ele é um dos maiores seres humanos que conheci em toda a minha vida”, disse ele ao The Sunday Gleaner.

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AS ESTRELAS JAMAICANAS ESTÃO DEIXANDO O REGGAE PARA TRÁS?

Foto por The Daily Beast/Foto via (L-R): Fernando Hevia; Yannick Reid; Sameel "samo Kush I" Johnson

A primeira estação de rádio reggae da Jamaica, IRIE FM, estreou nas ondas da ilha em agosto de 1990. No jargão rastafari jamaicano, “irie” significa bom, legal, alegre, e a estação utilizou um jingle simples para anunciar seu conteúdo: “Reggae pela manhã , reggae à tarde, reggae à noite na IRIE FM.” Trinta anos depois, IRIE ainda toca o jingle original. Mas isso não é mais verdade.

Algumas das maiores estrelas apresentadas na IRIE FM estão tocando um estilo híbrido que seria irreconhecível como reggae quando a estação começou. Para muitos fãs, agora é irreconhecível. O novo som da Jamaica deve tanto ao trap, EDM, Afrobeat e R&B contemporâneo quanto ao dancehall ou às raízes originais do reggae. É um estilo que ainda não tem nome, pelo menos não que pegou (embora às vezes seja chamado de trap dancehall) e você pode ouvi-lo em toda a Jamaica.

“O reggae e o dancehall continuam a influenciar e contribuir para o nascimento de vários gêneros, como vimos no hip hop, reggaeton e o tropical house; agora estamos experimentando o nascimento do trap dancehall. Os ouvintes do IRIE ouvem reggae e dancehall, mas também seus filhos, em uma tentativa de impulsionar ainda mais as formas de arte”, comenta Kshema Francis da IRIE FM.

Três nomes marcantes - Tarrus Riley, Protoje e Dre Island - lançaram álbuns excelentes este ano (2020) que incorporam esse som evolucionário. Todos incorporaram influências e ensinamentos de seu modo de vida Rastafari, mas várias faixas em seus novos álbuns têm pouca semelhança com o reggae de uma geração atrás. “Eu amo os sons autênticos do reggae e do dancehall, mas há misturas de outras influências dentro desses sons”, disse Tarrus Riley, cujo álbum Healing foi lançado em 28 de agosto, disse ao The Daily Beast em uma entrevista recente ao Zoom.

Tarrus, 41 anos, é um improvável garoto-propaganda desse novo movimento. Ele ascendeu ao estrelato do reggae em 2006 com "She’s Royal", um belo tributo de origem às mulheres e um dos solteiros jamaicanos mais populares da década. A descoberta do Tarrus foi parte do ressurgimento do reggae de raízes dos anos 2000 em meados da década. Outro movimento de raízes apareceu na Jamaica no início de 2010, conhecido como Reggae Revival, que viu o surgimento de vários jovens talentos carismáticos, incluindo Chronixx, Jah9, Jesse Royal e Kabaka Pyramid. Tarrus se vê como o filho do meio na família reggae.

“Buju [Banton] e Sizzla vieram antes de mim nos anos 1990 e a Chronixx está depois de mim, então eu entendo as raízes e entendo os jovens”, explica ele. “Quando eu era jovem, eu e meu pai (o falecido Jimmy Riley, cuja carreira de cantor começou na era do rock na Jamaica, em meados dos anos 60) nunca gostamos da mesma música. É uma nova década agora, coisas novas estão acontecendo, então enquanto as pessoas de antes querem manter a música que teve seu tempo, os jovens querem te dar algo novo.”

O impressionante catálogo do Tarrus apresenta seus vocais expressivos afinados, que são adaptáveis ​​a uma variedade de estilos de soft rock ("Jah Will") à bateria Rastafari Nyabinghi tradicional ("Lion Paw") e dancehall energético ("Good Girl Gone Bad") . Depois, há a power ballad EDM "Powerful", um single de ouro certificado produzido por Major Lazer, com Tarrus e Ellie Goulding.

A Jamaica entrou em lockdown por causa do coronavírus no final de março. Tarrus encerrou abruptamente sua turnê, voltou para casa e começou a escrever e gravar as canções que viriam a ser Healing, produzidas por Tarrus com co-produção de Shane Brown e do lendário saxofonista Dean Fraser.

Várias faixas oferecem o que Tarrus chama de "sons experimentais": sobre dub espacial e efeitos de trap, Tarrus e o artista de dancehall em ascensão Teejay trocam rapidamente rimadas que fazem referência à luta racial e política atual em "Babylon Warfare". “Connect Again” com a estrela do dancehall Konshens antecipa um mundo pós-quarentena e oferece trap com uma reverberação reggae sutil, enquanto o espiritualmente fortificante “My Fire” (com a cantora Dexta Daps) é um trap R&B por excelência. O maior sucesso do álbum, "Lighter", mistura trap, EDM e dancehall em uma pepita pop cativante, apresentando a potência do dancehall feminino Shenseea e é produzido por Rvssian (nascido na Jamaica), conhecido por seus sucessos de dancehall e latim trap e reggaeton no topo das paradas internacionais. O vídeo “Lighter” recebeu mais de 32 milhões de visualizações no YouTube desde seu lançamento em 6 de setembro (2020). Um criativo e destemido Tarrus diz que a única coisa que se pode esperar de sua música são mensagens fortalecedoras.

“Não preste atenção ao andamento”, ele avisa, “porque gosto de fazer coisas novas. As pessoas se preocupam com nomes, rótulos, trap, rap, hip-hop, dancehall, não me preocupo com essas coisas. Sempre fiz diferentes tipos de sons e vou continuar. A música está passando por uma mudança agora, as pessoas estão se misturando e se fundindo, todo mundo quer chamar isso de um nome, mas eu apenas chamo de boa música.”

O reggae, como seus precursores jamaicanos diretos, ska e rocksteady, é um som de amálgama. No final da década de 1950, o ska beat foi desenvolvido nos estúdios de gravação de Kingston por cantores e músicos influenciados pelo doo wop americano, rock and roll antigo, gospel, rhythm and blues, bem como o mento da Jamaica e o calipso de Trinidad. O rocksteady seguiu em 1966 com um ritmo mais lento que permitiu aos vocalistas mostrar seus talentos completamente enquanto as linhas de baixo se tornavam mais estáveis ​​e pronunciadas. Em 1968, o drum and bass liderou um ritmo mais rápido e complexo chamado reggae. A experimentação em faixas de reggae por engenheiros e produtores jamaicanos levou ao nascimento do dub logo depois. O dancehall, cepa digitalizada do reggae, foi criado em 1984.

Ao longo das décadas, o reggae passou por mudanças estilísticas orgânicas e adaptações intencionais destinadas a atingir um público mais amplo. O fundador da Island Records, Chris Blackwell, criou uma estratégia de marketing para os The Wailers em 1973 com o álbum 'Catch A Fire' como um álbum de rock, dobrando riffs de guitarra e floreios de teclado nas gravações jamaicanas do trio. Procurando se conectar com um público afro-americano, Bob Marley incorporou influências da discoteca em seu single de 1980, "Could You Be Loved". A respeitada seção rítmica e a dupla de produção Sly Dunbar e Robbie Shakespeare trouxeram a agressividade das influências do rock que absorveram durante a turnê como membros da banda de Peter Tosh abrindo para Santana e The Rolling Stones.

“Ao fazermos algumas turnês com essas bandas de rock, ficamos nos perguntando como podemos obter esse poder, essa energia, por trás do groove do reggae?” Dunbar disse ao The Daily Beast. “Então Robbie e eu mudamos o som do que tocávamos, era reggae, mas com uma atitude diferente. O primeiro experimento foi (o trio vocal) Black Uhuru, uma de suas primeiras músicas foi “Shine Eye Gal” e as pessoas ficaram tipo o que é isso?”

Foto Yannick Reid

As modernizações de Sly e Robbie ganharam atenção generalizada, mas alguns protestaram que eles estavam mudando muito a música. No século 21, seus avanços sonoros continuam a inspirar outra geração de artistas e produtores. Stephen e Damian Marley testaram a produção de Sly and Robbie do cantor Ini Kamoze "World-A-Music" para o blockbuster vencedor do Grammy de Damian em 2005 "Welcome to Jamrock", uma consolidação profundamente influente de elementos de hip-hop, dancehall e reggae. Em 2012, Protoje, profundamente inspirado por “Jamrock” de Marley, experimentou Ini Kamoze para seu hit provocativo “Kingston Be Wise”, escrito sobre a incursão da Força de Defesa da Jamaica na comunidade de Tivoli Gardens da cidade em busca do crime Christopher “Dudus” Coke, traficante procurado. que resultou em cerca de 100 mortes. 

No início deste ano, Protoje experimentou outro ritmo de Sly and Robbie para sua produção do single "Thy Will" da cantora Lila Ike. “Sly pessoalmente me enviou o riddim de Baltimore”, Protoje compartilhou com o Daily Beast via Zoom, “e ele me disse, eu amo como você prova e experimenta esses riddims, mas agora quero que você adicione algo e coloque ele para frente.”

Protoje, 39 anos, nasceu Oje Ken Ollivierre, filho da advogadao jamaicana (e ex-cantora) Lorna Bennett e Mike Ollivierre, um ex-rei do calipso de St. Vincent. Ele foi um membro central do movimento Reggae Revival dos anos 2010; desde seu impacto inicial na música jamaicana com o single "Rasta Love" de 2011, entregue em seus vocais hipnotizantes falados / cantados / patois, Protoje fez grandes avanços para levar a indústria da música da ilha para a frente. Ele contratou três jovens cantoras (Lila Iké, Sevana e mais recentemente Jaz Elise) para seu selo In.Digg.Nation Collective de Kingston e fez história como o primeiro artista jamaicano a ter seu selo contratado por uma gravadora americana, a RCA Records. In Search of Lost Time, lançado em 28 de agosto, é seu álbum de estreia por meio desse acordo. Ao longo das 10 faixas do álbum, a base ampla das influências de Protoje, incluindo dub clássico, dancehall dos anos 80, guitarras grunge, trap, hip hop e música eletrônica são intrinsecamente tecidas em um som de várias camadas.

O álbum abre com “Switch It Up”, misturando hip hop, R&B e um toque de raízes, enquanto Protoje e a sensação jamaicana de 20 anos Koffee (que cita Protoje como uma influência significativa na carreira) mudam de forma impressionante seus fluxos, cantando juntos então trocando versos empolgantes. Incorporando uma mistura de dancehall clássico e hip-hop, Protoje reinventa o sucesso de 1991 "Strange" do veterano Papa San em "Strange Happenings". “Weed & Ting” é uma versão inesperada de uma canção sobre ganja que também reflete sobre as bênçãos da vida e é definida para uma fusão de reggae com um trap transcendente; a outra música sobre  maconha do álbum, "A Vibe", com Wiz Khalifa, é um trap direto. Protoje escreveu o motivacional “Like Royalty” (apresentando a superestrela do dancehall Popcaan) depois de comparecer ao Grammy Awards 2019 (ele foi indicado para Melhor Álbum de Reggae por A Matter of Time); envolto em hip hop, funk e soul, as rimas de patois complexas da música reconhecem os sacrifícios feitos por alguns amigos íntimos e especialmente sua mãe para avançar em sua carreira.

Trabalhando ao lado de um elenco estelar de produtores jamaicanos, incluindo Iotosh Poyser, Supa Dups, Ziah Roberts, Natural High, The Grei Show, Stephen McGregor e o colaborador de longa data Winta James, Protoje incorpora instrumentação ao vivo, samples, reverbs dub e vários efeitos em um tableau sofisticado que é além da classificação de gênero, ainda mantém muitos elementos jamaicanos distintos: a linha de baixo pesada do reggae e a percussão exclusiva dos Wailers em "Deliverance"; uma linha de baixo sampleada do renomado produtor / engenheiro de dub (britânico) Mad Professor em "Still I Wonder" e um sample do veterano cantor Freddie McGregor em "I'm A Revolutionist", que se transformou na sensual canção de amor influenciada pelo neo-soul, "In Bloom”, com participação de Lila Iké.

“Quando Bob Marley largou o Exodus, as pessoas provavelmente disseram que não era reggae de verdade”, disse Protoje. (Gravado durante o período de exílio de Marley em Londres, alguns críticos recusaram que o álbum Exodus de 1977, dizendo que não havia relação com o que estava acontecendo na Jamaica, em vez de aplaudir as inovações sonoras do álbum; Exodus foi nomeado Álbum do Século pela Time Magazine em 1999.)

“Eu sempre incorporo elementos indígenas da Jamaica, mas a música evolui, e nossa geração é responsável pelo que o som é agora. São os jovens que eu procuro, mas quero que os mais velhos respeitem minha música. Freddie McGregor, Papa San, Sly, todas aquelas pessoas dizem que amam o que eu faço, e dizem  para que eu não ouça os outros. Eu simplesmente continuo fazendo música como soa na minha cabeça. ”

O álbum de estreia de Dre Island, Now I Rise, combina as denúncias do reggae de raízes rastafari sobre as injustiças sociais sustentadas por batidas atmosféricas que desafiam o gênero. Lançada em maio, a Now I Rise Deluxe Edition foi lançada em 24 de julho, com Dre escrevendo, cantando e produzindo a maioria das 20 faixas do álbum. Nascido Andre Johnson, Dre, 32 anos, é um pianista com formação clássica que trabalhou como engenheiro / produtor antes de pisar na frente do microfone. Ele fez seu impacto inicial com singles como o jubiloso “Rastafari Way” e o comentário comovente sobre as disparidades sociais e “Uptown / Downtown”; A base de fãs de Dre foi expandida por meio de clipes acústicos carregados na internet e postados nas redes sociais, mostrando sua experiência no teclado e vocais roucos e emotivos. Seu maior sucesso até agora, "We Pray", com Popcaan, um hino amplamente aceito de força espiritual (seu vídeo recebeu mais de 32 milhões de visualizações no YouTube) foi lançado em 2017 e está incluído em Now I Rise.

Dre habilmente explora uma variedade de estilos, incluindo EDM (“More Love-Dub Fx Remix”) exuberante funk pop (“Four Seasons”) Afrobeats (“Calling”) e várias faixas influenciadas por trap, como “Run to Me” com Alandon. Criado na volátil área de Red Hills Road em Kingston, são as observações em primeira mão corajosas de Dre que fornecem os momentos mais fascinantes do álbum. Ao longo de uma faixa de ritmo inspirada em traps nebulosos, a melancolia de Dre, com seus vocais profundamente afetados em “My City”, entrega uma carta de amor agridoce à capital da Jamaica, “onde os políticos todos os dias se importam e não se importam com os problemas que os eleitores têm.”

“Kingdom” foi escrito em 2014 sobre a incursão dos Jardins do Tivoli, sua esparsa batida marcial ressalta o apelo espiritual da letra às armas: “Eu estava vivendo em uma comunidade que foi afetada profundamente por isso, muitos jovens inocentes morreram, então Eu abordei isso na música enquanto nós, os Rastas, apresentamos a mensagem de Jah”, Dre lembrou. Igualmente assombroso e ritmicamente rígido, “Still Remain” comenta sobre a guerra de gangues contínua na comunidade de Mountain View de Kingston: “shotta spray like how the fountain spew, your door police will squeeze round ten through, stand over three man and found them blue.”  [disparou um spray como a fonte jorra, a polícia na sua porta se espremerá em dez para passar por três homens e os encontrar tristeza.]

Foto por Fernando Hevia

“Muitos artistas falam sobre esse tipo de coisa, mas por causa de onde eu venho, são apenas alguns que tocam e me deixam ver aquela dura realidade onde eu digo, isso é o que realmente acontece, ele não mente”, oferece Dre. “É por isso que hoje posso dizer 'foi tudo um sonho, eu costumava ler Word Up! Magazine '”, citando letras de Biggie Smalls. “Eu também senti que vivi isso, Biggie. Biggie já se foi na carne, mas sua alma viverá para sempre porque ele nunca mentiu, ele atingiu essa realidade. Foi isso que Bob Marley também fez, ele nunca tentou embelezar: ‘de homem para homem é tão injusto que você não sabe em quem confiar”, acrescenta Dre, citando “Who The Cap Fit”. “Bob nunca disse nenhuma mentira, é exatamente assim que as coisas acontecem hoje também.”

Wyclef Jean recrutou Dre para o remix de sua canção “Justice”, uma homenagem ao corredor assassinado Ahmaud Arbery, e então ofereceu a Dre o remix para Now I Rise. "Bang Your Head" combina as palavras sábias de incentivo da mãe de Dre com a EDM futurística da produtora Winta James e o ritmo infundido do hip-hop. O alcance musical impressionante de Now I Rise não será identificado externamente como reggae de raiz, embora a entrega apaixonada de Dre e as declarações provocativas estendam o espírito revolucionário da música com uma atualização sonora para uma nova geração. “Não vejo como gênero porque reggae não é uma batida para mim”, diz Dre, que assim como  Tarrus e Protoje resiste a categorizações. “Reggae é a música que os Rasta usam para transmitir a mensagem de Sua Majestade (Imperador Etíope, Salvador Rastafari Haile Selassie I) e como um Rastaman, como mensagem eu digo para queimar (condenar) a divisão, queimar a segregação, somos um só povo: Eu digo não a raça, sem cor, então como direi gênero? Enquanto a mensagem falar retidão e amor ao povo, a música é reggae para mim.”

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GREGORY ISAACS - BLACK LIBERATION STRUGGLE [TRADUÇÃO]

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COMPRAR 'SOON FORWARD' @ FYASHOP

Gregory Isaacs foi tão produtivo e vanguardista na música, quanto foi controverso na vida e nas ruas. 

• COMPRAR GREGORY ISAACS @ FYASHOP

É considerado o primeiro a gravar um 'loversrock' (mas é reggae), com a canção 'My Only Lover', e seguiu sua carreira entre músicas românticas, músicas de protesto, vez ou outra um 'chant to jah', e uma música cá ou lá sobre os rudies. 

Gregory Isaacs pode ser considerado um dos primeiros cantores a criar um empreendimento próprio. Criou seu próprio selo e loja de discos 'African Museum'. Além de gravar para outros produtores e selos.

'Soon Forward' foi lançado em 1979, com a participação de músicos e cantores do primeiro escalão na jamaica; Sly & Robbie, Bobby Ellis, Ansel Colins, Wriston Wright, Scully, Earl Lindo, Dennis Brown, Junior Delgado, Leroy Sibbles para citar alguns. E provavelmente, nessa fase de Gregory, tenha sido o álbum mais protestante de sua carreira digamos assim, entre o final dos anos 70 e início dos anos 80. 

É verdade que ele teve lá seus problemas com armas, drogas, tráfico, prisão e tudo o mais que a rua te oferece... Mas diga ae quem é quem para julgar quem... Quem nunca?

• GREGORY ISAACS - R.I.P.

GREGORY ISAACS - BLACK LIBERATION STRUGGLE

Whoa-oh, yeah A new dawn is awake up Yet nothing is changed, ooh Our freedom was once taken Don't wanna live no more in chains That's why I call a black liberation struggle I nah give up the fight, no no 'Cause it's a black liberation struggle Man and man unite Every time I open my mouth The wicked, yeh Just trying to get me out But it's a black liberation struggle Nah give up the fight, no, no, ooh! A me say black liberation struggle For sense all unite There must be some change, yeh 'Cause Jah God told men into His reign Don't give up! Please live up! Don't give up! Please live up! I said a new dawn is awake up Yet nothing is changed Our freedom was once taken I don't wanna live no more in chains That's why I call a black liberation struggle And I won't give up the fight, no, no Whoa-oh, yeah Um novo amanhecer é um despertar No entanto, nada muda, ooh A nossa liberdade uma vez que foi tomada Não quero viver não mais em correntes É por isso Eu chamo uma luta de libertação negra Eu não desisto da luta, não, não Porque é uma luta de libertação negra Homem e homem unido Toda vez que eu abrir a boca Os maldosos, yeh Apenas tentam me colocar para fora Mas é uma luta de libertação negra Não desista da luta, não, não, ooh! Eu digo, luta de libertação negra Para o senso de todos nos unir Deve haver alguma mudança, yeh Porque Jah Deus disse a homens em Seu reinado Não desista! Por favor viva! Não desista! Por favor viva! Eu disse que um novo amanhecer é despertar No entanto, nada é muda A nossa liberdade uma vez que tomada Eu não quero viver não mais em correntes É por isso Eu chamo uma luta de libertação negra E eu não vou desistir da luta, não, não

            

A ASCENSÃO DA TECNOLOGIA NA MÚSICA JAMAICANA

O estudante da música jamaicana Frederick R Dannaway fala sobre a ascensão da tecnologia e máquinas - e a mudança do papel do produtor - a partir das raízes do reggae e através do dub até o dancehall digital.

“Computer world, we in a computer world” – Lee Van Cliff (“Computer World”) 
[Mundo do computador, estamos em um mundo de computador]

Ritmos Rizomáticos

As raízes do reggae para são profundas nos solos africanos, ressurgindo como filamentos digitais e radículas na criação de dub, dancehall e reggae digital. A complexidade rotativa de instrumentos filtrados através de vários tipos de mixers e efeitos especiais mudou a própria concepção de música. A partir dos quartos de dormir para estúdios profissionais de ponta, o hardware digital está sempre nascendo com novas combinações. O Dub como a sombra mística de versões vocais sempre teve um toque de magia em suas traduções, ecoando com ritmos de one drop. Os produtores são os 'cientistas' e 'professores', 'organizadores', 'doutores' ou 'químicos' em suas receitas de poções de áudio que vibram de seus laboratórios de estúdio.

• DUB

Toda música que não é apreciada ao vivo e em pessoa é submetida a introdução em dispositivos de gravação, equipamentos de estúdio, microfones e amplificadores. No entanto, alguns dos equipamentos do estúdio vintage pareciam transmutar as gravações exclusivamente - os produtores modernos tentam voltar a invocar essa assinatura e como a música soava. Portanto nesses períodos musicais, antes das saídas de estúdio, eram definidos pelo ambiente tonal único do equipamento de gravação. Certos equipamentos são lendários, como a Ampex 351, o Santo Graal das artes de gravação. No exterior, a Ampex estava gravando Elvis e The Beatles, marcando a era pelo seu som característico. Na Jamaica foi imortalizado por gravação de grupos como The Wailing Wailers com Bob Marley no Studio One.

Estúdios constantemente atualizam seus equipamentos, seduzido por diferentes sons de instrumentos e cantores, permitindo um canal separado para cada componente e efeito. mesas de mixagem personalizadas e de linha profissional produzidas em linha de produção,  combinados com reggae e dub, dando a mixagem uma rugosidade e reforço no processo, em vez de diminuir a precisão geral. O Channel One Studios se graduou  com uma Ampex MM1200 assassina de 16 pistas nos anos 80, e a partir  de USD 38.000, o console API que Hoo Kim comprou, foi o custo para iniciar o estúdio em 1972. O primeiro lançamento do estúdio, "Can I Change My Mind" por Delroy Wilson era um marco nas paradas e sucesso, e uma mudança marcante na som de ilha, estendendo o domínio do Channel One para a próxima época.

 

Mesa de Mixagem de King Tubby - Anotações por Chris Lane

A extensão lógica disso é que a própria mesa de mixagem torna-se um instrumento, transmutando certos tons de ecos fantasmagóricos, reverb e delays, que envolvem a música em um quente brilho aural, quase sobrenatural. A magia da mesa de mixagem é permissiva para o overdubbing de instrumentos, como é exemplificado por Freddie McGregor em muitos clássicos Studio One - incluindo a maior parte das produções de Sugar Minott para Coxsone - que revigorou riddims antigos. A mesa de mixagem clássica usada pelo Channel One, a API 1604, é uma obra-prima tecnológica e trabalho de arte que rivaliza com os instrumentos de madeira mais finos em estética e charme - mesmo, ou especialmente, se ele evocar o mesmo design dos controles baseados em filmes de ficção científica dos foguetes.

• HOMETOWN HI-FI: HISTÓRIAS DE 5 DOS MAIS INFLUENTES...

É possível visualizar a magia desencadeada sobre as massas na Jamaica em 1968, quando King Tubby e o Hometown Hi-Fi estrategicamente colocaram caixas de som com base em suas frequências, para revelar sua manipulação acidental de versões que deu origem ao gênero Dub. Este foi um momento marcante na música, que elevou o produtor a artista, e o equipamento de estúdio - como a  linda MCI modificada, mesa de mistura de King Tubby - para os instrumentos que iriam remixar e reinterpretar a música de uma forma profunda. Os 12 canais, e depois de 16 canais e mais além, mesas de mixagem - como Tubby e Jammy usaram - permitiu que as camadas distintas da música fossem dissecadas (e às vezes mixadas em até quatro faixas), permitindo que o baixo e percussão pudessem relaxar e arder em um minimalismo intenso, paternalizando o reggae digital reducionista do final dos anos 80 através dos anos 90. Deejays que conversam sobre as versões dub minimalistas, era a música rap antes de existir hip hop. As ramificações da música de raiz para as instrumentais versionadas criadas através do dub como seu próprio gênero. A estética do dub na Jamaica na década de 1970, expandiu-se para o electro, house e dubstep. Esta música avant-garde tocada com som, textura, tom e escala como um pintor tentando capturar a luz com sombras e contrastes cromáticos, alterando para sempre a evolução da música.

Deejays que conversam sobre as versões dub minimalistas, era a música rap antes de existir hip hop. A estética do dub na Jamaica na década de 1970, expandiu-se para o electro, house e dubstep.

Dubwise e Otherwise

Um sinal analógico é variável, em comparação com um sinal digital - nascido da tecnologia do circuito de um 'computador' datado no início do século 20 - que é constante e geralmente toma dois níveis. A instrumentação eletro-acústica é datada de meados do século 18, e futurista, a vanguarda oferecia a partir da arte de Russolo - The Art Of Noises até Zinovieff, considerando já o computador em composições já na década de 1960, e em alguns aspectos eles são precursores de muitas das explorações de dub e na música digital. Contemporâneos da mesma tecnologia são os sintetizadores de tubo a vácuo analógicos da década de 1920, como o Trautonium, que utilizou a mesma tecnologia que viria a ser tão cobiçada em amplificadores e teclados, como o órgão Hammond B3.

Lloyd 'Matador' Daley não foi apenas o proprietário de uma das primeiras sound systems, ele também criou e modificou alguns dos mais poderosos Amplificadores KT88  para sound systems no final de 1970, como Jack Ruby Hi-Fi e Joe Chin. Seu equipamento definiu e dirigiu a cultura do soundclash e extinguiu-se a sede de graves claros, profundos e nítidos, mantendo a integridade dos sinais médios e altos. A proeminência da bateria e baixo foi uma forma nascente na produção incial da música digital. Atados com ruídos exóticos e raios lasers encharcados de eco e reverb, iniciado por produtores como King Tubby, Lee 'Scratch' Perry, Joe Gibbs e Michael Campbell.

• KING TUBBY - O PRODUTOR QUE TRANSFORMOU O DUB EM F...
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A psicodelia de certas influências como rock e soul do exterior são encontrados muito cedo na música jamaicana, como no pioneiro Derrick Harriot e "Psychedelic Train" com o The Chosen Few em 1970. Derrick Harriot & The Crystalites, com o produtor Errol Thompson, gravaram músicas vanguardistas como "Bombshell", incorporando vários samplers na composição, embora no álbum Harriot ser creditado com os efeitos sonoros. Microfones de válvula - como o AKG C-12 fotografado em algumas fotos do Channel One - absorver e transmitir sons com uma espessura e pureza perdida, mesmo nos microfones de ponta de hoje, onde o foco em clareza limita o som a certos campos, sacrificando a o sinal substancialmente.

Blackboard Jungle Dub, lançado Lee 'Scratch' Perry em 1973, com a percussão acústica obeah-voodoo, combinada com a tecnologia moderna da época para capturar e criar sons, que usavam jarros de barro com água, que passariam através de phasers e flangers. Ele estava criando paisagens sonoras inter-cósmicas gotejando com modulação, e oscilação de ressonância filtrada, que revolucionou a música em todo o mundo. Falsos começos, fitas rebobinadas, tons nunca usados e comandos vocais para a banda estavam todos perfeitamente integrados na gravação final, tornando a produção quase holográfica, como as introdução com o som de rebobinar as mixagens com o segundo take de gravação. Sirenes, lasers,  tiros de lasers sintetizados, efeitos analógicos, e depois o Atari 8-bit digital - tais como aqueles que ficaram famosos por Jack Ruby - foram usados para transitar uma melodia enquanto o registro estava sendo trocado em certas festas, e acabou encontrando seu caminho para a música.

Um pioneiro no Reino Unido foi Jah Shaka, cujo uso do Syndrum Synare 3 e da sirene NJD SE-1, tocavam através de máquinas de eco confortavelmente invadidas pelos riddims de steppers acústicos, bem como Shaka e outras músicas steppers digitais - que ainda permanecem enraizadas na terra e no orgânico. Sirenes e efeitos se tornaram instrumentos importantes em muitos dos álbuns de Shaka e certamente em suas sessões ao vivo.

• JAH SHAKA - TESTAMENTO DO DUB 
• JAH SHAKA - ZULU WARRIOR 
• STEVE MOSCO [JAH WARRIOR] ENTREVISTA JAH SHAKA

Os anos 80 e 90 viram as  mesas de mixagem com os efeitos incorporados ao lado dos (botões) de frequência mencionados e osciladores de onda senoidal, e os sound systems aproveitaram-se para separar as unidades que abrigavam esses efeitos, conhecidos como máquinas lickshot. Estas máquinas permitiam explorar um sinal escolhido através de diferentes efeitos, velocidades e tons.

Os enfeites do dub com efeitos de feixes de laser e com som de sintetizadores, eventualmente se tornaram o ponto tonal focal das raízes evolutivas do som rub-a-dub do início dos anos 80, que foi incorporando syndrums, overdubs e sintetizadores. O clássico do Studio One "Rub A Dub Style", de Michigan & Smiley acentua o riddim "Vanity" com a acústica do vintage mixado com o sintetizador digital, com sons de pop's e da bolhas enquanto os deejays rimam. Os efeitos sonoros foto-digitais, montados em cima do riddim e, em seguida se tornando o foco central sobre a versão dub instrumental, foi um marco em 1979. Outro marco nesse som foi Jimmy Riley de "Love And Devotion" de 1981 com elementos do pop digital embrionário, caracterizado igualmente no dub por Massive Dread. Produtores como Tubby, Errol Thompson e a manipulação de Lee Perry no dub, é como um negativo de fotografia da trilha acabada, e foi alimentado através de várias máquinas, como o Echoplex, o auto-personalizado reverb Fisher de Tubby, bem como o Bi-Phase da MuTron e o Space Echo da Roland.

O Computador Diz Isso

Muitas vezes eu ouvi jamaicanos mais antigos, como Audley Coxsone na loja do Studio One na Philadelphia, lamentar o desaparecimento da música de raiz quando a música digital "mudou tudo." Em certo sentido, o acústico vs analógico vs debates digitais pode ser comparado a ervas vs sintético drogas ou luz natural vs lâmpadas de halogéneo: seus processos são um pouco artificial ou virtual em essência, ainda orgânica (para citar Jah Shaka, ou seja, "direto da terra"), mas em um domínio que transcende ou transforma a natureza. O uso de drum-machines atrai críticas de alguns puristas, assim como a invenção do metrônomo no século 19. Augustus Pablo o usava para mapear suas batidas em uma máquina de batidas, para ter os padrões combinados pelo baterista Noel Alphonso na bateria eletronica Simmons. E assim, com os primeiros riddims digitais, em que o crepúsculo (ou amanhecer como é o caso), entre o produtor e programador, os padrões digitais foram tocados, não 'loopados' (repetição de um mesmo número de compassos), mantendo um componente distintamente humano para a música. Mas quando o programador é um músico mestre, tais como Sly Dunbar ou Clevie, suas habilidades na bateria e máquinas de ritmos traduzem em software, ao produzir a música quente, complexa e orgânica, enquanto que outros programadores, menos competentes podem criar mais padrões polidos, sons anêmicos e sem qualquer textura. Cortes digitais, como remakes de Dawn Penn na música "No No No", assustadoramente atualizado (e aos meus gostos, é uma versão superior) de Carlton & The Shoes ' "Forever And Always" (ambos produzidos e tocados por Cartlon Manning, e ele remixou sua própria canção) fornecem exemplos de clássicos re-imaginado através do filtro da tecnologia.

• SUPER-HERÓIS DO REGGAE :: SLY DUNBAR & ROBBIE SHAK...

Quase todo livro ou artigo sobre reggae digital irá citar o riddim "Sleng Teng" como o primeiro riddim digital. Mas músicas como "Sensi Addict"  de Horace Ferguson de (1984), e "Get Flat" de Paul Blake & The Blood Fire Posse, eram essencialmente músicas digitais, embora não tenham sido  quebrado o paradigma como o riddim da Casio com a voz de Wayne Smith. As tecnologias em evolução dos osciladores, combinados com frequências filtradas controladas por tensão, que deram origem as lentas flutuações sintéticas de "Sleng Teng", e remontam as primeiras canções de reggae com o Moog infundido. O poeta Mel Cooke, residente erudito do reggae no The Jamaica Gleaner, tem um artigo que tem Redrose alegando que ele e Tubbys, com o riddim "Tempo" antecederam o riddim de King Jammy - quando havia lançado "Sleng Teng". E dizendo; "Nós fomos os primeiros homens a cantar em um (riddim) computadorizado." Redrose continua "foi como ele ter uma das frutas da caixa de loops..."

• DAVID BOWIE – O PAI DE SLENG TENG 
• COMO A CASIO ACIDENTALMENTE INICIOU A REVOLUÇÃO DI...

    "A capacidade de montar precisamente um riddim totalmente programado, um riddim automatizado definiu o futuro..."

Não importa quem foi o primeiro, a evolução (ou morte) estava ligada, e a música jamaicana nunca mais seria a mesma. Quase todas as noites, canções 'computadorizadas' no título eram lançadas, com os cantores ostentando que poderiam montar um (riddim) computadorizado e que não poderia - as implicações, senriam que aqueles que se sincronizavam com a nova tecnologia, iriam passar para uma nova era de dancehall, enquanto vocalistas ludicos, iriam se reconciliar e teriam o seu regresso, se "recordando" das antigas festas. A capacidade de montar precisamente um riddim totalmente programado, um riddim automatizado definiu o futuro, e produtores como Jammy, Gussie Clark, Dixon Robert 'Bobby Digital" e Fattis Burrel, marcaram o início de uma nova era. Músicas Nicodemos, Early B, Yellowman e Uglyman inauguraram o tema e as implicações de um mundo que iria se tornar "informatizado". Tão cedo B pondera, "mais computador, menos mão de obra, estas são as palavras de todos os líderes." Ele continua a perguntar: "O que vão fazer com os dez dedos do Sly?" É claro que, fora do dancehall - onde o canto e improvisos feitos em relação às versões no vinil - as riddims digitais iriam receber tratamento orquestral com uma banda ao vivo, e é a mágica para vigiar uma melodia como o riddim "Punani", que foi tocado com uma só mão por um mestre tecladista pioneiro mestre em um show.

Digital Somos Digital

As tecnologias mutantes chegaram à ilha, de  ataques reversos afiados e decaimentos naturais de notas, renderam a mesma precisão programada de um hardware militar. O caminho para o som computadorizado tinha sido um disco rígido, de músicos planejando e tocando as batidas em máquinas, e músicas inteiras programadas por software. Insira o domínio de ondas senoidais, ondas quadradas inventadas a partir de tom puro, e serras dentadas de formas completamente desconhecidas na música 'natural'. O salto da fita para o computador e memória MIDI, e a dublagem de gravados (diga-se dubbing), faixas com camadas permitindo combinações quase infinitas e remixes. O sampler e o looping permitiu ao hip hop, técnicas inovadoras de reciclar e reinventar a alma do R&B de seus pais, cortes, scratchs e mixagens junto com uma drum-machine TR 808. Uma inovação, tão evolutiva na história da música como a notação foi para a música clássica, onde as improvisações poderiam ser gravadas, priorizadas e preservadas - e agora tudo na ponta do dedo com programas de computador que realizam instantaneamente tarefas, que levariam horas antes. As grandes bandas e estúdios que foram necessárias para produzir o reggae raiz tornaram-se redundantes. A nova tecnologia democratizou a produção da música, através de pequenos estúdios em pequenos quartos, com um equipamento mínimo que mudaria o som, como o minimalismo de Mad House de Dave Kelly. O solista pode se tornar orquestral com a tecnologia, e qualquer um pode produzir, mixar, comercializar, promover e vender uma canção, e tudo do mesmo laptop.

• NA DIREÇÃO DO DIGITAL - BOBBY "DIGITAL" DIXON E O ...

O laptop de 8 bits lo-fi, capturou o reggae em muitos aspectos, e continuou a evolução musical que se apropria de tecnologias em busca de frequências únicas e sonoridades. Estes podem ser de jogos de Atari, ou do Commodore 64 MOS Technology SID que produziu as trilhas sonoras de jogos de videogame, a partir do qual os efeitos são usados para pontuar uma melodia em uma sessão ao vivo. Os softwares Vocoder e Auto-Tune podem ter atingido o pico como uma moda no hip hop, embora perduram de uma forma mais sutil no dancehall; música híbrida africana ragga está saturada com este efeito de produção. Enquanto no seu pior, ele cria e inflige alguns crimes contra a música, nas mãos de alguns artistas - como Gappy Ranks, Busy Signal ou o Fokn Bois e Popcaan - pode embelezar seus talentos existentes, em vez de confiar nele inteiramente para ficar afinado.

É um refrão comum em fóruns na internet e em revistas de reggae que o melhor reggae digital está saindo da Europa - o que é verdade, como os produtores de lá imergem no equipamento da idade de ouro do reggae digital, para suas próprias produções. O reggae digital mais atual de grupos como Mungos Hi-Fi e do Bush Chemists (que inclui a música "Digital Rock" de Brother Culture), induz o mesmo êxtase cerebral que as primeiras canções computadorizadas devem ter sido invocadas em meados dos anos 80 no dancehall maciço na Jamaica. Festas virtuais são profetizadas por Mr. Williamz e Mungos Hi-Fi em "Computer Age", prevendo uma nova era onde o maciço pode conectar-se a simular sessões da Escócia para o Tibete completas com firewalls antivirais.

• FREE DOWNLOAD - DISRUPT & MUNGOS HI FI LIVE SET 
• MUNGOS HI FI – CHAMPION SOUND
• CONSCIOUS SOUNDS (BUSH CHEMIST) @ FYASHOP 

As raízes digitais e fios da nova geração de produtores têm continuamente atualizado dancehall. Se algumas das letras alienam o público fora da Jamaica, os riddims de produtores como o filho de Freddie McGregor; Stephen 'di Genius' abraçam uma universalidade que cria hits do Brooklyn até Berlim. Com outros produtores como Seanizzle, Notnice e Don Corleon nos controles, o som do dancehall digital irá continuar expandindo sua influência futurista "outernationally' (internacionalmente). Produtores estrangeiros, como russo e Dre Skull trazem seus riddims únicos. para a ilha hibrida de gêneros e mantém as vibrações atualizada e sempre atual. A cena reggae digital explodiu na Europa, provando que todo o mundo vai ser "computadorizado'. E como Brother Culture diz com Riddim Tuffa na atualizada "Digital Rock 2012"; "Riddim computadorizado faz o público arrebentar..."

Links do artigo:

http://www.historyofrecording.com/ampex351.html
http://www.historyofrecording.com/ampexmm1200.html
http://en.wikipedia.org/wiki/Trautonium
http://www.coutant.org/akgc12/
http://en.wikipedia.org/wiki/Obeah
http://www.redbullmusicacademy.com/people/sly--robbie
http://www.redbullmusicacademy.com/people/steely--clevie
http://music-selections.com/2010/11/1985-the-sleng-teng-history/
http://jamaica-gleaner.com/gleaner/20090614/ent/ent7.html

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FREE DOWNLOAD :: MAJOR LAZER'S PRESENT'S: JESSE ROYAL - ROYALLY SPEAKING

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Essa mixtape não acabou de ser lançada, não é nova, mas eu ouço sempre. Considero as mixtapes em parceria com Walshy Fire do Major Lazer com os mc's mais atuais da Jamaica, as melhores que vem acontecendo desde o inicio dos anos 2010.

Essa vem com a levada cabulosa de Jesse Royal. Um dos últimos cantores a trabalhar com o produtor Fattis Burrell do selo XTerminator, além de ter trabalhado com a dupla Sly & Robbie. Nos destaques da mixtape estão a faixas 'Modern Day Judas - produzida por Winta James, que divide o riddim batizado de 'Rootsman' com Chronixx em 'Here Comes Trouble'.

No decorrer da mixtape, você vai ouvir algumas músicas muito conhecidas com a voz marcante de Jesse Royal. Além óbvio de ter instrumentais de diversos gêneros além do reggae; tem hip hop, um pouco de remix aqui e ali, alguns efeitos classudos que não atrapalham as músicas, na verdade eles agregam. Mas o protagonista de toda a mixtape é realmente Jesse Royal... sem massagem.

Walshy Fire Presents Royally Speaking
Exclusive DJ Pack of the songs (Download)

1. Intro/Warning
2. Hotta the Battle
3. Greedy Babylon
4. Modern Day Judas
5. Preying on the Weak (Overstand Ent.)
6. Clear My Head (Gachapan Records)
7. Light Like A Feather
8. Silent River
9. Good Morning
10. D.O.A (Dreaming of Africa)
11. Baby Let Me Be
12. Butterflies
13. Little Did They Know (XTM Nation)
14. Talk To Me
15. World Cry (Jus Bus Remix)
16. Wadada (Burning Spear Remix)
17. Jam Rock (Gachapan/Palace Pikney Records)
18. Forever (Eccentrix)
19. Gimmie Likkle Herb
20. Muddy Road
21. Runnin
22. Get Away
23. If I Give You My Love (Maya Angelou Speaks)
24. Journey (Gachapan/Palace Pikney Records)
25. Rastafari Call You/Outro