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sexta-feira, 28 de maio de 2021

UMA GERAÇÃO DE MÚSICOS JAMAICANOS GALVANIZOU A MÚSICA BRITÂNICA, ENTÃO POR QUE ELES NÃO RECEBERAM O QUE DEVIAM?

 

Sentado em um banco de parque em Dollis Hill, no noroeste de Londres, Dave Barker se vê mais jovem na tela do meu smartphone. O cantor jamaicano, de 73 anos, está assistindo a um clipe de sua aparição no programa Top of the Pops da BBC em 1971. "Eu sou o magnífico", grita a figura na tela em um tenor flexível, vestido em um esplêndido terno roxo e lenço manchado. O vocal alegre e orgulhoso é a introdução de "Double Barrel" de Dave & Ansell Collins, uma das primeiras canções de reggae a alcançar o primeiro lugar no Reino Unido.

Um sucesso em toda a Europa e os EUA, "Double Barrel" foi um passo importante na emergência de David-and-Goliath na Jamaica como uma força musical global. Ele coroou a chegada do reggae como um gênero dominante no Reino Unido, um sinal da mudança de identidade do país e da poderosa influência dos imigrantes caribenhos, asiáticos e africanos do pós-guerra. Cinco décadas depois, a música ainda soa cheia de otimismo. Uma linha de baixo oscila levemente para cima e para baixo na escala em meio a um ritmo diferente e acentuado. Uma melodia de teclado ressoa, sua pontuação enfática combinada com as exclamações orgulhosas de Barker.

Barker - o "Dave" em Dave & Ansell Collins - voou da Jamaica para fazer o Top of the Pops com o tecladista Collins e sua banda de apoio. “Quando chegamos à BBC e nos mostraram nosso camarim, que era grande e adorável, tive que me beliscar”, lembra ele. ‘Isso é real?’ Disse para mim mesmo. ‘Estou sonhando?’ Num minuto estou de volta para casa e no próximo estou aqui, aparecendo na BBC.” “Double Barrel” foi seguido por um álbum de Dave & Ansell Collins e outro hit, “Monkey Spanner”. A dupla foi a sexta banda de singles mais vendida do Reino Unido em 1971. Enquanto Collins retornou à Jamaica após uma turnê pelo Reino Unido, Barker permaneceu. “Double Barrel” foi o seu bilhete para uma nova vida em Londres. Mas o cantor - hoje vestido de forma sombria, em contraste com a elegância imperial de seu traje de Top of the Pops - não consegue discutir o 50º aniversário da música sem um tom crescente de raiva.


“O que é devido a mim, o que eu deveria ter recebido, foi tirado de mim”, diz ele. “O que tem causado muitas dificuldades e sofrimentos. Eu e minha família sofremos. Já passamos por tempos difíceis. E não só eu. No momento, você tem artistas na Jamaica que fizeram músicas maravilhosas, que foi vendida em todo o mundo, e eles estão sofrendo.

Para seu cantor e coautor, “Double Barrel” assumiu um significado amargo - um triunfo cujas recompensas foram arrancadas dele em uma controvérsia pelos direitos da música e royalties que obstou a ascensão do reggae à proeminência internacional e que ainda está sendo sentido hoje.

“Não posso comemorar este 50º aniversário porque não estou satisfeito”, diz ele.
"Eu estou muito infeliz. Fomos muito maltratados.”

Como Cuba, seu maior vizinho ao norte, a Jamaica teve um impacto cultural muito desproporcional ao seu tamanho. Quando Barker gravou seus vocais para "Double Barrel" na capital jamaicana Kingston em 1970, a ilha tinha uma população de menos de dois milhões. O reggae tomou forma no final dos anos 1960, emergindo de uma cultura musical baseada em sistemas de som concorrentes nos quais equipes rivais de DJs e engenheiros tocaram discos em toca discos e sistemas de som em salões de dança e locais ao ar livre. Profundamente enraizado na vida jamaicana, este novo estilo de música inesperadamente tocou um acorde no exterior. Ele encontrou um lar particularmente acolhedor no Reino Unido, o ex-governante colonial da Jamaica.

O efeito radical do reggae no curso da música popular britânica rivaliza com o do punk. Sua sincopação singular e baixo proeminente podem ser ouvidos em gêneros posteriores, como grime e drum-and-bass. Na verdade, a extensão de sua penetração nas texturas da vida britânica ficou clara desde o início. Em 1970, o clube de futebol do Chelsea começou a usar o reggae instrumental "Liquidator" de Harry J Allstars como uma música oficial do clube. Em 1969, os "Israelites" de Desmond Dekker & The Aces alcançaram o primeiro lugar nas paradas. “Double Barrel” foi o próximo hit do reggae a fazê-lo dois anos depois. A popularidade da música foi ajudada pela crescente auto-seriedade do rock. Em seus primeiros anos, antes que as raízes-reggae socialmente conscientes emergissem, o reggae era música para dançar - um ato de escapismo.

Barker tinha 22 anos quando gravou “Double Barrel”. Um cantor estabelecido que trabalhou com figuras importantes na cena musical de Kingston, incluindo Coxsone Dodd e Lee “Scratch” Perry, ele foi recrutado pelo produtor da música, Winston Riley. A música já havia sido gravada, arranjada por Ansell Collins e contando com um baterista adolescente chamado Sly Dunbar, que logo se tornaria um dos músicos mais famosos do reggae. O que ele precisava era de vocais.

Lutando no início para sentir a música, Barker improvisou a linha de abertura e, em seguida, o resto da letra, que consiste em expressões cacofonicas no estilo de James Brown ("Work it on, baby") e referências ao número do código 007 de James Bond - uma colagem surrealista de frases. Enquanto nos sentamos juntos, ele canta um pouco para mim com uma voz ainda vibrante. “Não foi algo que eu tive que escrever em um pedaço de papel. Simplesmente veio a mim espontaneamente ”, explica ele.


Selo Original do vinil de ‘Double Barrel’ - Capa original de ‘Double Barrel’

Como criador da melodia vocal e da letra da música, Barker deveria ter recebido um crédito de co-compositor. Mas a prática padrão na indústria musical jamaicana naquela época era que os produtores contratassem cantores e músicos e mantivessem os direitos das músicas para si mesmos. Barker diz que recebeu cerca de “30 a 40* dólares jamaicanos” por “Double Barrel” - uma taxa padrão na época, equivalente a £15 a £20 em 1970 (talvez £250** hoje). Ele recebeu uma quantia semelhante por “Monkey Spanner”.


* 40 dólares jamaicanos hoje seria algo em torno de R$ 1,40 na cotação de hoje 28.05.21
** 250 libras hoje seria algo em torno de R$ 1.850,63 na cotação de hoje 28.05.201

Lee Gophtal e Chris Blackwell

Um sucesso na Jamaica, “Double Barrel” foi licenciado para distribuição no Reino Unido pelo selo londrino Trojan Records. Criado alguns anos antes por Lee Gopthal, que operava a cadeia de varejo de discos Musicland e era dono da Beat & Commercial Records. Gophtal juntou seus interesses musicais jamaicanos aos da Island Records de Chris Blackwell para atender aos caribenhos que se estabeleceram no Reino Unido na década de 1960 , a gravadora também promoveu o reggae para o tipo de público mainstream que sintonizou no Top of the Pops. Seu catálogo de até 20.000 canções é celebrado como um dos melhores tesouros de gravações do reggae. Mas o hábito da gravadora de assinar contratos com produtores, em vez de artistas, reproduzia práticas injustas que haviam sido estabelecidas na Jamaica. Coube aos produtores decidirem se distribuíam os royalties para cantores e músicos.

As negociações de Barker com Trojan foram igualmente informais; ele não recebeu uma oferta de contrato quando a música foi lançada no Reino Unido em 1971. Enquanto ele estava no Reino Unido em turnê de “Double Barrel” e “Monkey Spanner”, ele se lembra de ter sido chamado com Collins ao escritório de Trojan pelo fundador da gravadora, Lee Gopthal , que os aconselhou a procurar um advogado. “Ele também se virou e disse: ‘Vocês nunca ouviram isso de mim. Estou apenas aconselhando você a resolver as coisas antes que seja tarde demais.'”

Bom conselho - mas impraticável. Barker era um jovem músico jamaicano recém-chegado a um país estrangeiro, cujo sistema jurídico, aliás, dificilmente era conhecido por sua atitude imparcial para com as pessoas de cor. “Não tínhamos a menor ideia”, diz ele agora. A Trojan deu a Barker mais dinheiro, um cheque de £1.000*** - com o objetivo de compensar seus custos de turnê depois que ele reclamou de ter apenas uma roupa de palco. Dado que “Double Barrel” alcançou a posição 22 nos Estados Unidos, provavelmente vendendo bem mais de um milhão de cópias, é uma fração do que Barker acredita que ele devia.

Ele deveria ter recebido uma taxa específica de royalties das vendas dos royalties de gravação e publicação como o co-autor da música. Mas durante a maior parte da vida da música ele não recebeu nenhum dos dois. Na década de 1990, quando percebeu a dimensão de sua perda, ele procurou um advogado. “Olha”, disseram a ele, “você deixou essa coisa rodar por um bom tempo. Não posso ajudá-lo porque você não tem dinheiro para me pagar. ”

Em 1975, a Trojan Records entrou em liquidação, deixando royalties e dívidas não pagas. Seu enorme catálogo de canções foi transferido para uma sequência complexa de incorporações. Mais tarde naquele ano, elae reapareceu por meio da Trojan Recordings, que foi comprada 10 anos depois por uma empresa administrada pelo contador e empresário Colin Newman. Em 2001, Newman vendeu o catálogo da Trojan para o selo londrino Sanctuary Records por £10,25**** milhões; seis anos depois, o próprio Sanctuary foi comprado pelo Universal Music Group, que por sua vez vendeu o catálogo do Sanctuary, incluindo canções de Trojan, para a gravadora BMG, com sede em Berlim, em 2013.

Barker assinou um contrato de gravação com a Trojan Recordings em 1988, antes de sua venda para a Sanctuary. Ele finalmente obteve o crédito de seu autor em 2003, quando Riley fez um acordo para reconhecê-lo e a Collins como co-autores de "Double Barrel" e "Monkey Spanner". Um porta-voz da BMG disse que a gravadora - que lida com os royalties de gravação de Barker, não seus royalties de publicação como co-autor - está “satisfeita por ter um bom relacionamento de trabalho com Dave Barker e Ansell Collins”. Mas Barker está magoado por perder sua participação na música durante seus anos mais valiosos, quando foi um grande sucesso. Ele também perdeu receitas de licenciamento, acrescenta: “Double Barrel” foi sampleado mais de 100 vezes, incluindo Prince e Kanye West.

*** £1.000 seria algo em torno de R$ 7.407,42 na cotação de hoje 28.05.21
**** £10,25 milhões seria algo em torno de R$ 75.811.682,86 na cotação de hoje 28.05.21

Notting Hill Carnival nos anos 1970, onde os mais respeitados sistemas de som do Reino Unido tocaram

Reclamações de músicos sobre serem roubados têm uma longa e difícil história na música pop. Músicos negros foram particularmente afetados. Mas a situação no reggae tem um toque pós-colonial. Apesar de sua popularidade no Reino Unido na década de 1970 ter sido a trilha sonora para a consolidação do país como uma sociedade multicultural, a passagem da música da Jamaica serviu apenas para ampliar o problema de produtores reivindicando o crédito exclusivo pelas canções. Ao cruzar o Atlântico, ele entrou em um labirinto legal britânico.

Em 2016, a receita de Barker com "Double Barrel" foi congelada pela agência de cobrança de royalties PRS for Music (uma espécie de ECAD) porque outra editora musical apresentou um pedido de participação nos direitos. Em dezembro passado, a disputa foi encerrada e a receita de Barker foi finalmente restaurada. A PRS for Music não fará comentários sobre o assunto, mas afirma que possui “um processo em vigor para resolver e identificar reclamações de disputas”.

“Há preocupação e estresse, contas sobre contas chegando”, diz Barker. Ele e sua esposa moram em Neasden, um subúrbio no noroeste de Londres com uma reputação não muito boa. As pessoas não conseguem acreditar que uma estrela do reggae jamaicano não prosperou mais, diz ele. “Dave Barker, de Dave & Ansell Collins, morando em Neasden? Em apenas um estilo de vida simplório? Naah. ”

A situação de Barker é repetida por outro cantor jamaicano que se mudou para Londres na década de 1970. Dennis Alcapone é um pioneiro do estilo vocal conhecido como “toaster” - uma forma de cantar e falar desenvolvida por DJs de sistemas de som enquanto conversavam sobre discos no final dos anos 1960. No apogeu de Alcapone, ele estava entre as principais deejays da Jamaica. “Minha voz está segurada por meio milhão de dólares” é o título de uma das muitas canções que ele gravou. (Isso era fanfarronice: suas cordas vocais não estavam realmente seguradas.)

Quando falamos, Alcapone (nascido Dennis Smith) conta uma história semelhante. Suas canções foram distribuídas principalmente no Reino Unido também pela Trojan Records. “Tem havido muita exploração ao longo dos anos”, disse o homem de 73 anos, falando de sua casa no leste de Londres.

Dennis Alcapone

Os contratos na Jamaica costumavam ser verbais, explica ele. Os produtores frequentemente vendiam suas músicas no exterior e não contavam aos artistas, o que significava que eles podiam evitar o pagamento de royalties. “Estávamos felizes em cantar porque amávamos muito a música”, diz ele. “Nunca soubemos que poderíamos receber uma recompensa por isso. . . Quando viajei para a Inglaterra, percebi que havia muitas coisas acontecendo que eu não sabia.”

Quando o catálogo de canções de Trojan foi vendido em 2001, nenhuma parte desse dinheiro foi dividida entre autores da Trojan, Alcapone diz: “Se não tivéssemos lido no jornal que aquela empresa foi vendida, não saberíamos que ela havia sido vendida.” O responsável pela venda, Colin Newman, disse ao Financial Times que “as alegações feitas não têm mérito.”

Alcapone se lembra de ter ido a um show uma vez em Reading, onde um garotinho o viu dirigindo um Ford Cortina, um carro britânico popular, mas prosaico, na década de 1970. O menino não acreditava que pudesse realmente ser Alcapone, a estrela do sistema de som.

“Porque ele tinha ouvido meu nome ao longo dos anos, ele pensou que eu estaria dirigindo um Rolls-Royce ou um Bentley. Ele estava convencido de que eu não era Dennis Alcapone", ele ri com tristeza, depois fica sério. “Agora mesmo, quando uma conta chega, eu tenho que começar a me preocupar onde vou conseguir o dinheiro para pagar por ela. Enquanto isso, outras pessoas estão vivendo uma grande vida com meu trabalho.”

Pablo Gad nos dias atuais.


O reggae britânico passou por dificuldades semelhantes. Pablo Gad, 65, é um cantor de reggae raiz britânico-jamaicano que lançou sua canção mais conhecida, “Hard Times” em 1979 por uma gravadora do Reino Unido. Ele relatou uma visita a Kingston, onde ele ficou chocado com a pobreza que encontrou. “Você realmente quer saber o que aconteceu com a nossa prata e ouro?” ele canta - uma pergunta que repercutiu no autor.

Colin Newman

“Hard Times” foi sampleado quase 20 vezes, incluindo pelo grupo de rave do Reino Unido The Prodigy em 1992 por seu single de sucesso “Fire”. Eles conseguiram fazer isso, de forma totalmente legal, sem abordar Gad ou pagar a ele. Após a liquidação do selo que a lançou, Burning Sounds, em 1981, os direitos de publicação da música foram finalmente reivindicados por outra empresa, a New Town Sound, de propriedade do ex-proprietário da Trojan Recordings, Colin Newman, que, novamente, nega qualquer impropriedade.

Quando falo com Gad, ele está no norte de Londres. “Eu sou nômade, não moro em lugar nenhum, estou aqui, ali e em todo lugar”, diz ele. “Não consegui dinheiro para comprar uma casa.” Uma das pessoas que assistiu ao Top of the Pops naquela noite de 1971 foi Errol Michael Henry. Na época, com oito anos e morando no sul de Londres, ele se tornou produtor musical e compositor. Depois de gravar uma música com Barker em 1988, ele aprendeu sobre as dificuldades do cantor. Com base em suas experiências de recuperação de seus próprios direitos musicais de grandes gravadoras, Henry agora representa Barker em suas tentativas de recuperar receitas e ativos perdidos, junto com Alcapone e Gad, sem ganhos e sem taxas. Em dezembro passado, ele convenceu a PRS for Music a descongelar o dinheiro devido a Barker e encerrar a disputa pelas receitas de “Double Barrel”. 

Dennis Alcapone e Pablo Gad jovens.

Henry não acredita que a culpa seja dos produtores jamaicanos: na verdade, o problema são os negócios que foram feitos no Reino Unido, diz ele. “Eles são horríveis. Eles são fundamentalmente injustos. O problema não está na Jamaica, o problema está aqui. Há um problema sistêmico com as empresas que não repassam os direitos. ”No ano passado, em resposta ao movimento Black Lives Matter, a BMG, ciente do que descreveu como "o recorde da indústria da música do tratamento vergonhoso de artistas negros", se comprometeu a revisar todos os contratos de discos históricos. O Trojan não foi incluída a princípio, mas a empresa agora diz que vai lançar uma investigação autônoma. “Se algum problema for encontrado, é claro que ele será resolvido”, disse um porta-voz do BMG ao FT. O 50º aniversário de "Double Barrel" é uma homenagem ao sucesso quase sem paralelo do reggae, a música nacional de uma pequena ilha caribenha que ganhou destaque global. Transformou o som do pop britânico, um poderoso ato de criatividade exercido por um antigo território colonial sobre seu antigo governante. Mas há uma injustiça histórica em seu cerne. “O que eu adoraria ver acontecer é que as pessoas que estão em posição de consertar as coisas se levantassem, dêem um passo à frente e façam o que é certo”, diz Barker, em uma voz enfática - não muito diferente da maneira como ele uma vez proclamou sua magnificência para milhões de famílias britânicas assistindo. “Nós somos as pessoas que criaram a música, então nos dê justiça.”


segunda-feira, 8 de março de 2021

STUDIO 17: THE LOST REGGAE TAPES :: A HISTÓRIA POR TRÁS DO DOCUMENTÁRIO

STUDIO 17: THE LOST REGGAE TAPES (Studio 17: As Fitas Perdidas, em tradução livre) conta a história convincente dos Chin's - a família chinesa-jamaicana por trás do “Studio 17”. Localizado no centro de Kingston, o Studio 17 se tornou um estúdio de gravação lendário bem no centro da revolução musical que começou após a independência da Jamaica da Grã-Bretanha em 1962.

No final dos anos 1950, Vincent Chin estava trabalhando para uma empresa de jukebox, trocando discos usados ​​por toda a Jamaica. Os discos usados ​​geralmente eram jogados fora, mas Vincent teve a brilhante ideia de vendê-los por um preço reduzido. Ao seu lado desde o início estava Pat Chin (Miss Pat), que desistiu da enfermagem para se juntar a Vincent enquanto ele viajava pela ilha. Juntos, eles criaram a “Randy’s Records”. Um espírito de empolgação começou a tomar conta da Jamaica com o início da independência e, em 1962, Vincent produziu seu primeiro disco, “Independent Jamaica” com Lord Creator, um cantor popular e carismático da época. “Independent Jamaica” se tornou um grande sucesso e lançou Vincent Chin na produção de discos.

A revolução musical da Jamaica havia começado e o “Ska” nasceu. "My Boy Lollipop" de Millie Small se tornou um sucesso global. Com as vendas de discos em alta e o sucesso de “Independent Jamaica” por trás deles, os Chins construíram um estúdio em cima da loja “Randys” conhecido como “Studio 17”. Eles haviam criado uma produção totalmente integrada e um ponto de venda.

No início, os artistas que gravaram no Studio 17 incluíram Bob Marley & the Wailers, Lee “Scratch” Perry, Peter Tosh, Gregory Isaacs, Dennis Brown, Alton Ellis, Carl Malcolm, Ken Boothe, Jimmy London, The Skatalites, Lord Creator e muito mais. Mas dramaticamente, a turbulência política no final dos anos 1970 forçou a família Chin a fugir da Jamaica para Nova York e as gravações foram abandonadas. Vincent e Pat estabeleceram a VP Records (nomeada após as iniciais de seus primeiros nomes). E a VP é agora o maior distribuidora independente de música reggae do mundo.

Quarenta anos depois, um tesouro de fitas originais do Studio 17 foi resgatado para revelar gravações únicas e impressionantes da "era de ouro" do reggae, muitas das quais não lançadas e algumas nunca ouvidas antes. À medida que as fitas são tocadas, elas dão origem a uma miríade de histórias maravilhosas contadas por Clive Chin, filho e protegido de Vincent. Em uma conclusão altamente comovente, a voz adolescente do falecido Dennis Brown é lindamente remixada com os vocais de uma estrela adolescente em ascensão, Hollie Stephenson, tudo magicamente orquestrado pelo produtor e uma vez estrela do Eurythmics, Dave Stewart.

Filmado na Jamaica, Nova York, Hamburgo e Londres, o filme inclui entrevistas com Jimmy Cliff, Lee “Scratch” Perry, Dave Stewart, Sly Dunbar, Ali Campbell, Ernest Ranglin, Carl Malcolm, Lord Creator, Bunny Lee, King Jammy, Jimmy London , Lester Sterling, Rico Rodriguez, Clive Chin, Pat Chin, Maxi Priest, Lester Sterling e muitos outros.


quarta-feira, 6 de julho de 2016

CARLTON 'SANTA' DAVIS NOS 'PRATOS VOADORES', KING TUBBY E A EVOLUÇÃO DO REGGAE



Carlton 'Santa' Davis - Fotografia por: Veronique Skelsey
A fundação do reggae é a bateria.

Na década de 1970, bateristas de gravação foram para ao reggae e dub, o que os guitarristas foram para o rock - viraram o jogo no que poderia mudar a maré da música. Carlton "Santa" Davis foi extremamente demandado como baterista desde início dos anos 70, quando ele tocou no grupo Soul Syndicate. Ele trabalhou com Bob Marley, Peter Tosh, Jimmy Cliff e Burning Spear, e hoje faz turnê com o filho de Bob, Ziggy. Na tradição reggae ele está associado com um dos icônicos do dub - os "flying cymbals" - exemplificado por 'None Shall Escape The Judgment' de Johnny Clarke gravado em 1974, provocando uma tendência.


Na verdade, o termo é enganador; o silvo característico vem do chimbal, não do prato. E, como Carlton tem afirmado repetidamente e com crescente exasperação, ele não chegou a criar o ritmo, que tinha vem circulando desde o ska e até mesmo antes. Mas o que ele fez foi criar a espinha dorsal de muitos dos ritmos imortais de sua época, que foram transmitidos através de gerações.

Santa está de volta para visitar Kingston, vindo da Califórnia, onde a maioria do Soul Syndicate vivem desde os anos 80, e está hospedado na casa do guitarrista Earl "Chinna" Smith, um dos membros do núcleo que eles deixaram para trás (em 2015, a banda se reuniu e gravou um novo álbum previsto para ser lançado no final deste ano). Lá fora, no quintal de Chinna, os músicos estão tocando - como fazem a maioria dos dias. Santa não é magro como os companheiros lendários da percussão jamaicana como Sly Dunbar ou Leroy "Horsemouth" Wallace. Ele é um homem alto, forte como um urso e de óculos, com uma barba branca e um sotaque americano tingido que se torna mais pronunciado quando ele fica animado. Ele se senta em uma mesa debaixo de uma foto em preto-e-branco do super-grupo original da ilha, os Skatalites, cujo baterista Lloyd Knibbs foi uma enorme influência sobre Santa - mas influenciou muito mais depois.


A história de como Santa ganhou seu apelido é bem conhecida: quando menino ele andava de patins e caiu em algum alcatrão quente, que fez o seu rosto ficar vermelho. Era Natal de modo que seus amigos brincavam dizendo que ele parecia com o Papai Noel (Santa Claws em inglês). O nome pegou. Ele começou a tocar aos 11 anos, na banda de sua igreja, a St Peter Claver Drum Corps.

"Eu costumava tocar a caixa, em seguida o tenor, que nós chamamos de tom-tom hoje em dia, o bumbo e pratos", lembra ele. "Eu era um faz-tudo." Com o Corps 'o trabalho era ser responsável em cuidar e guardar o equipamento.' "O quarto tinha um tambor grande, e havia um pedal. Então eu disse: 'Deixe-me colocar uma kit de bateria juntos".


"A Era de King Tubby Trouxe Esse 'Prato' À Vida"

Suas tentativas de usar o kit improvisado de bateria atraiu a atenção de Bobby Aitken, irmão do cantor de ska Laurel Aitken e líder do elenco profissional do Carib Beats, que estava dando aulas de guitarra na igreja. A música do dia era rocksteady - o precursor do reggae com o mesma batida 'one-drop'. "Eu estava tocando o regular 'one-two', que era bater o bumbo e voltar, e que é o que estamos fazendo hoje. [Aitken] disse, 'Nah man - bata a caixa, e o bumbo mesmo tempo e toque uma oitava de nota aqui - que é rocksteady".


Aitken deixou o Santa adolescente se sentar em uma bateria adequada durante um show na igreja. "Eles tinham este pequeno banco. Imagina eu tentando sentar nesta pequeno banco, tentando me equilibrar? Parecia estranho tentando colocar meu pé no pedal do bumbo e chimbal. Isso foi em 1967, 68. Eu engoli isso! Eu ainda estava no Drum Corps. Eu não era um baterista."

Em 1969, Santa deixou o Corps e se juntou a sua primeira banda, Kofi Kali and the Graduates. "Eles não tinham um baterista residente. Um grupo de rapazes costumavam tocar, por exemplo Horsemouth Wallace. Então eu disse, 'OK, eu posso tocar bateria", e comecei a aprender! Você poderia dizer que eu aprendi a tocar bateria ali. É aí que toda a minha vida começou a mudar."

Os Graduates não são famosos hoje, mas Kofi foi bem conectado na cena. Ele tinha uma loja de eletrônicos em Spanish Town, na estrada de esquina da East Avenue e oposta a Maxfield Avenue - a poucos passos das principais cantores da Kingston. Santa conheceu Ken Boothe, Delroy Wilson e Alton Ellis. "Todas essas pessoas, um por um. Isso foi um ponto central da cidade de Kingston. E Trench Town outro lado do caminho. Greenwich Town logo ali. Foi fácil acesso."

Na época o rocksteady foi a transição para uma nova batida mais dançante - o reggae. Mas da perspectiva de um baterista, não mudou muito. "Apenas a guitarra e teclado. No rocksteady a guitarra estava fazendo 'Check Check Check'. Em seguida, o reggae torna-se 'check-eh check-eh check-eh' - apenas uma pequena mudança no riff e a cama no teclado. Na bateria você ainda estaria tocando one drop."

A primeira música que ele tocou na era para o produtor Joe Gibbs (Santa não se lembra do título) e logo depois que ele iria se juntar ao baixista Fully Fullwood e ao guitarrista Tony Chin, em uma coletiva que tinham começado como Rhythm Raiders e renomeado Soul Syndicate. "Eles tinham alguns outros bateristas antes. Horsemouth costumava brincar com eles, um cara chamado Max Edwards que já faleceu. O baterista na época era chamado Denny - um músico de fim de semana. Ele tinha um trabalho corporativo e estava se casando.


"Eu estava tocando com os Graduates e um cara disse: 'Fully e esses caras estão à procura de um baterista." Eu cresci com Fully e eles, nossos pais eram amigos. Meu padrasto costumava trabalhar para o pai de Fully. Então eu fiz o teste e eu estava dentro. É onde eu melhorei totalmente - com Soul Syndicate. Tudo foi construído para a direito lá. Fazendo um monte de shows, viajar peo país fazendo shows. Depois que o estúdio veio."

Soul Syndicate - Cerca de 1978

A banda chamou a atenção dos ouvidos de um produtor indie astuto chamado Bunny Lee, que contratou a banda para a sua sessão de estreia, uma gravação de 1970 pelos Twinkle Brothers. "É aí que fomos notado por outros produtores. De repente, o nosso nome começou ser falado lá fora. As pessoas eram como, "Man! Esses caras são ruims!"

No mesmo ano, outro proprietário jovem dono de um selo conhecido por Niney The Observer, visitou o local de ensaio da banda na casa de Fully com uma canção intitulada "Blood & Fire". "Ele não tinha nenhum dinheiro. Ele estava nos pedindo para ajudá-lo e, em seguida, ele iria nos pagar mais tarde. Nós dissemos OK, porque queríamos a publicidade ".


O grupo pegou quando letras incendiárias da música foram proibidas no rádio. "Não fazia diferença porque não eramos o problema", Santa encolhe os ombros. Niney também os colocou em alguns dos maiores 45s do cantor favorito da Jamaica, Dennis Brown. "Nós nos envolvemos com 'Westbound Train" e "Cassandra". Na verdade eu não toquei em Cassandra - que queriam que eu tocasse, mas eu estava trabalhando em outro lugar. Sicky [Thompson, o percussionista] não tinha nem baquetas. A história é que ele quebrou uma vassoura na metade! "

O grupo ainda tocou em algumas gravações de Lee Perry com os Wailers, gravando a versão original de "Sun Is Shining" e que era para ser "Duppy Conqueror '. Talvez sentindo que o som do Soul Syndicate era irregular e não cabia numa faixa que falava sobre o bem que derrubava o mal, Scratch e os Wailers re-gravaram com os músicos do Upsetters e utilizou o apoio do Soul Syndicate num canto sobrenatural assustador em 'Mr Brown". Houve esse velho mito sobre um caixão de corrida em torno da Jamaica", explica ele. "Bob escreveu uma canção dizendo: 'Sr. Brown andando por aí', e eles usaram essa música para isso."


Mas foi Bunny Lee quem colocou o nome de Santa no negócio com 'None Shall Escape The Judgement’'. Quarenta anos depois, Santa tem uma relação difícil com o padrão de bateria famoso devido à controvérsia continua durante a sua génese. A batida do chimbal pode ser ouvida na música jamaicana no início dos Skatalites; Lloyd Knibbs usou com Joya Landis em ‘Moonlight Lover’. Sly Dunbar também fez uma reformulação no reggae em uma versão de 1973 de Al Green em ‘Here I Am (Come and Take Me)’ por Al Brown e Skin Flesh and Bones.

Mas foi Santa que o fez a batida ser popular de novo, como Sly, ele foi influenciado pelo soul dos Estados Unidos. "Esse estilo de pratos esta sendo usado por eras", ele confirma. "‘Moonlight Lover’ foi antes mesmo de eu começar a gravar. Esse foi um das canções favoritas minhas e de Chinna."

"Havia este grupo chamado MFSB de volta nos dias de discoteca - Earl Young, o baterista, usou em um monte de músicas - TSH TSH TSH. Eu e Sly tinhamos um bom relacionamento e falavamos muito sobre Earl Young. Aquele dia no estúdio do Treasure Isle estávamos fazendo ‘None Shall Escape the Judgement’, e eu decidi que queria tocar aquele estilo de prato. Eu só iria tocar naquela canção. Eu não achava que iriaa ser tão grande o impacto. Eu não toquei para dizer, 'isto é uma coisa nova. "

Santa credita o sucesso em toda a ilha de sua bateria na canção do lendário produtor de dub King Tubby, que usou um filtro hi-pass no chimbal colocando ele a frente da música. Na verdade, ele reconhece que Tubby dava muita importancia aos bateristas na música. "Na época, King Tubby estava experimentando com e mixar e ele começou a ficar este "swish swish' que começou a explodir. Nos primeiros dias os bateristas não estavam realmente focados. Era principalmente os vocais. Mas a era Tubbys trouxe o low end - grandes graves e grandes percussões. Tubbys trouxe esse prato à vida."


"A coisa mais estranha é que eu tenho que ficar me defendendo. Eu não quero ser visto como um impostor "

"Bunny Lee chamou de 'pratos voadores', porque estamos habituados a comer um monte de frango. Nós costumávamos dizer: 'Vamos comer alguns voadores. "Eu comecei a ouvir,' Man, e esses pratos voadores que você tocou!" Então, de repente, todo mundo queria isso em uma canção. Por todo esse período fui bombardeado com ele. Eu cansei de ser honesto. Eu disse: 'Olha, toda a música não pode soar como TSH TSH TSH "- mas eles estavam pagando seu dinheiro, então eu não tinha escolha. Toquei em um monte de músicas. Ele fez com que todos dissessem, 'Santa Davis - o prato voador'. Eu nunca reivindiquei a posse do mesmo. Eu estava em um momento em que eu toquei e tornou-se algo".

E assim que Santa se tornou ligado com os pratos voadores, assim como Sly Dunbar faria com os double-drum no estilo "rockers" metade final dos anos 70 e Style Scott faria com o pesado rub-a-dub dos início dos anos 80. Que foi muito bem até que, anos mais tarde, Santa disse que ele foi citado erroneamente em uma entrevista na Modern Drummer que o trouxe em conflito com seus colegas. "[O entrevistador] perguntou sobre os pratos voadores e eu disse a mesma coisa: 'Olha, isso tem sido usado a eras, mas quando eu toquei - a forma como foi mixado e focado - tornou-se alguma coisa." A próxima coisa que eu leio o cara está dizendo, 'Santa Davis disse que ele foi a primeira pessoa que jogou essa coisa."


"Sly me confrontou. Ele foi pego de surpresa. Eu disse, 'Vamos lá. Você me conhece melhor do que isso. Eu não sou esse tipo de pessoa. Eles colocaram assim. "É por isso que eu tenho medo de entrevistas. Eu nunca iria levar o crédito por algo que não fiz. O meu trabalho prova por si mesmo".

Santa após os flying cymbals, sugere que ele não tem nada a provar. Na segunda metade dos anos 70, ele iria tocar com Jimmy Cliff e Burning Spear, e gravar em duas das maiores canções do fim de período de Bob. Ele também tocou bateria em "Africa Unite" do álbum Survival 1979, quando Bob encontrou-o à espera de Spear chegar para uma sessão de estúdio. "Ele disse, 'O que acontece, ele não veio ainda? O dia de um músico e tempo de um estúdio queimados? Deixe-me ir fazer alguma música."

É também Santa - não o baterista habitual de Bob, o falecido grande Carlton Barrett - tocando em ‘Coming In From The Cold’, que abre o álbum Uprising de 1980. "Eu fui para o estúdio procurar alguém. Eles estavam tentando fazer uma música, mas não tinha baterista. Bob era como, 'Feche a porta! Não deixe que o homem fuja! "Esse foi em um take."

Santa então, assumiu o lugar de Sly Dunbar como baterista de turnê para o ex-colega de banda de Bob, o ferozmente rebelde Peter Tosh. Ele conhecia Peter desde os Wailers, quando Soul Syndicate tocou seu 'High Tide Low Tide'. O baixista Robbie Shakespeare o trouxe para gravar o sugestivo "Ketchy Shuby' no álbum de Tosh de 1976, o Legalize It - mas compromissos com Jimmy Cliff impediram de ele ter um papel maior. Em 1981, Tosh, que estava de olho em Santa durante todo o tempo, tem o seu baterista. "Sly and Robbie estavam se preparando para fazer o suas coias independentes. Um dia eu saí de casa e estava em Halfway Tree. Eu ouvi uma buzina, e foi Peter. Ele disse: 'Eu quero que você toque. Eu estou indo para a Europa e quando eu voltar eu vou precisar de você'".



Santa ficou com Peter até o fim. Ele estava na casa de Tosh quando homens armados atiraram e mataram a estrela em 1987. Santa foi baleado no fogo cruzado e sobreviveu. "Eu compartilhei alguns grandes momentos com aquele irmão", diz ele, lutando para encontrar as palavras. "Em turnê, em sua casa. Eu costumava visitar Peter todos os dias. Naquela noite trágica fui visitá-lo. Eu não achava que seria a última vez. Um grupo de marginais veio porque queriam dinheiro. Foi apenas ganância. Peter nunca mereceu isso. Para o bom propósito que ele serviu na Terra e o que ele estaria fazendo hoje. Olhe para o movimento pró-maconha de hoje. Peter começou a revolução. Ele tem batido nesta apanhou da polícia em Halfway Tree. Apanhou por uma polegada de sua vida por um pouco de erva".


Quando o Santa se mudou para a Califórnia para se juntar totalmente ao restante do Soul Syndicate, ele continuou para conseguir trabalho. Ele se juntou ao grupo Big Mountain para uma temporada e atualmente excursiona com o filho mais velho de Bob, Ziggy. "Eu estava na Califórnia quando ele estava se preparando para sua turnê solo. Ele queria um baterista e não queria voltar para Jamaica, e seu engenheiro de som Errol Brown falou a ele sobre mim. Eu tenho mais algumas pessoas que eu conhecia e nós montamos a banda juntos "Ele lançou dois álbuns solo. Em 2008 o instrumental The Zone e do disco vocal impressionante do ano passado Watch You Livity, misturando os dreads raiz com jazz e soul. "Eu só estou fazendo alguma coisa - para não ser apenas um cara de apoio. Então, quando eu sair daqui eles podem dizer: 'Há uma canção que ele fez para si mesmo'".

Apesar do novo álbum do Soul Syndicate também estar nos trabalhos, ele diz que a reunião não é grande coisa. "Eu nunca deixei o Soul Syndicate. Pessoas partiram para os Estados - Fully e Tony - e então eu saí também. Todos nós nos apaixonamos com a Califórnia desde os primeiros dias. Mas nós nunca mais nos separamos. Chinna está aqui e eu acho que Keith Sterling mora aqui, mas sempre tivemos interesses e de vez em quando nos reunimos. Enquanto estamos vivos, Soul Syndicate ainda está vivo. É por isso que dissemos "Vamos fazer este álbum." Parecia que o momento certo".

No filme de John Ford de 1962 "The Man Who Shot Liberty Valance", o editor de notícias de Carleton Young escreveu, "quando a lenda se torna fato, imprima a lenda." Na década de 1970, músicos de reggae nem sempre foram creditados corretamente, e o princípio da legenda ainda se aplica. Santa ainda tem de manter explicando que ele não inventou os pratos voadores. Ele tem feito muito isso, e ainda assim as pessoas querem falar sobre a coisa que ele não fez.

"Eu só dizer: 'É a vida. Eu não vou perder o sono por isso. É lá fora, mas a coisa mais estranha é que eu tenho que ficar me defendendo. Eu faço um programa de rádio à noite nos Estados Unidos. E vou la dizer, 'Os pratos voadores - eu não criei, eu não disse que o criei".

"Eu não quero ser visto como um impostor. Eu não sou essa pessoa. Muitas vezes as pessoas dizem: 'É você na bateria lá', e é uma música matadora. Eu poderia dizer: "Sim, esse sou eu', mas eu digo: 'Isso é Sly', 'Isso é Horsemouth'.

Ele continua, talvez inspirado pelos músicos que tocaram para Bob Marley em "Waiting in Vain". "Se algo é bom apenas prestem homenagem. Se você me ouvir tocar um riff de Carlie Barrett, em seguida, isso é apenas pagando respeito, porque ele foi um dos maiores e inovadores, tanto quanto a percussão na Jamaica. É como cozinhar. Se você cozinhar com um certo tempero que eu vou dizer, 'Porra, o que você usa? Vou tentar isso".

Recentemente, a mídia jamaicana tem se preocupado com estrangeiros - sobretudo americanos - copiando o reggae. Santa não vê dessa forma. "Eu não vejo isso como a cópia. Eu ficaria triste se a música reggae estivesse sentada na Jamaica, e não fosse a lugar nenhum. Eu ficaria desapontado se ninguém ao redor do mundo tocasse. Eu seria como, 'O que há de errado com a nossa música?' Enquanto eles mostram respeito para o lugar e as pessoas que o criaram, eu estou de bem com isso."

"É como Bob disse:" A música vai ficar maior até atingir as pessoas certas. "A comida está sendo compartilhado em todo o mundo e quem gosta do sabor, vai dar uma mordida - Que é legal"


Por Angus Taylor - Publicado originalmente @ http://www.factmag.com/2016/04/02/santa-davis-flying-cymbals-reggae-drummer-interview/


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quarta-feira, 8 de junho de 2016

SUPER-HERÓIS DO REGGAE :: SLY DUNBAR & ROBBIE SHAKESPEARE COMPUSERAM 200.000 MÚSICAS - AQUI ESTÃO 16 DAS MELHORES




Sly Dunbar e Robbie Shakespeare são os mais famosos músicos da cozinha de ritmo (baixo e bateria) jamaicana de todos os tempos, e há pelo menos 200.000 razões.

Isso de acordo com o famoso duo de drum and bass (baixo e bateria), que de qualquer modo e independentemente da veracidade desta afirmação, são certamente responsáveis por muito mais músicas do que são normalmente reconhecidos. Sem eles, a música popular jamaicana teria tomado um rumo muito diferente.


Grande parte do mundo exterior tornou-se ciente do 'Rhythm Twins' (Gêmeos do Ritmo) através de seu trabalho com a sensação transplantada jamaicana Grace Jones, ou através de colaborações posteriores com os (The Rolling) Stones, Serge Gainsbourg, Herbie Hancock e Bob Dylan. No reino do reggae, Sly e Robbie primeiro causaram um rebuliço quando eram banda de apoio do cantor Peter Tosh em meados dos anos 70, e os holofotes foram colocados diretamente sobre a sua própria criatividade mais tarde, nessa década através de produções em seu selo 'Taxi' com Gregory Isaacs, The Tamlins, Jimmy Riley e Junior Delgado. As conquistas com o Black Uhuru também ajudaram a dar a esse grupo o seu status estelar na sequência da morte de Bob Marley, resultando no primeiro prêmio Grammy de reggae em 1985.


Sly and Robbie também fizeram uma série de álbuns com conceito abstrato com a figura subterrânea Bill Laswell em Nova York, antes de voltar para a briga de hits no dancehall na Jamaica com Chakademus e Pliers, Beenie Man, Capleton e Innocent Kru entre outros. Continuaram os trabalhos com a atriz e cantora jamaicana Cherine Anderson e fizeram colaborações com 'No Doubt' e Sinead O'Connor, que mantiveram o duo com demanda internacional - até mesmo Paris Hilton solicitou a assistência da dupla em sua produção.

Por tudo isso, a música deles nunca realmente caiu em qualidade, e qualquer um que teve o prazer de observá-los no trabalho sabe que sua química individual, é uma grande parte do que faz Sly e Robbie uma força única na produção musical. Sly Dunbar pode soar como um metrônomo e é igualmente hábil em programação de bateria, enquanto que os graves rock-solid de Robbie Shakespeare constituem uma âncora melódica inabalável. Suas personalidades estão em extremos na escala de oposição também - o magrelo Sly é a essência de uma calma e um cavalheiro cortês, enquanto o baixista robusto, uma vez ficou um tempo em uma prisão jamaicana notória, por causa de uma carga de armas e não tem escrúpulos em deixar claro que ele não está para brincadeiras. Juntos, os Senhores Drumbar e Basspeare são um tour-de-force de criatividade rítmica.


Lowell Charles Dunbar foi inicialmente criado em East Kingston, mas se mudou para o distrito de West Kingston de Waterhouse com sete anos de idade, quando esse bairro estava sendo desenvolvido para aliviar a superlotação crônica da capital. Ele gravitou para a bateria enquanto participava da Trench Town Comprehensive School depois de ver Ken Boothe e os The Gaylads se apresentarem lá. O jovem Dunbar passou por um clube de teatro chamado os Yardbrooms e foi orientado brevemente por Mikey 'Boo' Richards da banda In Crowd e Carlton Barrett do The Boys Hippy (que estava prestes a juntar-se aos The Wailers), mas foi o tecladista Ansel Collins que realmente lhe deu educação musical, direcionando-o para o RHT Invincibles (com base em uma padaria Rastafari conhecida como o Rainbow Healing Temple [Templo Do Arco-íris Energético]) como substituto para o Lloyd 'Tin Leg' Adams.

A bateria pronunciada de Dunbar ajudou Collins na música instrumental 'Night Doctor' se tornar um enorme sucesso, especialmente no Reino Unido, onde foi lançada pelo selo Upsetter de Lee Perry. A música de Dave e Ansel Collins 'Double Barrel'* foi um sucesso ainda maior, e a bateria soberba de Sly foi um fator significativo na sua popularidade. Sly brevemente tocou com os The Supersonics no início de 1970, fazendo batidas para Justin Hinds na música 'Say Me Say', mas tocou principalmente em shows dos Vulcanoes em clubes, um spin-off do RHT Invicibles, com base na costa norte. Isso foi quando ele ganhou o apelido de Sly, inspirado por seu amor ao grupo 'Sly and the Family Stone'.

* Existe uma coletânea (muito famosa para quem conhece a história dos Bailes Blacks de de São Paulo), chamada 'Sambarock - O Som dos Blacks' lançada em 1978 pela gravadora Copacabana. Causou certo desconforto em algumas equipes de som da época, por incluir algumas músicas raras (na época) na coletânea. Mas o mais importante é que esse foi o disco onde tive o primeiro contato com o reggae (mesmo sem saber), na coletânea estava músicas como Dave & Ansell Collins - Double Barrel, The Upsetters - Shocks Of A Mighty e Desmond Decker - If You Get If You Really Want. O disco comprado pela minha mãe em 1978, está comigo até hoje e é como se fosse uma memorabilia da casa e do acervo. Em 2009 escrevi sobre essa coletânea e sobre a música Check My Machine de Paul McCartney.

Robbie Shakespeare foi criado em Kingston oriental, e desde que seu irmão mais velho Lloyd era um membro do grupo harmônico 'The Emotions', e Robbie foi motivado a perseguir a música em uma idade precoce, pegando emprestado o violão de seu irmão em todas as oportunidades. Ficava pendurado para fora durante as sessões de ensaio do Hippie Boys, e Robbie teve Aston "Family Man" Barrett para ensinar-lhe os principais rudimentos de contra-baixo, e quando o integrante Fams deixou o grupo para se juntar aos Upsetters (que se tornou banda de apoio dos Wailers), Robbie foi foi quem ficou no seu lugar. Depois de tocar em versão reggae de Errol Dunkley dos Beatles 'I'll Be Back' (lançado como 'You'll Never Know'), ele se juntou a uma banda chamada 'Big Relation', que o levou para o grupo 'The Eternals' de Cornell Campbell, que por sua vez, o levaram a ter a atenção do produtor Bunny 'Striker "Lee, resultando em uma associação de longa data. Family Man garantiu que Robbie aparecesse no álbum 'Catch A Fire' dos Wailers também, podendo ser ouvido nas músicas 'Concrete Jungle' e 'Stir It Up'.

Após o desaparecimento dos 'Volcanoes', Sly transformou os RHT Invencibles em 'Skin, Flesh and Bone'. Banda residente no clube 'Tit For Tat', uma das muitas casas noturnas que na parte alta da cidade florescente Red Hills Road, em Kingston. A versão de Al Brown de Al Green "Here I Am Baby' tornou-se um enorme sucesso em ambos os lados do Atlântico graças em parte à bateria matadora de Sly. E mesmo que Robbie não fizesse parte ainda, Sly fundou o selo Taxi com o guitarrista Ranchie McLean naquela época, sendo o primeiro lançamento uma versão reggae de Ranchie, de 'Little Anthony And The Imperials' com a música 'I'm Falling In Love With You'. (O nome do selo foi desenhado a partir do desenho de um taxi batido que Sly usava para leva-lo de um lado ao outro da cidade).


Sly e Robbie tiveram que conhecer um aos outro nesse período de tempo, em que Robbie estava tocando com o 'Big Relation' em um clube algumas portas para baixo do clube 'Tit For Tat' chamado 'Evil People'. Sly transformou 'Skin, Flesh and Bones' na banda 'The Revolutionaries', que se tornou a banda de estúdio do famoso Channel One, e Robbie era um dos líderes nos 'The Aggrovators', banda ordinária de Bunny Lee, que ouvimos nos grandes sucessos de Cornell Campbell, Johnny Clarke, e Linval Thompson. Sly e Robbie tocaram juntos em algumas sessões do 'The Aggrovators', e Robbie trabalhou com o 'The Revolutionaries' também, tocando piano no hit instrumental "MPLA" e contribuiu tocando guitarra em outras faixas, antes de assumir funções de baixo com Ranchie.

Após a sua série inicial de trabalhos para Peter Tosh, o primeiro lançamento do selo Taxi a creditar Sly and Robbie como produtores conjuntos, foi Gregory Isaacs com o hit de 1977; 'Oh What A Feeling' - uma forte primeira tentativa na esfera da produção. Para os próximos anos, eles não poderiam fazer nada errado, trazendo o Black Uhuru à proeminência e pontuando hit após hit com os principais ouvintes do reggae. Desde então, Sly e Robbie criaram a música em muitos gêneros diferentes ao redor do mundo, reinventando-se como um duo de produção digital na era dancehall, e continuando a tocar ao vivo e em gravações de colaboração.

Aqui está um punhado dos maiores lançamentos de Sly and Robbie de todos os tempos, cada um com a inscrição de sua musicalidade e habilidades de produção excepcionais.


Para ouvir todas as músicas relacionadas no texto, basta dar o play e acessar a playlist.  

1. Andy Capp - ‘The Law’ (Tiger/Duke, 1970)

As incríveis habilidades de Sly Dunbar já estavam em evidência em suas primeiras sessões de gravação. O instrumental de 'Night Doctor' veio de sua primeira sessão de gravação (gravada por Ansel Collins, que licenciou a Lee Perry para lançar a música), com a bateria rock-solid de Sly, enquanto o preludio para Winston Riley em 'Double Barrell', tem uma qualidade igualmente metronoma, com viradas mais impressionantes que preenchem a canção com intervalos regulares. Quando você virar o disco para ouvir a versão, você pode realmente entrar em sintonia com o que Sly está fazendo, com movimentos destros no chimbal, é um contrato de prestação rítmica para a linha de piano de Ansel.

Talvez a mais notável contribuição de Dunbar desse período aparece no início 'falado' no disco 'The Law', com a voz do engenheiro de masterização, Linford 'Andy Capp' Anderson da Dynamic Sounds. Aqui, o ritmo galopante de Sly nos leva para dentro e fora da melodia, enfatizando o tema ocidental de narração de Anderson (e o fez mais proeminente através da aplicação de efeitos de delay), a bateria intrincada fornecendo o principal combustível propulsor da canção. Tanto o corte vocal e a versão do lado B com o solo de órgão, que desacelera e acelera no final da música, mostram que a abordagem de Sly Dunbar no ritmo já era muito além do que de seus contemporâneos estavam fazendo.


2. Errol Dunkley - ‘You’ll Never Know’ (Gay Feet/Bomb, 1972)

Como os primeiros trabalhos de Sly, a gravação de estréia de Robbie Shakespeare já mostra uma afinidade natural com o seu instrumento. A música do The Beatles 'I'll Be Back' tinha sido adaptada pelos Paragons em um fino rocksteady de efeito, mas a reformulação reggae de Errol Dunkley tem mais poder emotivo, sua voz angustiada sem restrições pela harmonia vocal, e o ritmo lânguido ajudando cada palavra sair.

A parte do baixo de Robbie fornece a âncora melódica que mantém tudo no lugar, e você pode ouvir a influência da orientação de Family Man em seu estilo de tocar. Para reforçar ainda mais os elementos da sincronicidade, consideram que Robbie estava usando um Hofner 'Bass Beatle' no momento, o que lhe foi dado por Fams. A música também se beneficia de um acompanhamento de trombone discreto (provavelmente tocado por Vin Gordon) e, embora a canção tenha sido licenciada para Sonia Pottinger para o seu lançamento jamaicano, na verdade a música é auto-produzida por Errol Dunkley. Um belo primeiro esforço de Robbie, apontando para linhas de baixo de arrepiar que iriam vir.


3. Al Brown & Skin Flesh And Bone - ‘Here I Am Baby’ (Tit For Tat/Trojan, 1974)

Desde a posse de Sly no comando do 'Skin Flesh And Bones', a música 'Here I Am Baby' é uma versão reggae do clássico soul de Al Green, que achou sua graça em ambos os lados do Atlântico, e de novo, o padrão de ritmo complicado de Sly impulsiona toda a composição. A canção é notável em várias frentes, não menos importante porque emprega um ritmo do 'flying cymbal', com base em um padrão de abrir e fechar o chimbal, mas a batida de Sly no chimbal é totalmente diferente do que todo mundo estava fazendo com o estilo, e você pode ouvir isso mais claramente na excêntrica versão no lado b, que tem uma espécie de duelo na linha melódica. A produção é creditado ao dono do de um clube chamado Dickie Wong, mas Sly e Ranchie McLean estão totalmente no controle. Mais evidências de que Sly estava fazendo mais do que muitos de seus contemporâneos nesta época, era assumir o comando da banda de trás da bateria.


4. Cornell Campbell - ‘Wherever I Lay My Head’ (Bar Bell/Micron/Horse/Monica’s, 1975)

Como foi o caso com Sly, Robbie Shakespeare começou a emitir suas próprias produções em 1974, começando com faixas de Johnny Clarke e seu principal rival Cornell Campbell. Shakespeare tinha sido tocado no grupo 'Eternals' de Campbell, o que fez com que o seu vínculo com o cantor fosse particularmente forte, e assim como Sly apreciado gravar versões reggae de músicas soul, Robbie faz uma reformulação da música de Marvin Gaye 'Wherever I Lay My Hat' (gravada para a Motown por de volta em 1963, mas que não teve um impacto até vários anos depois, quando foi reeditada como lado b de "Too Busy Thinking About My Baby').

O ritmo aqui é despojado na bateria, baixo e vocal, com apenas um punhado de guitarra atrás de uma linha de teclado instável, o que significa que Robbie fornece a única melodia instrumental, em paralelo com o vocal tenor de Campbell. A versão no lado b de King Tubby faz pleno uso do "flying cymbal', e mostra a profundidade total de expressão que Robbie é capaz de transmitir através de suas linhas estrondosas, com seus dedos em queda livre até as profundezas do espectro dos graves, antes de pular o pescoço (do contra-baixo) para os refrões.


5. Gregory Isaacs - ‘What A Feeling’ (Taxi, 1977)
Uma dos clássicos de todos os tempos de Gregory Isaacs, 'What a Feeling' descreve a atmosfera incrível de uma festa com um sound sustem em Kingston, com todos recebendo alegremente e balançando ao ritmo, sem se preocupar com as divisões que muitas vezes resultam em violência na ilha. Leva o cantor de volta à sua infância, mas ele observa que, mesmo assim a paisagem foi marcada por malfeitores; No entanto, o poder da música prevalece.

Com a primeiro co-produção oficial de Sly & Robbie, este é um bom local de interesse, embora Robbie disse que eles realmente não conseguiram um sucesso significativo com o selo, até Gregory gravar 'Soon Forward' no ano seguinte. Em qualquer caso, o contraste fornecido pelo rufar intrincado de Sly nos espaços de Robbie, com uma linha de baixo 'hands-off', é em parte o que torna esta uma grande sintonia. As paradas de descanso de Robbie caíram em todos os lugares certos, e há um arranjo de piano memorável que surge no meio de versos de Gregory, com apenas um pouco de guitarra para apimentar o processo. Outras músicas de Gregory para ver a produção de Sly & Robbie incluem uma grande 12inch duplo; "Motherless Children/Going Downtown", e o mega-hit 'Soon Forward'.


6. Black Uhuru - ‘Let Him Go’ (Taxi 7”, 1977)

Sly e Robbie tiveram um relacionamento especial e de longa data com o Black Uhuru. A ligação entre Sly e Michael Rose vem desde o início dos anos 70, porque ambos eram residentes no Waterhouse, e estavam chegando na cena musical, e é digno de nota que Sly produziu 'Artibella' para o Táxi com Rose em 1975, antes que ele e Robbie fossem uma sólida equipe de produção. Depois Rose, tornou-se vocalista do Black Uhuru, e a intenção era que o seu álbum de estréia fosse uma produção de Sly e Robbie, mas a dupla estava em turnê com Peter Tosh, e o Black Uhuru acabou gravando esse disco com Prince Jammy.

No entanto, versão animada de Black Uhuru para "Let Him Go" foi um tremendo sucesso para o selo Taxi, e prescindia o que iriam alcançar juntos no futuro, e a percussão inventiva de Sly é uma grande parte do que a torna única e tão grande. É uma leitura individual do clássico dos Wailers, re-trabalhado para a era dos rockers, com atropelos de pratos e um teclado borbulhante dando a canção seus ganchos irresistíveis. Uma vez que o grupo voltou a trabalhar com Sly e Robbie, em 1979, não havia como voltar atrás: o álbum 'Showcase' seria trabalhado no exterior pela Virgin, e o contrato de Sly quebrado com a Island fez o grupo o maior ato reggae no mundo, seguinte a morte prematura de Bob Marley.


7. Junior Delgado - ‘Fort Augustus’ (Taxi 7”/Niagara 12”, 1979)

Júnior Delgado tem o seu início no 'Time Unlimited', gravando trabalhos impressionantes para Rupie Edwards, Lee 'Scratch' Perry e Tommy Cowan. Quando os membros do grupo seguiram caminhos separados, os tons graves de Delgado caíram nas graças e excelência para gravações com Perry, Niney The Observer e Augustus Pablo, antes de sua parceria duradoura com Dennis Brown que também deu frutos. 'Fort Augustus' é a mais difícil das duas faixas que Sly and Robbie produziram com Jux para o táxi, com gritos angustiados de Delgado, em referência a várias instituições penais na Jamaica e as práticas terríveis infligidas aos prisioneiros. Syndrums de Sly dão à música uma ponta de futurismo e o padrão de baixo subsônico de Robbie enfatiza a gravidade na melodia.

A outra gravação do selo Taxi por Jux, 'Merry Go Round", é também uma vencedora, embora vindo muito mais do ponto de vista de uma loversrock; para melhor apreciar a dureza do ritmo do 'Fort Augustus', verifique as várias versões dub, incluindo a estendida 12" pelo selo Niagara, e a versão por Paul 'Groucho' Smykle no álbum 'Raiders Of The Lost Dub LP'.


8. The Tamlins - ‘Baltimore’ (Taxi 7”/Taxi & D Roy 12”, 1980)

Fortemente influenciado pelo soul norte-americano, o trio de harmonia 'The Tamlins' começou a gravar em meados dos anos 70 e fez seu nome no Channel One, dando-lhes uma relação de trabalho duradoura com Sly e Robbie. Uma vez que parte do foco de produção do selo Taxi sempre envolvia interpretações reggae de músicas estrangeiras, o grupo foi uma escolha natural para colaborar a dupla. Nesta intensa versão de 'Baltimore', eles padronizarão a música não depois do original discreto de Randy Newman, mas fizeram após a leitura individual da melodia em jazz de Nina Simone.

Entre o baixo pulsante de Robbie e os padrões syndrum intergalácticos de Sly, temos uma fanfarra de metais temível, que ressalta o desespero dramático da canção, com Tamlin Júnior Moore cantando com seu coração para fora. A versão dub estendida nos 12" e o lado B dos 7", ambos colocam as arestas do ritmo totalmente no centro das atenções. Ouça também a versão pseudo-rap no toast de Welton Irie, 'Hotter Reggae Music', que aparece em alguns 12" lançados, com alguns enxertos com pedaços de 'Rappers Delight' na letra.


9. Jimmy Riley - ‘Love And Devotion’ (Taxi 7”, Niagara & Yes 12”, 1980)

O tenor influenciado pelo soul Jimmy Riley era um colega de escola de Slim Smith, que formou o grupo rival 'The Uniques', porque o grupo 'The Techniques' de Smith já estava completo. A carreira solo começou na década de 1960, ele gravou trabalhos inovadores com Bunny Lee e Lee 'Scratch' Perry, bem como o trabalho de auto-produção, e apesar de material gravado na Black Ark e com Ossie Hibbert no Channel One, ele teve uma sensação underground, o sucesso internacional que ele desejava não aconteceu até ele que ele se juntou com Sly e Robbie para gravar esta música pós-rockers, o hino de Smith, que finalmente o levou ao topo das paradas.

Os complicados padrões de bateria e syndrum acentuados de Sly reestruturaram totalmente a melodia, enquanto Robbie, toca juntamente com uma linha de baixo ainda melodiosamente escassa; Riley torce a emoção máxima de sua entrega de espírito, trazendo a música para o seu pleno potencial. Não perca a versão de General Eco com a hilariante kung-fung "Drunken Master', que também faz o uso máximo do ritmo. Quanto Riley, fez o prelúdio para Sly e Robbie de 'My Woman's Love', era quase tão popular quanto 'Love And Devotion', e um gravação reggae com a voz rouca de "Sexual Healing", de Marvin Gaye também ajudou a manter sua carreira nos trilhos.


10. The Viceroys - ‘Heart Made Of Stone’ (Taxi 7” & 12”, 1980)

'The Viceroys' é um desses trios de harmonia que têm uma história muito complicada. Na era rocksteady fizeram gravações notáveis ​​para o Studio One, Derrick Morgan e Sir JJ , passando a trabalhar com Joe Gibbs, Lee Perry, Lloyd The Matador, Sidney Crooks e Winston Riley nos primórdios do reggae. Algumas mudanças de line-up aconteceram ao longo do caminho (embora o líder Wesley Tinglin permaneceu no comando), e após o gravação do trabalho mais fino para o Studio One, eles gravaram este impressionante single para Sly and Robbie em 1980.

O ritmo é enganosamente simples, mas o padrão de baixo com as nuanças de Robbie engancha o ouvinte desde o início, e como de costume, Sly dirige tudo com um padrão de bateria complicada, fez ficar mais atraente pelos gritos de seu acentuado syndrum. Adicione alguns sons de teclado e guitarra estranhos, e você tem um pano de fundo adequadamente estranho para um conto de um romance de um coração partido, Tinglin e o grupo das desbravam as desgraças de uma mulher de dois tempos.


11. Grace Jones - ‘My Jamaican Guy’ (Island 7” & 12”, 1983)

Chris Blackwell viu o potencial de estrela em Grace Jones desde o início, lançando-a na sequência abortada de Perry Henzell para The Harder They Come (intitulado como No Place Like Home), num momento em que ela era totalmente desconhecida e apostando em seus três primeiros álbuns, que foram em grande parte do gênero Disco, mas não conseguiu alcançar o sucesso no mainstream. Blackwell sabia que ela precisava de uma direção diferente para alcançar o objetivo, e acabou formando as 'Compass Point All Stars' como sua banda de casa para o estúdio 'state-of-the-art' que ela construiu nas Bahamas. Sly e Robbie foram naturalmente recrutados para ser o seu núcleo rítmica e artístico.

Eles trouxeram o guitarrista Mikey 'Mao' Chung dos 'The Revolutionaries' e percussionista Sticky Thompson com eles de Kingston (e em algumas sessões, Tyrone Downie da banda The Wailers), mas Blackwell não queria que o All Stars fosse ser 100% jamaicano, então ele puxou para o guitarrista de Marianne Faithful, Barry Reynolds, e do natural de Benin, residente em Paris, o gênio do teclado desde criança, Wally Badarou, para ampliar o som. Os álbuns 'Warm Leatherette' e 'Nightclubbing' foram álbuns quentes e maciçamente bem sucedidos, mas a final da colaboração do Compass Point, 'Living My Life', talvez apresentou a maior complexidade. 'My Guy Jamaican' é excelente, em parte por causa de seu maravilhoso ritmo, que Sly diz ser influenciada pela música popular jamaicana conhecida como mento. Robbie mantém sua mínima linha de baixo na extremidade inferior da escala e os teclados de Badarou injetam um pouco de melodia alegre. A canção foi aparentemente inspirada por Tyrone Downey, como foi revelado por Jones algumas décadas mais tarde.


12. Dennis Brown - ‘Revolution’ (Taxi 1983)

Uma das figuras verdadeiramente icónicas da música popular jamaicana, o catálogo de Dennis Brown é simplesmente magnífico, e muitos fãs sentem que ele tinha a vantagem sobre Bob Marley em grande parte das suas respectivas carreiras. A parceria com Sly e Robbie produziu resultados excelentes e em nenhum lugar isso é mais evidente do que na música 'Revolution', um verdadeiro hino de Brown que permaneceu com uma característica de suas performances ao vivo. Sua ligação inicial com a dupla em 1981 produziu a censurada 'Sitting And Watching' (o que teve uma grande versão de rub a dub de Ranking Dread em 'Lots Of Loving'), e a romântica 'Have You Ever', mas 'Revolution' de 1983 é muito mais forte.

Desta vez, o ritmo é ainda mais tentador através do uso criterioso de Sly do Roland TR-808 como um enfeite; em vez de dominar a música com a máquina, ele só a usa para fornecer sons assassinos de aplauso (claps), incitando o ritmo para a frente com cada barra. Enquanto isso, Brown canta com fervorosa convicção da necessidade de uma ação rebelde em um momento em que o mundo estava no meio de uma reação conservadora.


13. Ini Kamoze - ‘World A Music’ (Taxi 7” & Island LP, 1984)

No rescaldo da morte de Bob Marley, o Black Uhuru estava pronto para levar a coroa do reggae, graças em grande parte à entrada do Sly e Robbie no grupo. No entanto, quando se preparavam para gravar o álbum Anthem, que acabou vencendo o primeiro Grammy do reggae, tensões internas culminaram na expulsão de Michael Rose, sinalizando o declínio gradual da sua posição dominante.

Ao mesmo tempo, uma vez que Island tinha contrato assinado com o ex-trabalhador da comunidade e ator Ini Kamoze, houve rumores de que ele herdaria o legado de Marley. Kamoze fez suas primeiras gravações por cerca de 1982, para o selo Mogho Naba, que ele tinha formado com o sobrinho de Jimmy Cliff, Sipho Merritt. Sly e Robbie o pegaram depois de obter num porão uma fita demo, e quebraram seu contrato com a Island.

‘Trouble You Trouble Me’ (com Sly e sua TR-808) e ‘General’ foram lançados como um único single em 1983, o que provocou todos os tipos de interesse em Kamoze, e quando seu álbum de estréia auto-intitulado veio à tona no ano seguinte, ele também teve a contundente 'World A Music', o inesperado sucesso que a maioria dos fãs mais jovens conhecem devido à seu uso no álbum de Damian Marley 'Welcome To Jamrock'. Robbie fornece uma linha de baixo desarticulada com abundância de paradas de descanso, enquanto Sly faz alguns interlúdios extravagantes; acordes de piano de Robbie Lyn saltam dentro e fora da miragem, onde foi dada maior profundidade por Paul 'Groucho' Smykle. Como tenor distintivo Kamoze canta o apelo duradouro da música reggae.


14. Sugar Minott - ‘Herbman Hustling’ (Jaguar 7”, Taxi 7” & 12”, Black Roots 12”, 1984)

Há um debate considerável sobre quem fez o primeiro registro de reggae 'digital' ou 'computadorizado', ou mesmo se tais termos descrevem com precisão o reggae feito com sintetizadores e baterias eletrônicas. Todos apontam para Wayne Smith com 'Under Mi Sleng Teng', produzido por Prince Jammy a partir de um preset Casio, mas Sugar Minott afirmou que ‘Herbman Hustling’ merece a designação primária. Minott começou sua carreira com o 'The African Brothers' durante meados dos anos 70, mas se separou para seguir carreira solo no Studio One, onde ele revolucionou a música popular jamaicana, dando voz a novas canções em velhas faixas produzidas por Dodd.

Quando lançou seu próprio selo batizado de Black Roots em 1980, Minott lançou um monte de trabalhos auto-produzidos e alimentados com os talentos de futuros músicos. Ele continuou a gravar para uma série de produtores ao mesmo tempo e um emparelhamento com Sly and Robbie fez todo o sentido. Minott já tinha gravado uma versão rotos, um pouco mais lenta de de ‘Herbman Hustling’ para Bullwackie em Nova York, mas Sly e Robbie recravaram a música com arranjos digitais super-carregados, e acabou por se tornar um sucesso espetacular. Seu ritmo sustentado e o baixo do teclado forneceu amplitude para o movimento dancehall que crescendo. Isso mostra que Sly Dunbar foi capaz de se adaptar aos tempos, e embora eles enfrentassem críticas em casa por gastar muito tempo em passeios no exterior, Sly e Robbie foram capazes de continuar a ser uma força de produção viável na era dancehall, apesar da produção digital ter causado mudanças drásticas na músida.


15. Mykal Roze - ‘One A We, Two A Wi’ (Taxi 7” 1999)

Em meados da década de 1980, Sly e Robbie produziram alguns grandes álbuns de fusão com o produtor baseado em Nova York Bill Laswell. 'Language Barrier' teve contribuições da África Bambaata, Herbie Hancock, Doug E. Fresh, e até mesmo Bob Dylan na gaita, todos fazendo a sua parte através de uma série de ritmos de condução, enquanto Rhythm Killers também foi multifacetada, com uma base dancehall, hip-hop, funk e electro multi efeito.

Sly and Robbie também alimentaram a carreira de Gwen Guthrie e contribuíram para o álbum 'Empire Burlesque' de Bob Dylan, uma das muitas colaborações no exterior de alto nível da época. Então, durante a década de 1990, eles começaram a passar períodos mais longos na Jamaica e retiraram à produção musical, gravando uma grande versão influenciada pelo bhangra de 'Mission Impossible' (na voz de Innocent Kru chamada de 'Impossible Train'), entre muitos outros.

Um dos registros mais notáveis ​​para a superfície deste período é ade Michael Rose 'One A We, Two A Wi', que monta um ritmo digital do selo Taxi, resistente e não-padrão, sobreposto por acordes de guitarra agitadas e teclados estranhos numa espécie de redemoinhos, sobre as quais Rose canta sobre o ciclo vicioso que leva perpetuamente maus rapazes da esquina e da rua à cadeia. Curiosamente, a produção não é creditada a Sly e Robbie, mas para o guitarrista enigmático Carl Harvey, um colega de longa data de Robbie com os Aggrovators. Note que a canção foi reeditada em forma de Remix várias vezes, com variados graus de sucesso; o 7" original pelo selo Taxi continua a ser o formato preferido.


16. Jimmy Riley & Tarrus Riley - ‘Pull Up Selector’ (Taxi 7,” 2007)

Se alguém tinha alguma dúvida sobre Sly e a relevância de Robbie em nossa época contemporânea, basta ouvir este grande dueto entre Jimmy Riley e seu filho Tarrus. Produzido por Sly e Orville ‘Rorey’ Baker no Baker’s One Pop Studio, o ritmo é baseado em uma riddim de (outro sucesso de Sly & Robbie e produção clássico de '84) 'Rub A Dub (aka Tune In)' de Sugar Minott. E Tarrus lidera o caminho neste hino ao fascínio do dancehall, auxiliado por tons rudes do pai de Jimmy em intervalos selecionados. Pura Classe!

COMPRAR SLY & ROBBIE @ FYASHOP


Various - Fat Eyes Dancehall Dee-Lite (LP, Comp)
Label:Heartbeat Records (2)
Cat#: HB 226
Media Condition: Mint (M)
Sleeve Condition: Mint (M)
 



Leroy Brown (2) - 70's Reggae Style (LP)
Label:Caturna
Cat#: CATLP003
Media Condition: Mint (M)
 



Pinchers, Firehouse Crew, Sly & Robbie - O Lord Remember Me (7")
Label:XTerminator
Cat#: none
Media Condition: Very Good Plus (VG+)
 



Capleton - Prophecy (LP, Album)
Label:African Star Music, Rush Associated Labels
Cat#: 314 529 264-1
Media Condition: Very Good Plus (VG+)
Sleeve Condition: Very Good Plus (VG+)
 



Maxi Priest - Wild World (7")
Label:10 Records
Cat#: TEN 221
Media Condition: Very Good Plus (VG+)
Original press, some little noise, marks on surface and some marks and sticker on label, plays nice.
 



Sly & Robbie - Dance Hall (12")
Label:Island Records
Cat#: 0-96536
Media Condition: Very Good (VG)
Sleeve Condition: Good (G)
 



Judy Mowatt - Come see About Me (7")
Label:Taxi
Cat#: TXI-867123
Media Condition: Very Good Plus (VG+)
 



Dennis Brown - Sitting & Watching / Revolution (7")
Label:Taxi
Cat#: none
Media Condition: Near Mint (NM or M-)
Have a sticker on label.
 



Sly & Robbie Presents Mykall Rose* - The Taxi Sessions (LP, Album, Promo)
Label:Taxi
Cat#: TAXI PROMO 1
Media Condition: Very Good Plus (VG+)
Sleeve Condition: Very Good Plus (VG+)
 




Por David Katz - Publicado Originalmente @ http://www.factmag.com/2016/06/01/sly-robbie-best-songs/


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