Os artistas famintos foram afetados mais do que apenas pirataria e repasse de royalties dos serviços de streaming
Em seus muitos lamentos (justificados) sobre a trajetória de sua profissão na era digital, compositores e músicos afirmam regularmente que a música foi "desvalorizada". Ao longo dos anos apontaram dois culpados extraordinários. Primeiro, foi a pirataria da música e a futilidade de "competir com a gratuidade". Mais recentemente, o foco tem sido sobre os pagamentos aparentemente minúsculos geradas quando as músicas são transmitidas em serviços de streaming como o Spotify ou a Apple Music.
São questões graves, e muitos concordam que a indústria e os legisladores têm muito trabalho a fazer. Mas, pelo menos, há diálogo e progresso em direção a novos modelos de direitos e royalties na nova economia musical.
Menos óbvias são algumas outras forças e tendências que desvalorizaram a música de forma mais perniciosa do que os problemas de hiper-fornecimento e da inter-indústria da discotecagem. E pela música não me refiro aos formatos populares de música que se vê em shows de prêmios, e ouvidos em rádio comercial. Quero dizer música, a forma de arte sônica - imaginativa, composição conceitual e improvisação enraizada em ideias harmônicas e rítmicas. Em outras palavras, a música como foi definida e considerada há quatro ou cinco décadas, quando a música de arte (incompleta, mas geralmente chamada de "clássico" e "jazz") tinha um assento na mesa.
Quando eu ouço compositores de hits de rádio criticar suas pequenas quantidades de play no Spotify, penso nos prodígios de jazz de hoje que não terão uma chance, até mesmo uma fração do sucesso popular da velha guarda. Eles nem podem imaginar trabalhar em um ambiente musical que possa levá-los ao status de nomes familiares como Miles Davis ou John Coltrane. Eles estão lutando contra as forças no próprio nexo de comércio, cultura e educação que conspiraram para tornar a música menos significativa para o público em geral. Aqui estão algumas das questões mais problemáticas que os músicos enfrentam na paisagem atual do setor.
1. A morte do contexto
Os ecossistemas da música digital, começando com o iTunes da Apple, reduzem os álbuns em uma imagem de capa com tamanho de selo e três informações de dados: Artista, Título da Música, Álbum. Como os comentadores de música clássica há muito argumentaram, esses sistemas fazem um trabalho ruim com compositores, maestros, solistas e conjuntos. Além disso, como discuti extensivamente em um ensaio prévio, eles são desprovidos de contexto. Embora existam biografias encapsuladas de artistas e compositores na maioria dos serviços, álbuns históricos são vendidos e transmitidos sem os créditos ou notas de rodapé da era do LP e CD. O grupo de super-fãs que lê e assimila essas coisas é muito pequeno para merecer atenção dos serviços ou selos digitais, mas o que se perdeu é a classe de o ouvinte (e consumidores) que infunde a cultura com entusiasmo informado. Nosso ambiente pobre em informações da era digital é incapaz de inspirar tal saudosismo, e isso é profundamente prejudicial à nossa ideia compartilhada sobre o valor da música.
2. Rádio comercial
É um alvo fácil, mas não se pode definir quão profundamente o rádio mudou entre a explosão da música popular em meados do século 20 e o modelo corporativo dos últimos 30 anos. Um ethos de musicalidade e descoberta foi substituído por uma manipulação cínica de dados demográficos e o mais comum denominador comum. As listas de reprodução são muito mais curtas, com um punhado de singles repetidos incessantemente até que os grupos focais falem. Os DJs não escolhem a música com base em seus conhecimentos e já não tecem uma narrativa em torno dos discos. Tal como acontece com as notas de rodapé, isso faz uma audição mais passiva e encolhe a dieta musical da maioria dos americanos até um punhado de hits de grande escala produzidos em escala industrial.
3. A mídia
Na década de 1960, quando nasci, as publicações impressas mainstream levaram as artes a sério, cobrindo e promovendo talentos contemporâneos excepcionais em todos os estilos de música. Assim, Thelonious Monk foi capa da revista TIME, por exemplo. Quando eu comecei a cobrir música para um jornal em cadeia em 2000, as histórias foram priorizadas pelo reconhecimento do nome anterior do assunto. Histórias de arte/descoberta foram subordinadas a notícias de celebridades em um nível sistêmico. As métricas da indústria (posição do gráfico e venda de ingressos de concertos) tornaram-se um elemento básico de "notícias" de música. Na era de cliques medidos, o agrupamento de foco sempre institucionou a câmara de eco da música pop, estimulando e desencorajando o envolvimento significativo com a música de arte.
4. Conflito
Pouco noticiado, mas com um sentimento corrosivo da era digital, é a forma como nossas interfaces combinam música com todas as outras opções de mídia e entretenimento. O iTunes iniciou o processo, levando o software ostensivamente para colecionar e tocar música, e transforma-lo em uma plataforma para TV, filmes, podcasts, jogos, aplicativos e assim por diante. Este é um símbolo e uma causa do significado decrescente, e da importação de música no ataque multi-mídia que é a nossa cultura. Os monitores brilhantes que distraem as pessoas 'só' de músicas já são onipresentes. Então, por que os impõe no player de música? Eu acredito que uma razão para o vinil e os fonogramas estão mais desejados novamente é que as pessoas musicalmente orientadas desejam algo como um santuário para sua música - um dispositivo que é apenas para música.
5. Anti-intelectualismo
A música, por décadas, tem sido promovida e explicada a nós quase exclusivamente como um talismã de emoção. A questão irresistível é como isso faz você se sentir. Considerando que a música artística do Ocidente transcendeu por causa da sua deslumbrante dança de emoção e intelecto. A arte musical relaciona-se com matemática, arquitetura, simbolismo e filosofia. E como esses tópicos foram menosprezados na imprensa geral ou na televisão a cabo, nossa capacidade coletiva de se relacionar com a música através de uma lente de humanidades se atrofiou. Aqueles de nós que tiveram a paciência de nos explicar e demonstrar a música como um jogo para o cérebro, assim como o coração, tiveram muita sorte. Por que tantos estão satisfeitos em se envolver com a música, apenas no nível de sensação é um mistério vasto e empobrecedor.
6. Filmes e jogos
Nós, como cultura, ouvimos bastante composições de música instrumental "clássica", mas essa migrou da sala de concertos para o videogame e a pontuação de filmes. Por um lado, é dado aos jovens compositores opções para ganhar a vida, e uma boa música está sendo imaginada para essas paisagens imaginárias. Mas há um efeito pernicioso da onipresente faixa de som da mídia, em que galáxias inteiras de ideias musicais, e motivos e modos de vida foram essencialmente ocupados e tornados cliché. Como um jovem mergulhou no faux-Shostakovich retumbando de uma trilha sonora de jogo de guerra, ouve Shostakovich real e pensa que é um grande negócio? Isso raramente é observado, mas acredito que milhares de impressões cumulativas de música de fundo atribuídas a "romance", "tristeza" e "heroísmo" estabeleceram camadas de tecido cicatricial sobre a nossa capacidade de sentir algo quando a música sinfónica tonal é feita ou escrita no século XXI.
7. Música nas escolas
Tudo começa - ou termina - aqui. Como em qualquer outro idioma, as regras, termos e estrutura são mais facilmente absorvidos pelos jovens. E, como a música foi cortada de mais da metade das escolas de graduação nos EUA em uma tendência longa, o impulso baseou-se cada vez mais em evidências sobre os efeitos de ondulação da educação musical sobre o desempenho acadêmico geral - o argumento "música torna as crianças mais inteligentes". Isso é verdade e vital, mas tendemos a perder de vista o caso do valor da música em nossa cultura - que a educação musical torna as crianças mais musicais. Aqueles que internalizam as regras e ritos da música no início da vida serão mais propensos a assistir a concertos sérios, e ter uma orelha mais astuta para suas escolhas de música pop quando adultos.
Aqueles que se preocupam com o futuro do negócio da música devem gastar menos tempo reclamando sobre as rupturas digitais, e gastar mais energia despertando a consciência do público sobre a música séria, porque realmente desvalorizamos a música quando reduzimos nossa forma de arte mais impactante para um artefato de celebridade, e uma escolha de estilo de vida. A música instrumental complexa tornou-se marginalizada dentro de uma polegada de sua própria existência, e isso tem muito a ver com a indústria que define o "valor" apenas da maneira que afeta o dinheiro que chega na caixa de email.
Por Craig Havighurst - Artigo original publicado @ https://medium.com/cuepoint/the-devaluation-of-music-it-s-worse-than-you-think-f4cf5f26a888
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