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quarta-feira, 31 de agosto de 2016

"EXPLODIU COMPLETAMENTE" :: A CULTURA DO SISTEMA DE SOM EM 2016

Norman Jay MBE, The Heatwave, Mungo’s Hi-Fi, dBridge e Riz La Teef nos dão uma visão sobre o que a Cultura do Sistema de Som significa hoje.

Mais de sessenta anos se passaram desde que surgiram os primeiros DJs, dirigindo um caminhão até uma esquina no centro de Kingston com uma toca discos, uma pilha de caixas de som com um gerador. A cultura sistema de som ainda carrega um grave mais pesado do que qualquer outra coisa.

Se nas ruas de Notting Hill em Londres, ou nas praias da Croácia no Outlook Festival , a diáspora do sistema de som se estendeu muito além de suas raízes na capital jamaicana, adaptando e influenciando novas formas de música; do hip hop ao jungle, e dubstep que agora reclama um pouco dessa cultura para a sua própria.

Agora muito ampliado, o termo "sound system culture" também não está mais casado com o vinil. O vinil e dubplates eram gravados a fim de ganhar confrontos de som, e foram em parte substituídos por formatos digitais mais baratos e mais versáteis. E à luz da recente onda de clubes sendo fechados em Londres, ficou mais difícil de ver bem o que essa cultura irá parecer daqui dez anos.

Para descobrir o que está acontecendo, e a partir daqueles que controlam a si mesmos, nos ligamos com cinco cabeças de diferentes origens, todos indo para a Croácia na próxima semana, para questionar as mesmas quatro perguntas sobre o que a cultura dos sistemas de som realmente significa no Reino Unido e além de hoje.

Vinil e Dubplates têm tradicionalmente desempenhado um grande papel na cultura do sistema de som. É algo que ainda ressoa com vocês e o que é importante para manter essa conexão?

The Heatwave (Benjamin and Gabriel): Ambos definitivamente ainda ressoam para nós - nós realmente acabamos de mudar todos os nossos velhos discos de vinil para trabalhar no estúdio. Quando começamos o The Heatwave, nós estávamos trabalhando um som estritamente no vinil, e a coleção que construimos durante os primeiros anos é enorme. Sendo cercado por estes discos de plástico preto de sete polegadas e seus selos coloridos distintos, é como ser cercado pela história do dancehall jamaicano. Cada registro conta uma pequena história, e capta um momento no tempo no desenvolvimento da música, e também a arte e design que tem sido uma parte tão grande do dancehall.

Nós temos tocado músicas digitais/mp3 desde 2008, mas ainda usamos controladores de vinil e toca discos Technics, que é a primeira coisa em nosso set de equipamentos. Muitos daquelas músicas convertidas em mp3 ou acabamos comprando de novo, mas a grande quantidade de músicas que temos seria impossível de encontrar digitalmente, desse modo sendo capaz de trazer esse material que está fora dos arquivos e dos recursos das rádios, e trazer essa música para as pessoas que de outra forma não ouviriam elas.

Nós gravamos e prensamos muitos dubplates tempos atrás - Henry, um dos membros fundadores do The Heatwave, trabalha num estúdio de masterização gravando e 'cortando' dub(plate)s em Bristol, por isso sempre estivemos bem preparados para isso. Hoje em dia nós não cortamos dubs, mas o processo de tocar dubs - como em; novas músicas, músicas inéditas, ou especiais para o nosso som expressados por grandes artistas - é exatamente o mesmo. Essa é uma das coisas que sempre nos atraíram quanto a mudança para o Serato, sendo capaz de terminar uma música no estúdio e, em seguida, tocar em um clube no mesmo dia. Nós fizemos coisas em trens e aviões, e viagens de carro, e apenas algumas horas antes de tocar em um clube. Então, sim nós ainda tocamos dubs assim, apenas não temos que levá-los fisicamente gravados/cortados.

dBridge: Eu acho que é uma parte importante da história. É um componente na arquitetura e história de muitas cenas. Eu não gosto de ficar muito preso nas guerras de formato, porém, eu não quero que o conteúdo seja perdido à custa de um formato. Não tenho certeza de quem disse mas; "eu toco a música não um meio". Acontece que a música vai soar melhor em vinil...

Mungos Hi-Fi: Nós amamos o nosso vinil e todos que colecionam. É o formato final, na medida em que estamos preocupados, é o trabalho de amor que entra em cada peça, e é um testamento para a música. Nós realmente vendemos um monte deles também através da nossa loja on-line scotchbonnet.net, onde nós construímos uma grande seleção ao longo dos anos, bem como a venda de um lote de nossa própria música, incluindo séries limitadas de exclusivas na loja.

Norman Jay: Não, isso não acontece. Como a tecnologia eu segui em frente e me mantive atualizado com o tempo. Embora dizendo que, eu ainda tenho um carinho enorme com o vinil e ainda possuo a minha maciça coleção de vinil.

Riz La Teef: Ele definitivamente ainda ressoa comigo, e eu ainda 'corto' dubs e só toco vinil. E nada bate tocar acetatos/discos em um sistema de som bem configurado. Eu cresci vendo todas as velhas cabeças do dubstep tocando acetatos do Transition em grandes sistemas, e penso que essa é a maneira de fazer as coisas, então eu só continuo os seus passos essencialmente.

Como você sente a cultura sistema de som ter mudado nos últimos tempos?

The Heatwave: A coisa mais óbvia é que você o vê em todos os lugares agora. Que não era o caso há dez anos. Os componentes centrais associados com sistema de som - o arranjo DJ e MC, apresentação e estilos lírico, ênfase no baixo, rebobinar (rewind), dubplates - que ainda era relativamente o nicho. O que agora explodiu completamente - de várias maneiras.

Drum 'N Bass, Garage e Grime é a fábrica dessa geração musical e uma parte sólida da cultura popular mainstream. EDM é enorme em todo o mundo, e vem diretamente do dubstep e outras variações do sistema de som. Da mesma forma, em um sentido mais amplo, as explosões de festivais está realmente conectada a cultura dos sistemas de som também. Há milhões e milhões de crianças que são completamente confortáveis e alfabetizadas na linguagem do sistema de som - eles vão para festivais, eles e vêem os seus DJs / MCs favoritos tocando e esperaram por rewinds e batidas pesadas ou remixes chapados. Essa é a cultura sistema de som.

Obviamente, a coisa é - ela veio de um lugar específico, é uma forma de arte que Caribenhos e na Caribenhos-Ingleses desenvolveram. E muitas, muitas pessoas que gostam da cultura sistema de som não sabem disso. Então, ele é cultivado em grande escala, como é frequentemente o caso com música originada por comunidades negras, que muitas vezes fica caiadas de branco e desconectadas de suas raízes e as pessoas que a inventaram.

Em um nível mais técnico as coisas realmente se abriram, porém é democratizada. O que é ótimo. O desaparecimento do vinil e o advento de pessoas que joga MP3s/Wavs usando Serato ou CDs queimados, ou agora USBs tem definitivamente mudado as coisas no sentido de que você agora, não tem que investir um monte de tempo e dinheiro, para se tornar um DJ ou um Sound.

Muitas das cabeças mais velhas usam isso para reclamar, dizendo que "todos podem ser um DJ agora", mas em muitos aspectos, isso é uma coisa boa. A posição de ninguém é mais protegida, apenas por ter estado no jogo, ou ter mais dinheiro para investir em discos. Se qualquer um pode baixar um arquivo zipado das "1000 Maiores Músicas Bashment" ou o que quer que seja, então ele força todos os outros DJs se elevarem no jogo.

Cada vez que tocar fora, temos de provar que o que faz o The Heatwave ser chapado, não é são as músicas que temos, mas como nós tocamos, como vamos construir um seleção, como nós apresentamos, a nossa forma de se conectar com o público no microfone, quando deixamos de lado certas músicas, a nossa forma de mixar, o que temos para fazer com o público. Estas coisas são apenas uma parte grande da cultura sistema de som, de escolher e procurar, ou a construir a sua coleção de discos, se não maior.

dBridge: Eu acho que precisa adaptar às mudanças na tecnologia, mais do que qualquer coisa, e as maneiras novas e interessantes que as pessoas estão mostrando seu som. Em alguns sentidos tornou-se mais fácil configurar e se chamar de sistema de som, e como resultado alguns sounds tornaram-se preguiçosos na sua abordagem. Tem havido uma falta de compreensão, especialmente quando se trata da montagem para o uso de vinil. Não é apenas um caso de colocar alguns toca discos sobre uma mesa e plugar os dois. Especialmente as Technics, que os braços (dos toca discos) acabam indo para trás facilmente.

Mungos Hi Fi: Parece que as raízes estão realmente crescendo. Podemos ver localmente na Escócia, com um monte de novos sounds chegando e acontecendo eventos regulares, mesmo em cidades menores. E vemos quando viajamos para longe, como Peru e Índia, que mais e mais pessoas estão recuperando a vibração e criando a sua própria. Algumas pessoas enxergam isso como algum tipo de apropriação de uma cultura, mas vemos mais como uma continuação do mesmo.

Norman Jay: Mudou radicalmente, mas a partir de onde estou parece que ele está fazendo um retorno, com muito poucos sistemas de som jovens emergindo na cena.

Riz La Teef: Obviamente, os sistemas de som tornaram-se mais avançados com a tecnologia melhorando ao longo dos últimos 10 anos. Acho que agora há menos sistemas de som, do que havia há 10 anos, embora eu possa estar errado. Eu acho que a cultura do sistema de som tornou-se um nicho menor devido à internet, e etc... e gora mais e mais pessoas estão apreciando o benefício de um sistema de som chapado, o que é ótimo.

Ter regulamentos mais rigorosos em torno do volume e clubes fechando em grandes cidades teve algum efeito?

The Heatwave: Os únicos regulamentos de volume que já caimos em desgraça realmente, foi quando alguns bairros se queixaram sobre as sirenes e efeitos que tocamos. Os sistemas de som que tocamos nos parecem ser tão altos e com os graves pesados como sempre. O fechamento de clubes são definitivamente é muito sentida, porém especialmente em Londres pelo que parece. Há muitos lugares onde nós tivemos noites chapadas no passado, e você vê agora, e eles são apartamentos, ou lojas ou estacionamentos.

As coisas são muito mais rigorosas agora - e clubes estão fechando as portas da esquerda à direita, e pelo centro. As pessoas vão para cima de um clube e reclamam do barulho. Mesmo que a 'vibração' criada no clube seja a razão pela qual eles se mudaram para lá. Festivais são a principal na maneira das pessoas experimentarem a música - mas é mais difícil de cultivar jovens artistas em festivais, e também é mais difícil para os promotores mais pequenos, que são apaixonadas pelo sound ganhar dinheiro.

dBridge: Como DJ, sim. Eu tive muito poucos casos da fiscalização voltar com seus equipamentos de medição sangrentos e forçando eventos baixar o volume. A batida sendo feita, eu ficando tenso, a multidão fica irritada, e eles apenas arruinam a vibração.

Mungos Hi Fi: Sim. cultura Sound System ainda luta para ser aceita entre as populações de alvarás e licenças, o que significa que há poucos lugares para 'escapar' com a possibilidade de fazer as sessões livremente. Então novamente, por ter de ser inventivo e buscar novos lugares, e maneiras de fazer as coisas que mantém as coisas atuais, é uma prova do comprometimento de todos os envolvidos - particularmente os que apoiam fielmente.

Norman Jay: Não, não realmente, porque eu sempre tive que cumprir as normas de saúde e segurança em vigor, desde que me lembro. Mas, a fiscalização está impactando sobre os sistemas de som mais tradicionais.

Riz La Teef: Definitivamente, quero dizer que eu vivo em Londres, e perdemos alguns clubes muito decentes nos últimos anos, devido aos regulamentos da fiscalização, promotores imobiliários, etc. Mas ainda existem alguns bons espaços, com bons sistemas de som, por isso nem tudo são más notícias. Talvez seja a hora de desafiar a 'Justiça Criminal' e a 'Ordem Ato Público', a fim de tentar obter um movimento livre partidário, que vai novamente com regulamentos rigorosos nas grandes cidades, mas isso poderia ser um desejo ilusório.

Onde você enxerga a cultura do sistema de som daqui 10 anos? Que tipo de futuro ela tem?

O Heatwave: É tão difícil dizer como as coisas estão se movendo. Isto tem que evoluir para algo em torno de festas/raves, interação online e streaming/download de música. Mas não tenho certeza como vai parecer - talvez alguma versão musical estranha de Pokemon Go?

dBridge: Eu acho que sempre estará por perto, talvez mais agora do que nunca. Os clubes estão fechando, mas as pessoas precisam de um lugar para se divertir, e eles vão encontrar uma maneira. A natureza móvel dos sistemas de som significa wur isto pode ser feito facilmente. Ainda de acordo com um estudo dos United States Library of Congress, o vinil vai durar cerca de 100 anos. Assim como um formato que sucedeu até agora sobre todos que vieram. CDs, arquivos digitais e discos rígidos.

Mungos Hi Fi: a cultura sistema de som em 10 anos, sem dúvida, será maior e mais avançada do que é agora. Então, muitas pessoas falam conosco sobre como fazer suas próprias plataformas, enquanto outros entram para tocar em festas regulares e constroem uma cena - isso é uma coisa real, não é sobre o hype, e é uma base sólida e global.

Norman Jay: Eles vão todos eventualmente estar online e digital, toda uma invenção da nossa imaginação!

Riz La Teef: Eu acho que eles vão continuar a prosperar, como as pessoas sempre vão querer ouvir impulsionando graves na música underground, tocando através de sistemas de peso. Quero dizer sistemas de som foram acontecendo desde os anos 60 e eles ainda estão acontecendo hoje, então eu acho que o futuro é brilhante!

Artigo originalmente publicado @ http://www.thevinylfactory.com/vinyl-factory-releases/sound-system-culture-in-2016/

domingo, 14 de agosto de 2016

A ASCENSÃO DA TECNOLOGIA NA MÚSICA JAMAICANA

O estudante da música jamaicana Frederick R Dannaway fala sobre a ascensão da tecnologia e máquinas - e a mudança do papel do produtor - a partir das raízes do reggae e através do dub até o dancehall digital.

“Computer world, we in a computer world” – Lee Van Cliff (“Computer World”)
[Mundo do computador, estamos em um mundo de computador]

Ritmos Rizomáticos

As raízes do reggae para são profundas nos solos africanos, ressurgindo como filamentos digitais e radículas na criação de dub, dancehall e reggae digital. A complexidade rotativa de instrumentos filtrados através de vários tipos de mixers e efeitos especiais mudou a própria concepção de música. A partir dos quartos de dormir para estúdios profissionais de ponta, o hardware digital está sempre nascendo com novas combinações. O Dub como a sombra mística de versões vocais sempre teve um toque de magia em suas traduções, ecoando com ritmos de one drop. Os produtores são os 'cientistas' e 'professores', 'organizadores', 'doutores' ou 'químicos' em suas receitas de poções de áudio que vibram de seus laboratórios de estúdio.

DUB

Toda música que não é apreciada ao vivo e em pessoa é submetida a introdução em dispositivos de gravação, equipamentos de estúdio, microfones e amplificadores. No entanto, alguns dos equipamentos do estúdio vintage pareciam transmutar as gravações exclusivamente - os produtores modernos tentam voltar a invocar essa assinatura e como a música soava. Portanto nesses períodos musicais, antes das saídas de estúdio, eram definidos pelo ambiente tonal único do equipamento de gravação. Certos equipamentos são lendários, como a Ampex 351, o Santo Graal das artes de gravação. No exterior, a Ampex estava gravando Elvis e The Beatles, marcando a era pelo seu som característico. Na Jamaica foi imortalizado por gravação de grupos como The Wailing Wailers com Bob Marley no Studio One.

Estúdios constantemente atualizam seus equipamentos, seduzido por diferentes sons de instrumentos e cantores, permitindo um canal separado para cada componente e efeito. mesas de mixagem personalizadas e de linha profissional produzidas em linha de produção, combinados com reggae e dub, dando a mixagem uma rugosidade e reforço no processo, em vez de diminuir a precisão geral. O Channel One Studios se graduou com uma Ampex MM1200 assassina de 16 pistas nos anos 80, e a partir de USD 38.000, o console API que Hoo Kim comprou, foi o custo para iniciar o estúdio em 1972. O primeiro lançamento do estúdio, "Can I Change My Mind" por Delroy Wilson era um marco nas paradas e sucesso, e uma mudança marcante na som de ilha, estendendo o domínio do Channel One para a próxima época.

Mesa de Mixagem de King Tubby - Anotações por Chris Lane

A extensão lógica disso é que a própria mesa de mixagem torna-se um instrumento, transmutando certos tons de ecos fantasmagóricos, reverb e delays, que envolvem a música em um quente brilho aural, quase sobrenatural. A magia da mesa de mixagem é permissiva para o overdubbing de instrumentos, como é exemplificado por Freddie McGregor em muitos clássicos Studio One - incluindo a maior parte das produções de Sugar Minott para Coxsone - que revigorou riddims antigos. A mesa de mixagem clássica usada pelo Channel One, a API 1604, é uma obra-prima tecnológica e trabalho de arte que rivaliza com os instrumentos de madeira mais finos em estética e charme - mesmo, ou especialmente, se ele evocar o mesmo design dos controles baseados em filmes de ficção científica dos foguetes.

HOMETOWN HI-FI: HISTÓRIAS DE 5 DOS MAIS INFLUENTES...

É possível visualizar a magia desencadeada sobre as massas na Jamaica em 1968, quando King Tubby e o Hometown Hi-Fi estrategicamente colocaram caixas de som com base em suas frequências, para revelar sua manipulação acidental de versões que deu origem ao gênero Dub. Este foi um momento marcante na música, que elevou o produtor a artista, e o equipamento de estúdio - como a linda MCI modificada, mesa de mistura de King Tubby - para os instrumentos que iriam remixar e reinterpretar a música de uma forma profunda. Os 12 canais, e depois de 16 canais e mais além, mesas de mixagem - como Tubby e Jammy usaram - permitiu que as camadas distintas da música fossem dissecadas (e às vezes mixadas em até quatro faixas), permitindo que o baixo e percussão pudessem relaxar e arder em um minimalismo intenso, paternalizando o reggae digital reducionista do final dos anos 80 através dos anos 90. Deejays que conversam sobre as versões dub minimalistas, era a música rap antes de existir hip hop. As ramificações da música de raiz para as instrumentais versionadas criadas através do dub como seu próprio gênero. A estética do dub na Jamaica na década de 1970, expandiu-se para o electro, house e dubstep. Esta música avant-garde tocada com som, textura, tom e escala como um pintor tentando capturar a luz com sombras e contrastes cromáticos, alterando para sempre a evolução da música.

Deejays que conversam sobre as versões dub minimalistas, era a música rap antes de existir hip hop. A estética do dub na Jamaica na década de 1970, expandiu-se para o electro, house e dubstep.

Dubwise e Otherwise

Um sinal analógico é variável, em comparação com um sinal digital - nascido da tecnologia do circuito de um 'computador' datado no início do século 20 - que é constante e geralmente toma dois níveis. A instrumentação eletro-acústica é datada de meados do século 18, e futurista, a vanguarda oferecia a partir da arte de Russolo - The Art Of Noises até Zinovieff, considerando já o computador em composições já na década de 1960, e em alguns aspectos eles são precursores de muitas das explorações de dub e na música digital. Contemporâneos da mesma tecnologia são os sintetizadores de tubo a vácuo analógicos da década de 1920, como o Trautonium, que utilizou a mesma tecnologia que viria a ser tão cobiçada em amplificadores e teclados, como o órgão Hammond B3.

Lloyd 'Matador' Daley não foi apenas o proprietário de uma das primeiras sound systems, ele também criou e modificou alguns dos mais poderosos Amplificadores KT88 para sound systems no final de 1970, como Jack Ruby Hi-Fi e Joe Chin. Seu equipamento definiu e dirigiu a cultura do soundclash e extinguiu-se a sede de graves claros, profundos e nítidos, mantendo a integridade dos sinais médios e altos. A proeminência da bateria e baixo foi uma forma nascente na produção incial da música digital. Atados com ruídos exóticos e raios lasers encharcados de eco e reverb, iniciado por produtores como King Tubby, Lee 'Scratch' Perry, Joe Gibbs e Michael Campbell.

A psicodelia de certas influências como rock e soul do exterior são encontrados muito cedo na música jamaicana, como no pioneiro Derrick Harriot e "Psychedelic Train" com o The Chosen Few em 1970. Derrick Harriot & The Crystalites, com o produtor Errol Thompson, gravaram músicas vanguardistas como "Bombshell", incorporando vários samplers na composição, embora no álbum Harriot ser creditado com os efeitos sonoros. Microfones de válvula - como o AKG C-12 fotografado em algumas fotos do Channel One - absorver e transmitir sons com uma espessura e pureza perdida, mesmo nos microfones de ponta de hoje, onde o foco em clareza limita o som a certos campos, sacrificando a o sinal substancialmente.

Blackboard Jungle Dub, lançado Lee 'Scratch' Perry em 1973, com a percussão acústica obeah-voodoo, combinada com a tecnologia moderna da época para capturar e criar sons, que usavam jarros de barro com água, que passariam através de phasers e flangers. Ele estava criando paisagens sonoras inter-cósmicas gotejando com modulação, e oscilação de ressonância filtrada, que revolucionou a música em todo o mundo. Falsos começos, fitas rebobinadas, tons nunca usados e comandos vocais para a banda estavam todos perfeitamente integrados na gravação final, tornando a produção quase holográfica, como as introdução com o som de rebobinar as mixagens com o segundo take de gravação. Sirenes, lasers, tiros de lasers sintetizados, efeitos analógicos, e depois o Atari 8-bit digital - tais como aqueles que ficaram famosos por Jack Ruby - foram usados para transitar uma melodia enquanto o registro estava sendo trocado em certas festas, e acabou encontrando seu caminho para a música.

Um pioneiro no Reino Unido foi Jah Shaka, cujo uso do Syndrum Synare 3 e da sirene NJD SE-1, tocavam através de máquinas de eco confortavelmente invadidas pelos riddims de steppers acústicos, bem como Shaka e outras músicas steppers digitais - que ainda permanecem enraizadas na terra e no orgânico. Sirenes e efeitos se tornaram instrumentos importantes em muitos dos álbuns de Shaka e certamente em suas sessões ao vivo.

Os anos 80 e 90 viram as mesas de mixagem com os efeitos incorporados ao lado dos (botões) de frequência mencionados e osciladores de onda senoidal, e os sound systems aproveitaram-se para separar as unidades que abrigavam esses efeitos, conhecidos como máquinas lickshot. Estas máquinas permitiam explorar um sinal escolhido através de diferentes efeitos, velocidades e tons.

Os enfeites do dub com efeitos de feixes de laser e com som de sintetizadores, eventualmente se tornaram o ponto tonal focal das raízes evolutivas do som rub-a-dub do início dos anos 80, que foi incorporando syndrums, overdubs e sintetizadores. O clássico do Studio One "Rub A Dub Style", de Michigan & Smiley acentua o riddim "Vanity" com a acústica do vintage mixado com o sintetizador digital, com sons de pop's e da bolhas enquanto os deejays rimam. Os efeitos sonoros foto-digitais, montados em cima do riddim e, em seguida se tornando o foco central sobre a versão dub instrumental, foi um marco em 1979. Outro marco nesse som foi Jimmy Riley de "Love And Devotion" de 1981 com elementos do pop digital embrionário, caracterizado igualmente no dub por Massive Dread. Produtores como Tubby, Errol Thompson e a manipulação de Lee Perry no dub, é como um negativo de fotografia da trilha acabada, e foi alimentado através de várias máquinas, como o Echoplex, o auto-personalizado reverb Fisher de Tubby, bem como o Bi-Phase da MuTron e o Space Echo da Roland.

O Computador Diz Isso

Muitas vezes eu ouvi jamaicanos mais antigos, como Audley Coxsone na loja do Studio One na Philadelphia, lamentar o desaparecimento da música de raiz quando a música digital "mudou tudo." Em certo sentido, o acústico vs analógico vs debates digitais pode ser comparado a ervas vs sintético drogas ou luz natural vs lâmpadas de halogéneo: seus processos são um pouco artificial ou virtual em essência, ainda orgânica (para citar Jah Shaka, ou seja, "direto da terra"), mas em um domínio que transcende ou transforma a natureza. O uso de drum-machines atrai críticas de alguns puristas, assim como a invenção do metrônomo no século 19. Augustus Pablo o usava para mapear suas batidas em uma máquina de batidas, para ter os padrões combinados pelo baterista Noel Alphonso na bateria eletronica Simmons. E assim, com os primeiros riddims digitais, em que o crepúsculo (ou amanhecer como é o caso), entre o produtor e programador, os padrões digitais foram tocados, não 'loopados' (repetição de um mesmo número de compassos), mantendo um componente distintamente humano para a música. Mas quando o programador é um músico mestre, tais como Sly Dunbar ou Clevie, suas habilidades na bateria e máquinas de ritmos traduzem em software, ao produzir a música quente, complexa e orgânica, enquanto que outros programadores, menos competentes podem criar mais padrões polidos, sons anêmicos e sem qualquer textura. Cortes digitais, como remakes de Dawn Penn na música "No No No", assustadoramente atualizado (e aos meus gostos, é uma versão superior) de Carlton & The Shoes ' "Forever And Always" (ambos produzidos e tocados por Cartlon Manning, e ele remixou sua própria canção) fornecem exemplos de clássicos re-imaginado através do filtro da tecnologia.

SUPER-HERÓIS DO REGGAE :: SLY DUNBAR & ROBBIE SHAK...

Quase todo livro ou artigo sobre reggae digital irá citar o riddim "Sleng Teng" como o primeiro riddim digital. Mas músicas como "Sensi Addict" de Horace Ferguson de (1984), e "Get Flat" de Paul Blake & The Blood Fire Posse, eram essencialmente músicas digitais, embora não tenham sido quebrado o paradigma como o riddim da Casio com a voz de Wayne Smith. As tecnologias em evolução dos osciladores, combinados com frequências filtradas controladas por tensão, que deram origem as lentas flutuações sintéticas de "Sleng Teng", e remontam as primeiras canções de reggae com o Moog infundido. O poeta Mel Cooke, residente erudito do reggae no The Jamaica Gleaner, tem um artigo que tem Redrose alegando que ele e Tubbys, com o riddim "Tempo" antecederam o riddim de King Jammy - quando havia lançado "Sleng Teng". E dizendo; "Nós fomos os primeiros homens a cantar em um (riddim) computadorizado." Redrose continua "foi como ele ter uma das frutas da caixa de loops..."

"A capacidade de montar precisamente um riddim totalmente programado, um riddim automatizado definiu o futuro..."

Não importa quem foi o primeiro, a evolução (ou morte) estava ligada, e a música jamaicana nunca mais seria a mesma. Quase todas as noites, canções 'computadorizadas' no título eram lançadas, com os cantores ostentando que poderiam montar um (riddim) computadorizado e que não poderia - as implicações, senriam que aqueles que se sincronizavam com a nova tecnologia, iriam passar para uma nova era de dancehall, enquanto vocalistas ludicos, iriam se reconciliar e teriam o seu regresso, se "recordando" das antigas festas. A capacidade de montar precisamente um riddim totalmente programado, um riddim automatizado definiu o futuro, e produtores como Jammy, Gussie Clark, Dixon Robert 'Bobby Digital" e Fattis Burrel, marcaram o início de uma nova era. Músicas Nicodemos, Early B, Yellowman e Uglyman inauguraram o tema e as implicações de um mundo que iria se tornar "informatizado". Tão cedo B pondera, "mais computador, menos mão de obra, estas são as palavras de todos os líderes." Ele continua a perguntar: "O que vão fazer com os dez dedos do Sly?" É claro que, fora do dancehall - onde o canto e improvisos feitos em relação às versões no vinil - as riddims digitais iriam receber tratamento orquestral com uma banda ao vivo, e é a mágica para vigiar uma melodia como o riddim "Punani", que foi tocado com uma só mão por um mestre tecladista pioneiro mestre em um show.

Digital Somos Digital

As tecnologias mutantes chegaram à ilha, de ataques reversos afiados e decaimentos naturais de notas, renderam a mesma precisão programada de um hardware militar. O caminho para o som computadorizado tinha sido um disco rígido, de músicos planejando e tocando as batidas em máquinas, e músicas inteiras programadas por software. Insira o domínio de ondas senoidais, ondas quadradas inventadas a partir de tom puro, e serras dentadas de formas completamente desconhecidas na música 'natural'. O salto da fita para o computador e memória MIDI, e a dublagem de gravados (diga-se dubbing), faixas com camadas permitindo combinações quase infinitas e remixes. O sampler e o looping permitiu ao hip hop, técnicas inovadoras de reciclar e reinventar a alma do R&B de seus pais, cortes, scratchs e mixagens junto com uma drum-machine TR 808. Uma inovação, tão evolutiva na história da música como a notação foi para a música clássica, onde as improvisações poderiam ser gravadas, priorizadas e preservadas - e agora tudo na ponta do dedo com programas de computador que realizam instantaneamente tarefas, que levariam horas antes. As grandes bandas e estúdios que foram necessárias para produzir o reggae raiz tornaram-se redundantes. A nova tecnologia democratizou a produção da música, através de pequenos estúdios em pequenos quartos, com um equipamento mínimo que mudaria o som, como o minimalismo de Mad House de Dave Kelly. O solista pode se tornar orquestral com a tecnologia, e qualquer um pode produzir, mixar, comercializar, promover e vender uma canção, e tudo do mesmo laptop.

NA DIREÇÃO DO DIGITAL - BOBBY "DIGITAL" DIXON E O ...

O laptop de 8 bits lo-fi, capturou o reggae em muitos aspectos, e continuou a evolução musical que se apropria de tecnologias em busca de frequências únicas e sonoridades. Estes podem ser de jogos de Atari, ou do Commodore 64 MOS Technology SID que produziu as trilhas sonoras de jogos de videogame, a partir do qual os efeitos são usados para pontuar uma melodia em uma sessão ao vivo. Os softwares Vocoder e Auto-Tune podem ter atingido o pico como uma moda no hip hop, embora perduram de uma forma mais sutil no dancehall; música híbrida africana ragga está saturada com este efeito de produção. Enquanto no seu pior, ele cria e inflige alguns crimes contra a música, nas mãos de alguns artistas - como Gappy Ranks, Busy Signal ou o Fokn Bois e Popcaan - pode embelezar seus talentos existentes, em vez de confiar nele inteiramente para ficar afinado.

É um refrão comum em fóruns na internet e em revistas de reggae que o melhor reggae digital está saindo da Europa - o que é verdade, como os produtores de lá imergem no equipamento da idade de ouro do reggae digital, para suas próprias produções. O reggae digital mais atual de grupos como Mungos Hi-Fi e do Bush Chemists (que inclui a música "Digital Rock" de Brother Culture), induz o mesmo êxtase cerebral que as primeiras canções computadorizadas devem ter sido invocadas em meados dos anos 80 no dancehall maciço na Jamaica. Festas virtuais são profetizadas por Mr. Williamz e Mungos Hi-Fi em "Computer Age", prevendo uma nova era onde o maciço pode conectar-se a simular sessões da Escócia para o Tibete completas com firewalls antivirais.

As raízes digitais e fios da nova geração de produtores têm continuamente atualizado dancehall. Se algumas das letras alienam o público fora da Jamaica, os riddims de produtores como o filho de Freddie McGregor; Stephen 'di Genius' abraçam uma universalidade que cria hits do Brooklyn até Berlim. Com outros produtores como Seanizzle, Notnice e Don Corleon nos controles, o som do dancehall digital irá continuar expandindo sua influência futurista "outernationally' (internacionalmente). Produtores estrangeiros, como russo e Dre Skull trazem seus riddims únicos. para a ilha hibrida de gêneros e mantém as vibrações atualizada e sempre atual. A cena reggae digital explodiu na Europa, provando que todo o mundo vai ser "computadorizado'. E como Brother Culture diz com Riddim Tuffa na atualizada "Digital Rock 2012"; "Riddim computadorizado faz o público arrebentar..."

Links do artigo:

http://www.historyofrecording.com/ampex351.html
http://www.historyofrecording.com/ampexmm1200.html
http://en.wikipedia.org/wiki/Trautonium
http://www.coutant.org/akgc12/
http://en.wikipedia.org/wiki/Obeah
http://www.redbullmusicacademy.com/people/sly--robbie
http://www.redbullmusicacademy.com/people/steely--clevie
http://music-selections.com/2010/11/1985-the-sleng-teng-history/
http://jamaica-gleaner.com/gleaner/20090614/ent/ent7.html

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quarta-feira, 20 de julho de 2016

HOMETOWN HI-FI: HISTÓRIAS DE 5 DOS MAIS INFLUENTES SOUND SYSTEMS

A nova curadora, traz uma nova exposição sobre a história e o significado da cultura dos sistema de som jamaicano, Seb Carayol dá The Vinyl Factory um pouco da história da cena, e apresenta cinco dos sons mais influentes.

Uma breve introdução à Hometown Hi-Fi e da cultura do sistema de som.

A exibição:

Meu objetivo era reposicionar a cultura do sistema de som jamaicano onde ele pertence, no início de todas as práticas da música moderna urbana; DJing, eletro, a arte do remix, você denomina. Muitas vezes, pessoas que não estão no reggae especificamente - especialmente na França, de onde eu sou - tendem a acreditar que tudo foi inventado em Nova York para o hip hop, ou em alguns armazéns de Detroit ou Chicago para o electro. Parte disso foi, parte disso veio de uma pequena ilha no Caribe.

No Reino Unido e nos EUA é bastante diferente: por exemplo, pessoas como James Murphy referem frequentemente a importância da cultura sistema de som jamaicano no que ele se tornou hoje. Ou você tem Andrew Weatherhall que é um aficionado total de King Tubby!

É por isso que eu foquei minha exposição sobre o sistema de som como um instrumento musical real, mais do que apenas no reggae em geral. Em um mundo ideal, o objetivo final seria a de que, quando um local vê uma equipe que passou meses e investiu milhares de dólares na construção de um sistema de som personalizado, a administração entende que é por uma razão. Você diria a Jimi Hendrix, "Claro, a guitarra que você tem é muito legal, mas acabamos de comprar esta nova que funciona muito bem, pode usar a nossa no lugar da sua"?

A história:

É a inventividade nascida da pobreza, em um sentido. Se a Jamaica tenha sido esse país opulento, todo mundo teria comprado seus próprios aparelhos de rádio para suas casas após a Segunda Guerra Mundial ... mas não, só algumas pessoas poderiam ter recursos e aparelhos de rádio, e assim eles se tornaram os lugares onde as pessoas iriam para ouvir a última melodias R&B de estações de rádio de Nova Orleans ou da Florida. E à medida que mais pessoas vieram, isso significava que você tinha que amplificar um ponto, em seguida mais um ponto ... Você tem um cara como Basil Galbraith, que é padrinho da construção de amplificadores na Jamaica, mas ele mal conhecida a qualquer um, e ainda esta vivo e bem.

Há toneladas de histórias assim. Sugar Minott, que basicamente criou um centro de comunitário e social no coração do gueto, em torno de seu Youth Promotion Sound System e selo musical para manter as crianças fora das ruas ... é incrível. Quanto mais você vive, mais você aprende sobre a história do sistema de som, e mais viciado você se torna.

Os Alto-Falantes:

Cada uma das caixas que mostramos (a sub construido a partir do original do "Hometown Hi-Fi" de King Tubby, salvo de um quintal jamaicano onde tinha sido usado como um banco ao longo de décadas, uma outra sub do "The Wasp" e médios de "Sir Harry’s Active Hi-Fi") tem provavelmente uma história - ou para ser mais preciso: é a sorte de ter uma história. Se não fosse por pessoas como Jeremy Collingwood, Nico "Planno" na França ou Tradition Records em Birmingham, a maioria destes conjuntos teria provavelmente se tornado lenha. A Jamaica não tem uma grande tradição de preservar o seu próprio passado, sempre olhando para o futuro, razão pela qual também, a ilha tem sido sempre tão inovadora. A desvantagem é a falta de amor para o "vintage".

O Vinil:

Vinil ainda é muito importante porque os discos são, por vezes, o único traço "limpo" deixado por um registro, especialmente os 45s. Você tem dezenas de jóias que foram prensadas uma vez em pequenas quantidades, cujos selos foram perdidos ou destruídos - o que significa que a única existência física destas canções está no que restou de muitas cópias do real 45.

Com o reinado de arquivos de áudio, os dubplates de acetato físicos, talvez tenham tido um papel menor em termos de exclusividade que eles usaram para cuidar. Mas é a mesma coisa, eles são às vezes o único vestígio de uma (ou nunca lançada) música pré-lançada, ou de uma combinação exclusiva de mixagem em um dia.

Os Cinco Sounds Mais Influentes:

Tom The Great Sebastian, final dos anos 1950, Jamaica

Ele foi o primeiro sistema de som local "conhecido" - pelo menos um dos primeiros a alcançar a fama. O proprietário era dono de uma loja de ferragens e, basicamente, lançou as carreiras de algumas lendas - Count Machuki, Duke Vin. Em uma nota de rodapé, o som foi batizado por causa um trapezista em algum circo! Depois que o proprietário cometeu suicídio no início dos anos 70, um os seus dee-jays (como em "homem do microne" - na Jamaica o dee jay é a quem conversa sobre as músicas, não as toca, o que é trabalho do seletor), Lou Gooden , participou do sound por um tempo antes de se tornar um escritor muito opinativo.

Hometown Hi-Fi de King Tubby, final de 1950 e final de 1970, Jamaica

Porque Tubby revolucionou a qualidade do som, e trouxe o grande U-Roy para a mesa - o pai dos deejays modernos e rappers. Eu não estou dizendo que Tubby tenha inventado oequipamento, é apenas a forma como eles re-propôs todas as artes e importou-o dos EUA, que deu origem a algo novo. Basicamente, sendo um engenheiro eletrônico de profissão, o que lhe permitiu ter o seu aprendiz Scientist, que uma vez o chamou de "uma visão do raio X da mesa de mixagem" - e de equipamentos de sistema de som em geral.

KING TUBBY - O PRODUTOR QUE ...

Volcano, início de 1980, Jamaica

Este sound pertencia ao amante de música, produtor e traficante Henry "Junjo" Lawes, que foi morto a tiros em Londres em 1999. Ele, sozinho, lançou o estilo dancehall, que mais tarde se transformou no ragga. Juntando-se com o engenheiro de som Scientist (outro herói não reconhecido), ele tinha as músicas mais fodas, e os cantores mais fodas, de Barrington Levy até Yellowman, até Toyan...

RANKING TOYAN - HOW TO WEST WON

Killamanjaro, 1990, Jamaica

Difícil escolher um entre os reis dancehall dos anos 90 (poderia ser Stone Love também), mas eu vou ser eternamente grato a Killamanjaro, por ter lançado um álbum com a maioria dos seus "especiais" de Garnett Silk - todos os acordos exclusivos e mixagem chegaram do melhor cantor dos anos 90, que morreu em 1994. Para mim, os sons desta era realmente resumem a cultura do dubplate - canções pontuais com mixagens especiais, onde se deseja regravar uma canção popular com o seu cantor original, mas onde você poderia mudar as letras para eles adorarem o nome de sistema de som em turnê. Ou em muitos casos, destratar o seu adversário em um soundclash.

Jah Shaka, 1990, London

Pura lenda. As histórias são inúmeras, ele atingiu proporções míticas - supostamente ninguém sabe seu nome verdadeiro ... mas todo mundo faz um bocado. Basicamente, ele é o exército de um homem que nunca se desviou dos anos 60, com a tradição de tocar em apenas um toca discos (uma vintage Garrard 4HF) e continuou a tocar a maioria das músicas mais pesadas, com a mensagem pesada que ninguém iria saber onde conseguir, só sabemos mesmo o que esssas músicas eram. Com um testemunho de como o lendárias suas músicas eram, o fanzine Boom Shaka Lacka publicou um artigo de página dupla chamado "100 Melhores Jah Shaka Dubplates" no início dos anos 90 ... Só para ver esta propagação integrada da música, em uma de suas peças de arte, criada pelo artista contemporâneo Tom Sachs, alguns anos atrás!

Por Seb Carayol - Publicado originalmente @ http://www.thevinylfactory.com/vinyl-factory-releases/hometown-hi-fi-stories-from-the-5-most-influential-sound-systems/

sábado, 30 de janeiro de 2016

RETRATANTO AS RAÍZES DA CULTURA DAS SOUND SYSTEM`S BRITÂNICAS

Sound System Culture

The Saxon Sound System Crew, 1983. Foto cortesia da coleção de Maxi Priest

"Uma das minhas primeiras lembranças é a do baixo vindo através das paredes quando eu era uma menina em Huddersfield", ri Mandeep Samra, curadora da exposição "Sound System Culture: London", que abre em 5 de janeiro no The Tabernacle, Notting Hill. "O vizinho costumava fazer essas festas azuis. Eu acho que provavelmente tinha algum tipo de efeito subliminar."

A cultura do sistema de som no Reino Unido tem desempenhado um papel vital na história do reggae mundial. A partir do momento que o jovem imigrante Caribenho "Duke" Vincent Forbes montou seu sistema rudimentar em 1954 em Londres, e começou a tocar ska e calipso nas seleções em volumes de abalar o peito, os sistemas britânicos mantiveram-se na vanguarda do movimento, influenciando muito a cada subconjunto de dance music no Reino Unido desde então.

Explorando a história social da cultura em cidades como Huddersfield, Bristol, Birmingham e, agora, Londres - a turnê exposição "Sound System Culture" oferece uma oportunidade para explorar uma cena que permanece tão vital hoje como nunca.

"A turnê cresceu organicamente a partir da exposição original em Huddersfield," diz Samra. "Ainda que não tenha sido bem documentado em cidades como Londres ou Bristol, por muitos anos Huddersfield teve uma cena próspera, fora de proporção com o tamanho real da cidade. A exposição documenta a vida e as experiências daqueles que estavam envolvidos, em particular pessoas que lançaram as bases para a cena em locais como o Arawak Club e Venn Stree, de lá nós exploramos Bristol e Birmingham, e agora Londres".

A partir de sessões de festas privadas de "blues" todas as noites em terraços em desintegração de West London com um sistema maciço e bares ilegais na década de 1950, para poderosos sistemas como os de Contagem Shelley nos anos 60, e através de sistemas roots dos anos 70 de peso como Jah Shaka e Fatman, e dos anos 80 como os titãs do Saxon, os sistemas muitas vezes, desde um enfoque social para as comunidades de West Indian e em Londres, se fez uma marca indelével na cultura dos graves na Inglaterra.

"Esses sistemas inicialmente surgiram de uma necessidade de um enfoque comunitário", explica Samra. "A primeira e a segunda geração de imigrantes do Caribe foram muitas vezes excluídos dos pubs e clubes. Estas festas foram frequentemente oferecidas em centros comunitários e afins. Para a exposição em Londres, tivemos links com vários sistemas e também trabalhamos em estreita colaboração com o escritor / historiador de reggae John Masouri [autor de Steppin' Razor: The Life of Peter Tosh e Wailing Blues - The Story of Bob Marley's Wailers: The Story of Bob Marley's "Wailers"], que realmente puxou a narrativa junto. Londres foi um assunto delicado porque tem havido um número tão grande de sons que saíram da cidade. Teria sido impossível documentar tudo, mas estamos muito felizes com o que podemos apresentar."

Antes da abertura da exposição, eu me encontrei com John Masouri para falar sobre a cultura dos sistemas de som Londres e a vida no reggae.

VICE: Quais são as suas primeiras lembranças do reggae?
John Masouri: Em 1968, eu tinha 15 anos, eu fui para a minha primeira festa de blues. Isso foi em uma área muito baixa de Nottingham. Já havia uma boa quantidade de pessoas do Caribe lá; Eu acho que foi a primeira geração que ia para a escola com crianças jamaicanas. Eu tinha uma namorada, e seu tio fazia festas de blues, então eu costumava ir lá. Foi muito intimidante, muito emocionante - outro mundo. Fiquei fascinado. Eu me mudei para Londres em 1973 ou 74, quando os primeiros grandes sistemas estavam começando a aparecer no [Notting Hill] Carnaval - Fatman, Coxsone, etc. Foi maravilhoso estar em Londres durante esse tempo; você não tem que ir a festas de blues mais, os sons seriam tocados em salões e clubes adequados e centros comunitários, e eu tinha idade suficiente para entrar. Mas uma coisa que eu notei foi que as coisas estavam mais racialmente carregadas em Londres. Era certamente mais amável do que tinha sido nos Midlands. Eu acho que, em parte, que é apenas estar em Londres, no entanto: Londres era muito mais competitivo entre os vários sistemas, e eles foram os primeiros a entrar com material de conscientização que estava acontecendo no momento.

O assédio da polícia estava vindo forte naquela época também. Muitas vezes você estaria em lugares e a polícia iria atacá-los e todo mundo buscav fechar o sistema, fechar o clube ... Mas você meio que se acostumou com que aquilo tornava-se parte da experiência. Onde quer que os jovens se reunissem para ter um hora de lazer há sempre alguém que quer estragar tudo, sabe?

Eu acho que é certamente uma forma primária de experimentar roots reggae. Mas ele vai voltar muito mais longe, até mesmo os caras do som iniciais, como [Vincent] "Duke Vin" [Forbes] no início de 1950, ele estava fazendo o edifício trepidar, fazendo gesso cair do teto nas festas de blues que ele estava tocando ; sempre foi uma grande parte da música. Esses caras de som, que começaram, eram sempre muito competitivos em todas as áreas, sempre estavam procurando as melhores e mais exclusivas gravações; obter as melhores MC’s no microfone; ter a melhor fidelidade de som; sendo o mais alto sem distorcer. Eles mostraram valentia em projetar o som e começar tudo, construindo com as especificações adequadas.

O volume foi certamente parte disso, mas eu acho que, talvez, tornou-se um excesso de destaque no final da década de 70. As festas de blues iniciais, eram usadas para ser lugares onde as pessoas se encontram; não apenas dançam e se divertem por um bom tempo, mas também compartilham as notícias de qualquer parte que vieram do Caribe. Eles não estavam necessariamente inclinando maciçamente para o volume, porque as pessoas gostariam de socializar também. Mas no momento, nos meados dos anos 70, você tinha a sua volta sons como Jah Shabba e Fatman, que foram absolutamente matadores com volume. Isso foi uma verdadeira experiência do que você por sentir, isso em um sentido corporal.

Austin "Spiderman" Palmer, fundador do The Mighty Jah Observer Sound System, no Sottotetto Sound Club, Bologne, Italy, Outubro 2011. Foto © Rita Verde

O chacoalhão no peito.
É quase como se o som habita-se seu corpo inteiro. Você se torna uma extensão das próprias caixas de som, em um sentido. E eu devo admitir, porque eu posso dizer que você o ama, bem, Harry - não há nada como a sensação de ser tomado. É como o Invasion of the Body Snatchers [risos].

Você pode me dizer um pouco sobre o que aconteceu com a cultura sistema de som na Inglaterra durante os anos 80?

Os anos 1980 foram a melhor década de sempre para reggae neste país; foi essa enorme explosão de talento, não apenas em Londres, mas em todo o país. Houve essa explosão de bandas roots em todo o lugar. Quando fitas-cassetes de sons da Jamaica - se tornaram muito populares, de repente você tinha uma situação onde o cantores nascidos na Inglaterra – que frequentaram escolas inglesas, tinham incorporado elementos dos sons jamaicanos. Você tinha contadores de histórias reais emergindo. Dubplates tornaram-se menos importantes; o desempenho dos DJs e cantores assumiu. Essa foi uma geração tão talentosa com MCs e cantores em sistemas como o Saxon.

Em 1984 Papa Levi teve um hit número um na Jamaica com "Me God Me King". Isso nunca tinha sido feito antes, na verdade, nunca foi feito, mas foi incrível. Um indivíduo novo do sul de Londres, de Lewisham, que aprendeu seu ofício em clubes de jovens locais, e de repente ele tem um hit número um na Jamaica - a casa dos sistemas de som de reggae, a casa da cultura reggae. Para realmente testemunhar DJs e MCs jamaicanos serem forçados em ter o pé atrás e, em seguida, e tomar estilos que originaram no Reino Unido, foi um verdadeiro ponto de orgulho se você estivesse no meio de tudo naquele ponto.

The Saxon Sound System Crew, 1983. Foto cortesia da coleção de Maxi Priest

Por que você acha Inglaterra cultivou um movimento tão forte?
Em primeiro lugar, tivemos uma maior concentração de imigrantes de West Indian. Em segundo lugar, eles trouxeram a cultura com eles. Não era uma comunidade insular, e, embora é claro, havia o racismo cotidiano e o racismo institucionalizado, e eu nunca iria negar que, na minha experiência pessoal [crianças inglesas e crianças de West Indian tinham muito em comum]. Haviam tantos elementos que poderiam compartilhar como amigos; foi um ajuste fácil e havia também um monte de relações inter-raciais acontecendo. E as comunidades da classe trabalhadora na Inglaterra, sempre tiveram grande amor pela música soul americana e rock 'n' roll americano. Sempre houve essa apreciação da música - que sempre foi um dos nossos pontos fortes como nação.

Onde quer que as pessoas do Caribe se estabelecessem, a partir dos anos 50 em diante, uma cena musical iria se desenvolver. Foi, talvez, mais fácil nos anos 70 porque havia muitos mais facilidades. Ao contrário de hoje, você tinha um excedente de habitação social; um monte de festas aconteciam em centros comunitários; havia muitos salões de igreja, clubes juvenis... Existiam muitos lugares onde a música poderia florescer e criar raízes. Havia um monte de bandas começando, por isso foi capaz de se espalhar. Eu não estou dizendo que sempre foi fácil, mas as instalações foram naquela época de uma forma, talvez, que eles não são hoje.

Sim, Londres mudou uma quantidade enorme desde então; parece cada vez mais difícil para os locais no clima atual. Como isso afetou a cena sistema de som?
Vou te dar um exemplo: agora é extremamente caro para um sistema tocar no carnaval. As reclamações de moradores nos últimos anos significa que cada sistema tem de fornecer um nível de segurança fora de seu espaço, que é caro. Veja Sir Coxsone, por exemplo. Ninguém paga eles para tocar em Notting Hill, mas eles têm que contratar uma van para levar o sistema até lá; eles têm de pagar os técnicos de som que podem ser seis ou sete pessoas, que têm de pagar os seguranças; eles têm que ser responsáveis pela coleta do lixo, todas estas coisas. Isso custa uma quantidade enorme de dinheiro.

Houve um período na década de 80, quando tivemos o GLC sob Ken Livingstone, e ele estava muito pró a comunidade do Caribe, a favor da arte do Caribe. O GLC iria sediar uma série de shows nos parques e nas prefeituras. Foi um tempo muito progressivo, um tempo muito interessante a esse respeito. Mas quando Thatcher chegou, teve o mesmo tipo de pensamento repressivo de direita que temos agora. E isso nunca é bom para a música.

Conte-me sobre a colocação da exposição de Londres juntas, era difícil controlar as pessoas que chegavam que haviam se envolvido com os sistemas mais antigos?Inicialmente, tivemos de lançar nossa rede em torno de Londres, ver quem realmente tinha fotografias, que era a coisa principal. Nós não queremos usar apenas imagens de fotógrafos reconhecidos; queríamos as fontes das fotografias que tinham sido tiradas em torno dos próprios sistemas, mas não foram compartilhadas publicamente. Essas fotografias dão um tipo diferente de visão, e estamos com a sorte de ter uma grande exposição. Mas o que logo descobrimos é que um monte de caras mais velhos, dos sounds, não tiravam fotografias no passado, ou eles não são familiaridade com o computador, ou eles podem não estar por aqui mais – são cenários como esses.

Havia alguns sistemas antigos que eu realmente queria ter representado, mas não havia absolutamente nenhuma fotografia. Às vezes as pessoas me diziam: "Por que você não tirava fotografias nas festas, então?" Como um homem branco? Em uma festa de blues? As pessoas pensavam que eu era um policial já, ainda mais se eu tivesse uma câmera sangrando no meu pescoço [risos]. Nos anos 70 não havia nenhuma maneira de você sair correndo por aí enfiando uma câmera na cara das pessoas. E a outra coisa era que, naqueles dias em Londres, muitas pessoas não tinham uma câmera decente própria. A fotografia era algo que você realmente não fazia, no sentido moderno.

Mas eu acho que é incrível que as pessoas como Mandeep - que são de uma geração- que tem um enorme interesse nesta cultura jovem e estão preparados para assumir os riscos e colocar em exposições como esta. Eu vejo isso como uma coisa muito positiva. Eu gostaria de ver mais livros, mais filmes, mais exposições para realmente impressionar as pessoas, em especial, como esta cultura era e como continua a ser impressionante. A influência da cultura dos sistemas de som em todo o mundo é enorme agora. Estamos vendo sistemas na América Latina, África, Extremo Oriente. Nós nunca poderíamos ter imaginado que estas coisas estariam acontecendo, mesmo 20 anos atrás.

"Sound System Culture: London" abriu em 5 de janeiro no The Tabernacle, Notting Hill.

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