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sábado, 6 de fevereiro de 2021

OS ÁLBUNS DE BOB MARLEY


Poucos ícones musicais são tão onipresentes quanto Bob Marley. Com sua banda The Wailers, ele transcendeu gênero e até música para se tornar uma figura ícone de rebelião e unidade. Antes da triste morte do cantor em 1981 pelas mãos de um câncer de pele, Marley construiu uma carreira que não apenas brilhou com o talento de um músico além de sua idade, mas também com a mensagem de esperança, amor e paz que havia sido tão prontamente esquecida.

A imagem e a iconografia de Bob Marley são tão percorridas que pode ser fácil cair na armadilha de pensar que você sabe tudo sobre ele. Pensando nisso, graças ao saber os versos de "Three Little Birds" de cor, você pode escrever um imenso catálogo antigo com um bufo de escárnio que rotula o gênero. No entanto, seja você um fã de reggae ou não, conforme examinamos o cânone de trabalho de Marley, podemos ver que seu valor vai muito além de ser o pôster favorito de dormitórios universitários que procuram chatear seus pais.

Formando os Wailers no início dos anos 1960, ao lado de Peter Tosh e Bunny Wailer, Marley flertou com os sons da época para criar uma proposta totalmente nova. Brincando com o skiffle de ska que enchia sua cidade natal de Kingston Jamaica, o trio embarcou na criação de canções que não apenas colocaram as pessoas na pista de dança, mas também as encorajaram a se unirem na sociedade.

No final dos anos 60 e com uma nova década se aproximando, Marley e a banda focaram seu som em algo mais único. Um híbrido de reggae tradicional com o lirismo cúmplice de um som de rock rebelde, o cantor havia encontrado um nicho do qual ninguém poderia tirá-lo. No momento em que os anos 70 realmente chegaram, Marley e sua banda estavam se tornando sensações em todo o mundo, pois seu reggae e som polido fornecia uma pausa para um mundo em fluxo.

Marley sempre desafiou a si mesmo e seu público de forma criativa ao longo de sua carreira relativamente curta. Fez discos que exigiam atenção, discos que eram políticos ou destinados a uma festa. Ele fez uma música que faria sua alma estremecer e sua mente reverberar com suas filosofias simples, mas atraentes, sobre a vida. Sua visão de vida fez dele um herói cultural profundamente enlutado quando morreu em 1981.

Abaixo, estamos comentando os álbuns de estúdio de Bob Marley e classificando eles em ordem de grandeza, do 'pior' para o melhor.

13. Confrontation (1983)

Lançado dois anos após a morte de Marley em 1981, a coleção póstuma de fragmentos de canções e fragmentos de sessões de estúdio provavelmente nunca se igualaria aos trabalhos anteriores de Marley.

Em vez disso, o que temos é um álbum cheio de 'e se'. As canções não são apenas uma coleção de faixas remanescentes de suas sessões de gravação nos anos anteriores, mas uma visão do que estava por vir para Marley. Claro, há também a adição muito válida de 'Buffalo Soldier' ​​que torna o LP valioso por si só.



12. The Best of The Wailers (1971)

Não, não é um álbum de grandes sucessos. Talvez um aceno de sua crescente autoconfiança, os Wailers lançaram The Best of The Wailers em 1971, que compilou o trabalho de suas sessões antes de chegar até Lee 'Scratch' Perry.

O álbum veio depois que o The Wailers tinha acabado de marcar dois álbuns de sucesso depois de trabalhar com Perry como produtor. Procurando lucrar com seu sucesso, eles compilaram canções para esse álbum e o lançaram. Isso empalidece em comparação com seus primeiros trabalhos, mas ainda fala muito bem de todos os envolvidos.


11. The Wailing Wailers (1965)

O álbum de estreia do trio crescente The Wailers é, como tem sido o caso da lista até agora, uma coleção de canções reunidas em vez de uma sessão robusta de canções. Como tal, o álbum carece de uma direção real e, em vez disso, mostra a promessa em mãos ao invés do talento refinado.

Existem algumas escolhas de músicas estranhas no álbum também, com um cover de 'What's New Pussy Cat?' sentindo-se particularmente deslocado. Há, no entanto, uma versão raramente ouvida do hit seminal de Marley 'One Love', que seria reativada em seu álbum Exodus de 1977 - mais sobre isso depois. Mas, se você está procurando um disco de reggae, não vai encontrar aqui, esse disco é puro ska.

10. Soul Rebels (1970)

Os Wailers não começaram a cozinhar com gás até conhecer Lee 'Scratch' Perry em 1970. Juntos, eles produziram pelo menos dois álbuns clássicos, dos quais Soul Rebels de 1970 é um deles. A produção esparsa fornece um pouco de textura extra para Marley e o som universal da banda.

O LP marcou Marley e os Wailers como vozes de uma nova geração. Soul Rebels chega perto de confirmar tudo o que estava à espera de Marley. É um estilo e um som que eles aperfeiçoariam, cultivariam e compartilhariam com todos que pudessem.


9. Survival (1979)

Em 1979, o trem da badalação de Bob Marley havia saído da estação de verdade. A mensagem de amor e união de Marley estava começando a se estabelecer em todo o Reino Unido e lentamente nos Estados Unidos. A Grã-Bretanha, especialmente, havia encontrado uma voz que merecia ser seguida em Marley e estava ansiosa para adotá-lo como seu novo ícone cultural, aprofundando ainda mais sua conexão com Londres.

Seguindo Kaya , um álbum que era mais sobre a vibe do que qualquer outra coisa, Marley fez uma declaração com a Survival . Seu registro mais obviamente político inclui faixas poderosas como 'Africa Unite' e 'Ambush in the Night'. Marley voltou à Jamaica após seu exílio em uma grande cortina de fumaça e percebeu as verdades que o aguardavam lá.

8. Rastaman Vibration (1976)

Com o rock como a escolha de Marley como inspiração musical, ele voltou sua atenção para adicionar seu próprio estilo de rock à sonoridade do reggae. Foi um movimento astuto que mostrou que Marley não era apenas um mensageiro profético de amor; ele também era um empresário.

O álbum se tornaria o único álbum entre os dez primeiros de Marley, além de dar a ele seu único single de sucesso com 'Roots, Rock, Reggae'. Isso mostra que, embora Marley fosse amplamente adorado em todos os lugares, ele ainda lutava para alcançar um público mainstream enquanto estava vivo. Há um poder sutil na vibração do Rastaman que sugere que Marley era muito mais astuto do que muitos acreditam.

7. Uprising (1980)

O último álbum de estúdio que Bob Marley criou sempre deve pesar muito sobre sua carreira. Enquanto Survival foi um dos álbuns mais políticos de Marley, Uprising mostra o cantor alcançando Deus em seu LP mais espiritual.

Mas nem tudo é gospel. Em vez disso, este álbum se alinha quase perfeitamente com os valores do Rastafarianismo. Construído a partir do amor de Deus, bem como de músicas divertidas, o álbum estabeleceu e solidificou a reputação de Marley. O LP termina com 'Redemption Song', um final digno para qualquer álbum. É a maneira mais linda de terminar uma carreira.


6. Kaya (1978)

Nove meses depois de Exodus , o álbum que possivelmente lançou a carreira de Marley na estratosfera, o grupo voltou com o álbum seminal de 1978 sobre erva e sexo; Kaya. O álbum anterior incluía uma mistura inebriante de mensagem política e canções de amor, mas esse álbum vai direto para a pós-festa.

Marley reduziu seu som forte em favor de algo um pouco mais leve. Jams descontraídas se tornaram a principal instrução sonora, e Marley era o melhor em fazer tudo com autenticidade. 'Is It Love' é a música de destaque do álbum, e se encaixa no tema como seria de se esperar. Se você está procurando a introdução mais fácil de por que Marley é um ícone, este é o álbum para revisitar.

5. Soul Revolution (1971)

O segundo álbum The Wailers produzido com Lee 'Scratch' Perry é sem dúvida o momento em que eles saltaram alguns degraus. Após a parceria a banda começar a se afirmar como os líderes da revolução do reggae com o rock. Ainda é um som cru e emotivo, mas Perry continua a refinar seu talento aqui, e isso fica evidente.

É uma mistura genuinamente cativante de ska, reggae e rock 'n' roll que atua como a introdução perfeita para Marley e a banda. O álbum apresenta alguns dos primeiros passos reais de Marley na composição também, incluindo canções como 'Kaya', 'Lively Up Yourself'' e 'Trench Town Rock' que brilham.


4. Burnin ' (1973)

1973 viu dois álbuns de Bob Marley e The Wailers - este é o último daquele ano, e é positivamente repleto de beleza e ritmo vibrante. O álbum sofreu uma mudança de postura quando o The Wailers se tornou Bob Marley And The Wailers, seguindo o crescente domínio do cantor sobre sua produção criativa.

Para confirmar sua passagem de cantor a líder do grupo, o álbum incluiu canções como 'I Shot the Sheriff'' e 'Get Up, Stand Up' que, até hoje, atuam como momentos marcantes na música. Com o lançamento deste álbum, Bob Marley havia se tornado o rei ungido do reggae e, a julgar pelo álbum; ele parece mais do que feliz em assumir o trono.


3. Natty Dread (1974)

Depois de abandonar os confortos com os fundadores originais Peter Tosh e Bunny Wailer e escolher sair por conta própria, Marley lançou seu álbum de 1974, Natty Dread, com aclamação da crítica. O álbum é um dos mais robustos de Marley, compilado com as canções que mostravam que ele sempre esteve destinado a estourar por conta própria.

O single de 1971 'Lively Up Yourself' foi apoiado por 'Them Belly Full (But We Hungry)' e 'Rebel Music', bem como o hino 'No Woman, No Cry'. A música é um exemplo perfeito da escrita de Marley - não só é emocionante e emotiva, mas também salta de todas as maneiras certas e pode convencer qualquer opositor de que o reggae vale mais do que seu peso.


2. Catch a Fire (1973)

Este foi o álbum que enviou Bob Marley e os Wailers para a estratosfera. Enquanto as canções foram todas compostas pelo grupo, o chefe da gravadora e o produtor do álbum Chris Blackwell se encarregaram de ter o instrumental dobrado (com overdubs) por músicos ocidentais. Isso tornou o álbum mais palatável para o público e, portanto, elevou a banda à fama.

De forma inovadora em sua gravação, o LP é um dos momentos mais pertinentes de toda a década de 1970. Embora muitos álbuns de Marley sejam imbuídos de músicas de alta qualidade, este álbum é uma introdução holística a tudo que é ótimo sobre Bob Marley. Rico, texturizado e sempre autêntico, Catch a Fire é quase perfeito.


1. Exodus (1977)

Depois de uma tentativa de assassinato foi feita contra Marley em sua casa em Kingston, ele escapou das garras da morte e foi para Londres para uma híato. Enquanto ele estava lá, o cantor começou a escrever seu álbum mais triunfante, Exodus. É certamente o álbum mais famoso que ele já fez, e há uma boa razão para isso - é de longe o melhor.

Algumas das melhores canções do cantor também podem ser encontradas no álbum, 'Waiting in Vain', 'Jamming', 'Three Little Birds' e 'One Love', todas estão no álbum. É um álbum que grita a qualidade de Marley tanto no estúdio quanto com a caneta. O cantor provou em Exodus que era um superstar em espera.

É um registro histórico que merece seu lugar no topo de todos os álbuns.


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sábado, 23 de janeiro de 2021

KEN KHOURI E A FEDERAL RECORDS

Ken Khouri nasceu na Paróquia de Santa Catarina em 1917, filho de pai imigrante libanês e mãe de origem cubana, cresceu em Richmond e Highgate. Sua família trabalhava com armarinhos e móveis. Ele se mudou para Kingston quando jovem e ingressou na empresa de varejo E.A. Issa and Brothers Limited que possuía jukeboxes operando em bares de rum em toda a ilha. A empresa pertencia à família Issa, que eram amigos de sua família, e lá ele aprendeu sobre o negócio da música. 

Quando seu pai precisou de tratamento hospitalar especializado, ele voou com ele para Miami, Flórida, e por acaso ouviu alguém vendendo uma máquina de gravação de discos (acetatos). Khouri comprou a máquina e os discos e voltou com eles para Kingston, onde em 1947 montou um serviço de gravação de voz. Khouri fez gravações de bandas locais e, como não havia instalações de prensagem de discos na Jamaica, ele as enviou ao Reino Unido para serem prensadas. 

Percebendo as possibilidades comerciais, ele decidiu abrir um negócio de gravação de música e viajou para a Califórnia para adquirir o equipamento de que precisava para montar sua própria fábrica. Tendo até então tido discos prensados nos Estados Unidos, ele também montou uma fábrica de prensar discos de vinil no início dos anos 1950, e começou a prensar cópias de discos americanos sob licença dos direitos autorais.  Inicialmente, Khouri lançou principalmente música mento e calypso, posteriormente gravando as primeiras músicas de ska e rocksteady.

No início dos anos 1950, ele montou o selo Times Record Limited com Alec Durie, dono da loja Times em Kingston, e começou a produzir Mento com músicos locais, a primeira vez que isso foi feito na Jamaica. Uma de suas primeiras gravações foi "Naughty Little Flea", de Lord Flea. Os discos prensados ​​por Khouri e outros como Stanley Motta ajudaram a criar a era de ouro da música mento e a levaram para um novo público.

A Times Records Limited foi renomeada como Federal Records no início dos anos 1960.


A empresa foi uma potência durante as décadas de 1960 e 1970. Ken Lazarus, Ernie Smith, Ken Boothe, Pluto Shervington, guitarrista Ernst Ranglin, Don Drummond, Winston Turner Quintet, Eric Grant Orchestra, Gladstone Anderson, Cecil Lloyd, The Maytals, Eric Morris, Granville Williams Orchestra, Delroy Wilson, Marcia Griffiths, Bob Andy, Derrick Harriott, Tinga Stewart, Roland Alphonso, John Holt, The Meditations, John Jones, Eddie Lovette, The Zodiacs, Byron Lee e The Dragonaires, Archie Lewis, foram apenas alguns dos artistas que gravaram canções de sucesso lá. [13] [14] [15] [16]

Em 1965, o cantor Hopeton Lewis gravou seu hit rocksteady "Take It Easy" na Federal Records, geralmente reconhecido como o primeiro single rocksteady gravado. O estilo de batida mais lenta e baixo desse novo gênero rocksteady se tornou a escolha dos foliões na Jamaica em vez do Ska baseado no jazz. Isso levou Khouri à criação do selo Merritone em 1966.  Dentro da Federal Records. Merritone foi bem-sucedido e influente, embora tenha vida curta. 

Khouri contratou o cantor americano Johnny Nash para gravar música jamaicana, produzindo seu primeiro hit internacional "Hold Me Tight" em 1968, que vendeu seis milhões de cópias globalmente e colocou o reggae nas paradas americanas.

Bob Marley gravou seu primeiro single "Judge Not" em 1962 na Federal Records. Jimmy Cliff também gravou sua primeira faixa em 1962 nos estúdios Federal para o sistema de som de Count Boysie, que, por sua vez, iria tocar a faixa em bailes, embora o single nunca tenha sido lançado. 

A versão reggae do artista jamaicano Ken Boothe da canção "Everything I Own" foi lançada em 1974 pela Federal Records e alcançou o número um nas paradas de singles do Reino Unido em 26 de outubro de 1974, e permaneceu no topo das paradas por três semanas. 

Algumas cenas do filme The Harder They Come, de 1972, foram filmadas no Federal Studios.  

Em 1981, Khouri vendeu o estúdio e seus direitos comerciais para a gravadora Tuff Gong Records de Bob Marley, propriedade da esposa de Marley, Rita, que mudou o nome de Federal Studios para Tuff Gong Recording Studios.

Khouri foi descrito como um pioneiro e visionário. De acordo com Lloyd Bradley (em seu livro Bass Culture), sem Khouri a "... nova indústria [de produção de discos jamaicana] provavelmente teria nascido morta. Ken Khouri sempre seria uma figura central: qualquer um que tivesse uma música em seu cabeça poderia vir a Ken para gravá-la ... e ser pressionado a tudo o que ele pensasse que poderia vender." 

O engenheiro de gravação e fundador da Island Records, Graeme Goodall disse: "Se há um denominador comum em tudo, não no que diz respeito ao conteúdo musical, mas em todo o processo [de desenvolvimento da indústria fonográfica jamaicana], esse foi Ken Khouri , Papa Khouri. Porque foi ele quem teve a visão de desenvolver a indústria, sabe, construir o estúdio, construir a fábrica de prensagem. Ele era um empresário libanês muito bem-sucedido, mas quer dizer, ele foi o alicerce de tudo isso." 

Em uma entrevista, ele comentou sobre sua falta de reconhecimento na indústria musical jamaicana, afirmando que além de alguns não-jamaicanos e alguns antigos associados como Prince Buster ou Pluto Shervington: "Ninguém nunca diz obrigado ... Eu prefiro que você não diga, mas estou decepcionado, especialmente com o Governo, por não reconhecer minha contribuição.” 

Em 2001, ele foi introduzido no Hall da Fama da Fundação para o Desenvolvimento das Artes e Cultura do Caribe e, antes de sua morte, recebeu a medalha de prata Musgrave por suas contribuições para a indústria musical. Ele morreu em Kingston em 2003, aos 86 anos. 

Bibliografia;



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quinta-feira, 21 de janeiro de 2021

KING TUBBY 'MOST NOT BE FORGOTTEN' - A VIDA DA LENDA SERÁ CELEBRADA COM SHOW E NOVO ÁLBUM DUB

Osbourne ‘King Tubby’ Ruddock

King Tubby, que é considerado o inventor do conceito do remix, foi morto em 6 de fevereiro de 1989, fora de sua casa em Duhaney Park, em St. Andrew. Ele estava voltando de uma sessão em seu estúdio na Drumalie Avenue em Waterhouse.

É no dia 6 de fevereiro o aniversário de grandes nomes do reggae como Derrick Harriot e Bob Marley que a vida de um gênio musical foi extinguida. O produtor musical e engenheiro original Osbourne ‘King Tubby’ Ruddock foi baleado e morto naquele dia de fevereiro de 1989, fora de sua casa em Duhaney Park, St Andrew. Ele estava voltando de uma sessão em seu estúdio na Drumalie Avenue em Waterhouse.

Passando três décadas, a vida e o legado de King Tubby, cujas inovações revolucionárias no estúdio o viram “elevar o papel do engenheiro de mixagem a uma fama criativa anteriormente reservada apenas para compositores e músicos”, serão celebrados de forma gigantesca. Paul Scott, o promotor do show King Tubby, ‘Sound System Club Presents: Firehouse Crew and Friends Tribute to King Tubby 31 Years Since his Passing', é inflexível ao afirmar que a grandeza de King Tubby não deve ser esquecida.

“O evento está sendo planejado para reconhecer as contribuições de King Tubby para a música reggae e música eletrônica em todo o mundo. O evento é um apelo para que King Tubby seja homenageado com distinção e destaque sua contínua representação interminável do maior atributo da Jamaica: a música reggae. Assim que comecei a viajar pelo mundo, meus olhos foram abertos para o respeito concedido a King Tubby e suas criações musicais”, diz Scott, ex-gerente de negócios de Tubby, ao The Gleaner.

HOMENAGEM AO KING TUBBY

Paul Scott - Organizador e ex agente de King Tubby. 

Um evento virtual, que será transmitido ao vivo do estúdio do King Jammy em Waterhouse em 27 de março e verá apresentações do The Firehouse Crew, a banda que se orgulha de que sua carreira começou com King Tubby; participaram do evento o protegido de Tubby, Anthony Redrose; o saxofonista Dean Fraser; e os cantores Courtney Melody, Thriller U, Duane Stephenson e Miriam Simone do Suriname. A banda The Firehouse Crew estará lançando um álbum dub, Tribute To King Tubby, especialmente para o evento.

King Tubby, cujos dubs se tornaram a trilha sonora daquela época, tornando-o uma figura de imensa influência, é freqüentemente retratado como alguém vestido de humildade. Scott compartilhou com o The Gleaner que King Tubby era “muito quieto e estudioso” e gostava de ouvir um pouco de jazz, de preferência de Thelonious Monk, no final do dia. George Miller do Firehouse Crew concordou. “Ele não era muito falador. Ele era um gênio. Tubby era uma pessoa calorosa que foi nosso mentor e padrinho”, declarou Miller.

A jornada musical de King Tubby começou quando ele tinha 17 anos e dirigiu seu próprio sound system, o Tubby’s Hometown Hi-Fi em 1958. Ele atraiu U-Roy e Dennis Alcapone, que eram os DJs que cantavam no sound system. Mais tarde, ele se aventurou no mundo da engenharia de estúdio e se tornou excepcional no que fazia. Curiosamente, o trabalho pioneiro do engenheiro de estúdio como eletricista é frequentemente citado como uma das razões de sua experiência no campo da engenharia de som. Diz-se que seu conhecimento de circuitos e equipamento bruto remodelaria a paisagem musical. “O fato de ser eletricista influenciou os sons que ele criou e o conhecimento dos equipamentos com que ele trabalhou. Ele não apenas fez o equipamento eletrônico, [mas] ele poderia mudar a maneira como eles operavam para dar a ele o som que ele queria”, explicou Scott.

Tubby, que conquistou a realeza com sua capacidade de inovação, usou seu pequeno estúdio na comunidade musical de Waterhouse para produzir um som totalmente novo que “redefiniu a música popular jamaicana nas décadas de 1960 e 1970”. E, de acordo com Scott, King Tubby estava ciente de sua própria grandeza. “Sim, mas ele não se gabava disso. O título 'Rei' veio de sua inovação e do comando que ele tinha sobre os aspectos criativos do dub, que ele transformou em uma forma de arte”, elaborou Scott.

LEIA TAMBÉM; KING TUBBY - O PRODUTOR QUE TRANSFORMOU O DUB EM FORMA DE ARTE... GUIA PARA INICIANTES

Segundo uma de suas biografias, King Tubby pode ser considerado o inventor do conceito do remix, que mais tarde se tornou comum na produção de dance e música eletrônica. Seu dub mais famoso e um dos mais populares de todos os tempos foi King Tubby Meets Rockers Uptown de 1974. Diz a lenda que a sessão original foi para uma música de Jacob Miller chamada Baby I Love You So, que apresentava o baterista de Bob Marley, Carlton Barrett, tocando um ritmo tradicional 'one drop'. Quando Tubby completou o dub, que também contava com Augustus Pablo na melódica, a bateria de Barrett se regenerou várias vezes e criou um ritmo totalmente novo, que mais tarde foi marcado como "rockers". Esta faixa seminal também apareceu mais tarde no álbum de 1976 de Pablo de mesmo nome, King Tubby Meets Rockers Uptown.


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quinta-feira, 17 de dezembro de 2020

JUNIOR DREAD - 4 SONGS VOCAL PACK

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JUNIOR DREAD - 4 SONGS VOCAL PACK - 150€ 

Com 4 vocais de 4 músicas

2 clássicos e 2 canções inéditas do Junior Dread, além de um vocal Soul Rebel do Marley.

Você pode remixar ou criar sua própria versão, distribuir e monetizar em todas as plataformas de streaming apenas adicionando Junior Dread como compositor.

Também permite prensar vinil sem pagar royalties por um ano. Após um ano nos dividimos de acordo com cada projeto.

Se você fizer o pedido até este fim de semana você terá 2 vocais 'Wonderful Feeling' e 'Soundsystem'.

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JUNIOR DREAD - 4 SONGS VOCAL PACK

Clique aqui para ver esse post em português

JUNIOR DREAD - 4 SONGS VOCAL PACK - 150€ 

With 4 vocals from 4 songs. 

2 classics and 2 unreleased Junior Dread songs, plus a soul rebel marley vocal.

You can remix or create your own version , distribute and monetize on all streaming plataforms just adding Junior Dread as a composer.

It also allows you to press vinyl without paying royalties for one year. After one year we split according to each project.

If you order till this weekend you get 2 vocals

'Wonderful Feeling' and 'Soundsystem'.



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domingo, 13 de dezembro de 2020

O QUE É MASTERIZAÇÃO DE MEIA VELOCIDADE E POR QUE ISSO É IMPORTANTE?



Um dos aspectos mais bem-vindos do retorno do vinil à proeminência do mercado, é o aumento do interesse do consumidor em como os discos são realmente feitos. Mais do que nunca, os fãs de vinil estão bem versados ​​sobre as melhores impressões e versões de qualquer álbum, as melhores instalações de impressão e até mesmo os engenheiros mais confiáveis.

Mas quando um produto de nicho se transforma em um gerador de dinheiro, as palavras da moda começam a voar. Só porque um disco pesa 180 gramas, por exemplo, não significa que seja automaticamente uma versão audiófila prensada ou inerentemente melhor do que 140 gramas. Basta perguntar a Robert Ludwig sobre a prensagem de Led Zeppelin II ou qualquer uma das muitos reedições extraordinárias do selo Original Jazz Classics.

Nos últimos anos, vimos muito mais referências à masterização de meia velocidade, um processo que existe há décadas, mas recentemente voltou a ter mais notoriedade.

A mais recente série de reedições com masterização de meia velocidade é o catálogo de 12 álbuns de Bob Marley & The Wailers, lançado em 20 de novembro pela Universal Music Group e remasterizado por, talvez o engenheiro de masterização de meia velocidade mais proeminente do mundo, Miles Showell do famoso Abbey Road Studio.


Mas o que é masterização de meia velocidade e por que isso é feito? E, tão importante quanto, vale a pena o custo extra que geralmente está associado?

Primeiro, uma introdução rápida sobre o processo de masterização seria útil. Para criar um LP, um disco de laca (dubplate) em branco é colocado na mesa giratória do torno de masterização. O torno é alimentado com um sinal de uma fita master ou arquivo digital e, em seguida, a cabeça de corte do torno esculpe ranhuras na laca. A partir dessa laca, um estampador/molde de metal será feito e o estampador/molde será usado para prensar as ranhuras em vinil.

A masterização de meia velocidade é muito semelhante em seu núcleo, mas há uma diferença crucial, que então cria uma série de questões que precisam ser resolvidas. Essa diferença é que o verniz master é feito com a fonte de sinal e o torno de corte funcionando a meia velocidade. Portanto, 16,65 rpm em vez de 33,3 e, por exemplo, 15 IPS[1] em vez de 30 IPS ao usar fita. Se um arquivo digital for a fonte, o DAC que está sendo usado na cadeia tem seu clock executado em 48kHz vs 96kHz.

Mas não é tão simples assim, como aprenderemos mais tarde.

“A alegada vantagem deste processo é que, cortando a meia velocidade, a cabeça de corte pode gravar a laca com maior precisão, pois está se movendo mais lentamente”, disse o guru do vinil Michael Fremer, da Analog Planet And Stereophile. “Você poderia fazer uma analogia com isso ao dirigir um carro em uma estrada sinuosa em alta velocidade ou na metade dessa velocidade.”

Idealmente, maior precisão se traduz em maior fidelidade, e é por isso que selos especializados, como o Mobile Fidelity, usam a masterização de meia velocidade como padrão há mais de 40 anos. Nos últimos anos, a masterização de meia velocidade se tornou cada vez mais popular entre as grandes gravadoras e, na maioria das vezes, Showell e o Abbey Road Studios são contratados.

Showell tem sido procurado, produzindo masters de meia velocidade de títulos dos Rolling Stones, The Beatles, The Who, Sade, ABBA, Brian Eno, Creedence Clearwater Revival e muitos mais.


Seu último projeto a chegar às prateleiras é a discografia de Bob Marley. Todo o catálogo da Island Records do falecido músico foi refeito; São nove álbuns de estúdio, começando com Catch a Fire, de 1973, e terminando com Confrontation, de 1983, mais dois álbuns ao vivo e o álbum de reggae mais vendido da história, a compilação Legend.

Showell leva a sério sua masterização de meia velocidade. Ele começa com a melhor fita disponível e, em seguida, usando equipamento substancialmente modificado, faz um arquivo digital de alta resolução que foi equalizado especificamente para o corte de uma laca, deixando de fora a compressão e limitação que torpedeia muitos CDs, focando mais em reter detalhes e dinâmica . Ele tem um torno de corte modificado para uso com meia velocidade.

“Já se passaram 18 anos desde que comecei a experimentar a reintrodução da masterização de meia velocidade”, disse Showell. “Inicialmente, tive muita ajuda do meu herói e deus da meia velocidade, o falecido Stan Ricker, que foi extremamente generoso com seu tempo e conhecimento. … Passei muito tempo aperfeiçoando o processo, pois não é tão simples quanto desacelerar o torno.”

“Quase tudo é diferente e precisa ser realinhado para obter o melhor de trabalhar a meia velocidade. Minha meta quando comecei isso era trazer 30 anos de desenvolvimentos e melhorias para masterização de meia velocidade. Trabalhei extremamente próximo aos meus dois técnicos de torno independentes e nós três conseguimos projetar alguns circuitos próprios que são uma grande melhoria em relação aos projetos originais de meia velocidade da Neumann.”

“A alegada vantagem deste processo é que, cortando a meia velocidade, a cabeça de corte pode gravar a laca com maior precisão, pois está se movendo mais lentamente.” - Michael Fremer

Masters de meia velocidade bem feitas tendem a ter uma marca sônica específica, disse Fremer. “Muitos ouvintes acham que as frequências altas, especialmente os transientes, são puras e super limpas, enquanto as frequências mais baixas não são tão poderosas e / ou estendidas como no corte de velocidade padrão.”

“Nem todos concordam com isso, mas muitos ouvintes sim”, acrescentou Fremer. “Todas as outras coisas sendo iguais, pode resultar em um som muito bom. No entanto, se a cadeia de masterização básica não for boa, não soará tão bem. ”

Showell concordou que a resposta de graves sempre foi um problema com a masterização de meia velocidade, mas ele resolveu o problema com extensas modificações em seu equipamento de corte. A masterização de meia velocidade tradicionalmente resultou em graves reduzidos porque os tornos de meia velocidade Neumann comumente usados ​​tratavam de problemas com a obtenção da curva de equalização da Recording Industry Association of America (RIAA) ao adicionar dois filtros RIAA extras, complicando desnecessariamente a transferência de sinal. Showell tem um circuito RIAA personalizado instalado em seu torno, o que lhe permite usar um único filtro para um sinal mais limpo. Além disso, o gravador Ampex ATR-102 da Showell tem um cabeçote personalizado que oferece resposta de graves estendida, de modo que a fita master final que ele produz antes de transferir para um arquivo digital de alta resolução tem graves completos e profundos.

Tudo isso foi crucial para os álbuns de Marley. “No reggae, tudo é construído na base do baixo”, disse Showell. “Nenhum baixo ou mesmo baixo reduzido teria sido um desastre. Se fosse necessário filtrar o baixo, eu não teria feito o trabalho. Quando eu cortei as masters para esses álbuns, o baixo foi deixado intacto, exatamente como foi dado a mim.”

A masterização de meia velocidade é ainda mais velha do que você pensava, disse Fremer. A Decca Records no Reino Unido lançou uma série de títulos clássicos de meia velocidade nos anos 1950 e 1960, disse ele, e Mobile Fidelity pegou a tocha a partir de 1977.

“Depois que o Mobile Fidelity popularizou o processo, em que os registros foram cortados por Stan Ricker, muitos outros embarcaram, incluindo Columbia, RCA, Nautilus e Direct-Disk Labs”, disse Fremer. “A masterização da Columbia e os RCA eram notoriamente medíocres. Alguns dos Nautilus e Direct-Disks eram muito bons. ”

Por que alguns são bons e outros ruins?

Não é diferente da masterização normal: se a fita de origem ou o arquivo digital estiver mal gravado ou mixado, ou se o vinil for prensado de forma incompetente, o processo de masterização é algemado. E qualquer que seja o processo usado, não importa se for mal usado. A Columbia Records atingiu o limite da derrota com a reedição de meia velocidade com Born to Run, de Bruce Springsteen, por exemplo, já que seus engenheiros não sabiam o que estavam fazendo e escolheram um álbum com fitas master comprometidas.

“Sou engenheiro e também fã de música e tudo o que sempre quis é fazer meu trabalho soar o melhor possível, não apenas para mim, mas também para os fãs de música em casa.” - Miles Showell

Showell, um fã de Marley, enfrentou alguns desafios envolvendo fitas masters ao lidar com as novas reedições. O álbum The Legend requer um cuidado especial, pois é uma coleção de edições e remixes, bem como cortes originais do álbum. Para rastrear as melhores fitas de origem, Showell teve que descobrir quais versões das músicas foram usadas no álbum original, já que não havia notas anotadas.

Ele vasculhou sua própria coleção de Marley e depois comprou vários singles de vendedores do Discogs, eventualmente compilando uma lista que foi usada para localizar as fitas master. O resultado, disse ele, é o melhor que o álbum já teve.

“Eu sou um engenheiro e também um fã de música e tudo que eu sempre quis é fazer meu trabalho soar o melhor possível, não apenas para mim, mas também para os fãs de música em casa, enquanto me lembro dos discos me fizeram sentir feliz de começar a trabalhar”, disse Showell. “Embora meus métodos possam ser fora do padrão, eu ainda tenho que encontrar uma maneira melhor. Isso não me impede de procurar formas melhores, mas por enquanto é isso.”

Se toda essa conversa de meia-velocidade despertou sua curiosidade, você pode verificar a página Discogs do Showell para uma lista dos álbuns que ele fez. E Fremer, que passou a vida inteira imerso em vinil, teve a gentileza de escolher para nós três de suas masterizações favoritas de meia velocidade e três que não podem nem ser chamados de ruins, por assim dizer.


Três versões masterizadas de meia velocidade realmente excelentes:

Little Feat ‎– Waiting for Columbus (MFSL 2-013)
Lançamento original do Mobile Fidelity de 1979, não a versão mais recente do Mobile Fidelity.
Ry Cooder ‎– Jazz (MFSL-1-085)
Outro lançamento do Mobile Fidelity, este de 1984.
Van Morrison - Moondance (SD16604)
Um lançamento do Direct-Disk Labs difícil de encontrar.











Três versões masterizadas de meia velocidade bem 'meia-bocas':

Bruce Springsteen ‎– Darkness on the Edge of Town (HC-45318)
Fleetwood Mac ‎– Rumours (Nautilus NR8)
Este foi remasterizado digitalmente! Existe uma fita master analógica!
Fritz Reiner and The Chicago Symphony‎ – Also Sprach Zarathustra (ATL 1-4286)
Metade da velocidade e metade da música.











Por Jeffrey Lee Puckett em parceira com a UMG; original post @ https://blog.discogs.com/en/what-is-half-speed-mastering-explained/

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segunda-feira, 7 de dezembro de 2020

A MÚSICA DE BOB MARLEY 'NATTY DREAD', CONTÉM CIÊNCIA OCULTA CODIFICADA SOBRE O ALINHAMENTO DOS CHAKRAS E A EVOLUÇÃO ESPIRITUAL


Bob Marley foi um homem revolucionário com um QI espiritual extremamente alto. Visto que seu talento e paixão particulares eram a música, ele freqüentemente infundia suas canções com uma forte vibração revolucionária camuflada por cantos harmoniosos e melodias mágicas. Para aqueles com "olhos para ver" e "ouvidos para ouvir", também existem mensagens codificadas sobre espiritualidade, ciência oculta e ascensão na música de Bob. Uma dessas canções é a famosa “Natty Dread”.

Já ouvi essa música pelo menos um milhão de vezes antes de perceber que Bob Marley estava tentando transmitir uma mensagem mais profunda do que o que era claramente óbvia. No segundo verso e no segundo refrão é onde percebi que a ciência estava sendo dita.

“Então eu caminho pela primeira rua ...
E então eu subo a segunda rua para ver ...
Então eu pisei na terceira rua ...
E então eu falo com algum Dread na quarta rua ...
Natty Dreadlock em uma quinta rua ...
E então pulo uma cerca para a sexta rua ...
Eu tenho que chegar à sétima rua ...
Natty Dreadlock Bingy Bongo I…
Natty Dread, Natty Dread agora ...
Roots Natty Congo I…

Oh, Natty, Natty ..
Natty a 21.000 milhas de casa, sim!
Oh, Natty, Natty ...
E isso é um longo caminho para Natty estar longe de casa. ”

Bob Marley, Natty Dread

Essas “ruas” pelas quais ele está passando são chakras, e ele tem que chegar à “sétima rua” para atingir a plena auto-realização e ascensão a um status mais evoluído.

As “21.000 milhas de distância de casa” não podem estar falando sobre a África, que eu presumiria que Bob Marley consideraria “casa” se estivesse falando sobre uma localização geográfica. Como podemos saber? Bem, mesmo a parte mais distante da África não fica a 21.000 milhas de distância da Jamaica. É apenas 7.826,7915 milhas de distância. A Terra tem uma circunferência de 24.901 milhas, se ele estivesse de fato a 21.000 milhas de algum lugar, então ele também estaria a apenas 3.901 milhas de distância. Portanto, ele deve estar se referindo a outra coisa.


E se “21.000 milhas” for um símbolo? Qual é a conexão entre cruzar as 7 ruas (os 7 chakras) e o número simbólico 21.000?

O número 21 é muito significativo no mundo da espiritualidade e das ciências ocultas. Particularmente na forma de 7 + 7 + 7.

Na Bíblia, o número 777 é um símbolo da sagrada trindade - o filho, o pai e o espírito santo.

Ainda mais interessante, o número 777 está associado à evolução espiritual.

De acordo com Nemo Pandragon em aiwass.com, “A derivação clássica de 777 é somar os caminhos que o 'Relâmpago da Criação' percorre, ou, no caso de Gimel, cruza em sua jornada de Kether a Malkuth na Árvore da Vida. Outra maneira de derivar 777 é adicionar 359 a 418, conforme sugerido pelo comentário de Aleister Crowley no capítulo 3, versículo 74, do Livro da Lei. Ambas as abordagens descobrem um arquétipo de espírito encarnado em forma humana.

Vemos a divisão do zero em toda a complexidade de uma vida no mundo na Espada Flamejante. A Árvore da Vida é, entre outras coisas, um diagrama do corpo humano. É também um mapa da consciência. 777 representa a consciência espiritual em um ser humano físico: a encarnação do espírito.


Adicionando ainda mais, o artigo também aponta que reencarnamos na terra como bestas (666), mas através da auto-iniciação, evoluímos para o "Deus vivo e verdadeiro" (777).

Nemo continua, “As tristezas são as provações. O desenvolvimento espiritual é realizado por meio da ação recíproca de iniciação e provação. A iniciação é um influxo ou inspiração de sabedoria. Essa nova consciência muda nossos horizontes no mundo. A provação, exigida pela mudança de consciência, nos faz integrar as lições espirituais da iniciação em nossas vidas mundanas. O que resta é a capacidade de lidar com as energias espirituais que são mais refinadas e mais poderosas para causar mudanças do que poderíamos lidar antes de sobreviver aos ciclos de iniciação e provação. O que permanece afeta a consciência e a experiência da encarnação subsequente; 777.

Somos todos entidades espirituais encarnadas como bestas da terra. Como bestas, somos 666. Como filhos unigênitos de nossas encarnações anteriores, somos 777. Aleister Crowley e James Beck vieram antes de nós e nos mostraram o caminho. Isso só é real se fizermos nossas próprias Vontades Verdadeiras e, assim, assarmos o pão da iniciação e da provação que nutrirá nossos filhos espirituais. Não há lei além de Faça o que quiser.

As revelações nesse artigo foram inspiradas pelo trabalho de Aleister Crowley, que foi inicialmente inspirado pelas ciências ocultas descobertas e dominadas por antigas mentes melanadas.

Esperançosamente, agora você pode ver como o 21 em “21.000” milhas é simbólico para 7 + 7 + 7, evolução espiritual ou melhor, a consciência espiritual em um ser humano físico.

E os 3 zeros? Esses também são simbólicos para a “sagrada trindade”.

Mente, Corpo e Alma. Sol, Lua e Estrelas. Sólidos, Líquidos e Gasosos. Passado, Presente e Futuro.

Não apenas isso, mas o mil após o 21 pode ser por causa das milhares de pétalas no chacra coronário. De acordo com o Wikipedia, “Sahasrara ou o Chakra da Coroa é considerado o sétimo chakra primário em algumas tradições do ioga tântrico. O Sahasrara é descrito como uma flor de lótus com 1.000 pétalas de cores diferentes.”


Então, quando colocamos tudo isso junto, a referência de Bob Marley a cruzar 7 ruas na música ‘Natty Dread’ poderia ser uma metáfora para a jornada de ativação dos 7 chakras dentro do corpo humano. Quando ele diz que "Natty Dread está a 21.000 milhas de distância de casa", parece plausível que em um nível subliminar ele esteja se referindo a como ele mesmo e seus colegas Rastafaris ansiavam por perceber sua circunstância natural suprema e precisavam completar a ativação do chakra para retornar ao estado supremo de consciência que eles podem ter tido antes de seu espírito encarnar dentro de um corpo humano na terra. Quando você finalmente alcançar a 7ª rua (o 7º chakra com 1000 pétalas) e dominar a besta da humanidade (666), tornando-se o Deus vivo e verdadeiro (777), você estará “21.000 milhas” mais perto de casa.


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terça-feira, 21 de novembro de 2017

FYASHOP - BLACK NOVEMBER, DUB PACK E NOVOS ITENS EM ESTOQUE




Como falei mês passado esse mês separamos alguns títulos em promoção, e durante esses próximos 3 dias teremos a primeira Black November com até 200,00 reais de desconto progressivo. O desconto é válido para comprar até 00h do dia 22/11/2017 e valem os pagamentos via depósito, transferência, boleto e cartão de crédito em até 6x sem juros. Basta inserir o cupom de desconto antes de finalizar a compra. Clique aqui para ter acesso aos cupons de desconto.


Para o mês de Novembro/2017, preparamos um trio especial com os títulos de um dos primeiros singjays do lendário Jah Tubbys Sound System, o lendário Dixie Peach. Abaixo estão os itens inclusos já com o valor com desconto (20%):


Clássicos, é o que pode se dizer definitivamente dos títulos novos em estoque! Temos Alton Ellis, Dennis Brown, Max Romeo, Horace Andy, The Melodians, The Paragons, Johnny Clarke, Cornell Campbell, Bob Marley, Roland Alphonso, Desmond Dekker entre a nata dos selos do rocksteady e do early reggae como Pyramid, Treasure Isle e Jackpot Records do produtor mestre dos mestres Bunny 'Striker' Lee. A maioria variando a qualidade entre VG+ e NM, agora temos outros mais usados em qualidade VG e G com ótimos preços (em até 6x sem juros no lojinha). Abaixo o título e preço, e para verificar o parcelamento só clicar no link do título.

Alton Ellis ¿– All My Tears
R$ 179,00

The Melodians ¿– Come On Little Girl / Expo 67
R$ 110,00

The Melodians / The Paragons ¿– I'll Get Along Without You / Happy Go Lucky Girl
R$ 179,00

Alton Ellis / The Melodians ¿– Breaking Up / Last Train To Expo 67
R$ 103,00

The Techniques ¿– Queen Majesty / Little Did You Know
R$ 89,00

Lloyd Charmers ¿– Sweet Harmony
R$ 103,00

Dennis Brown / Impact All-Star* ¿– Meet Me At The Corner
R$ 89,00

Max Romeo ¿– Warning, Warning / Heads A Go Roll
R$ 179,00

Icho Candy ¿– Captain Selassie I.
R$ 48,00

Desmond Dekker & The Aces / Austin Faithful And The Hippies ¿– Unity / Ain't That Peculiar
R$ 89,00

Roland Alphonso & The Berverley's All Stars* / The Spanish Tonians* ¿– Sock It To Me / Rudies Get Plenty
R$ 89,00

Hopeton Lewis ¿– Let Your Love Flow / Let Dean Blow
R$ 110,00

Johnny Clarke ¿– Easy Skanking
R$ 296,00

Robert Marley* / Tommy McCook & The Supersonics ¿– One Cup Of Coffee / Snow Boy
R$ 89,00

Delroy Wilson ¿– Never Give Up
R$ 103,00

King Kong ¿– Step Pon Mi Corn
R$ 75,00

Horace Andy / King Tubby & The Aggrovators ¿– Better Collie
R$ 69,00

Max Romeo ¿– Cross Over The Bridge
R$ 82,00

Cornell Campbell ¿– Jah Jah A Go Beat Them
R$ 48,00

Cornell Campbell ¿– Jah Jah A Go Beat Them
R$ 75,00


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