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sexta-feira, 5 de março de 2021

A VOVÓ DE 1,20M QUE GOVERNA O REGGAE


Patricia Chin e a VP Records estão por trás de mil sucessos jamaicanos - dos Wailers a Sean Paul e muito mais.

A elegantemente vestida, a bisavó de 1,2 m de altura pode não ter sido facilmente identificada como um magnata da música para os insiders da indústria que participaram do American Association of Independent Music Awards no Highline Ballroom de Manhattan naquele dia do verão de 2015. Então Patricia Chin, co-fundadora da gravadora de reggae VP Records, subiu ao palco para receber o prêmio pelo conjunto de sua obra, a primeira mulher a fazê-lo. “Olhando para o público esta noite, imagino que muitos de vocês podem estar se perguntando, 'quem é essa senhora chinesa com esse grande sotaque jamaicano, e o que é VP Records?'” Disse a Srta. Pat, (como ela é afetuosamente conhecida) em seu discurso de aceitação, sob aplausos estrondosos. “Em grande parte, a história da VP Records é sobre uma mulher que trabalha nos bastidores e sua jornada nos últimos 50 anos na indústria da música reggae.

A gravadora VP Records, está estabelecida no Queens, em Nova York, desde1979, com escritórios adicionais em Kingston, Londres, Miami, Rio de Janeiro e Tóquio, e é a maior gravadora independente, distribuidora e editora mundial de música reggae e dancehall, controlando mais de 25.000 títulos de músicas. Em seu próximo livro de memórias lustroso de mesa de café, 'Miss Pat: My Reggae Music Journey', Miss Pat conta a história de VP, que está inextricavelmente está ligada ao desenvolvimento da indústria fonográfica da Jamaica e ao nascimento do ska, rocksteady e reggae. Miss Pat oferece anedotas históricas sobre sessões de gravação com Bob Marley e Lee “Scratch” Perry, quando ambos buscavam fortunas maiores. Os elogios à Srta. Pat são encontrados por toda parte, incluindo um do padrinho do hip-hop DJ Kool Herc, que diz: “O que Berry Gordy foi para a Motown, Patricia Chin é para a VP Records e a indústria do reggae.

Miss Pat e Bunny Wailer

Nas passagens mais convincentes do livro, Miss Pat corajosamente detalha os maiores desafios de sua vida: a morte de seu filho pequeno; fugir da política explosiva da Jamaica na década de 1970, lutando para se adaptar a outra sociedade; desafiando as atitudes sexistas e racistas que ela encontrou como uma mulher não-branca que trabalhava no negócio da música na cidade de Nova York; aprendendo sobre o alcoolismo para ajudar seu marido em apuros, o co-fundador da VP Records, Vincent “Randy” Chin, que faleceu em 2003; lidando com o assassinato não resolvido de seu neto, VP A&R Joel Chin, em 2011. “O processo de escrever meu livro foi libertador”, disse a Srta. Pat ao The Daily Beast em uma entrevista no início de dezembro via Zoom. “Eu queria que meu livro fosse verdadeiro, divertido e interessante, então não poderia deixar de lado detalhes pessoais, quero que as pessoas me conheçam melhor, em vez de me ver como apenas uma pessoa da música.

A matriarca do reggae, agora com 83 anos, nasceu Dorothy Patricia Williams em 20 de setembro de 1937; seus avós maternos e paternos migraram para a Jamaica, respectivamente, da China e da Índia, em busca de uma vida melhor. “Era difícil sobreviver de onde eles vieram, então eles se arriscaram na Jamaica”, lembra a Srta. Pat, que foi criada em uma casa de um cômodo na comunidade de Greenwich Farm de Kingston. “Apesar da falta de conforto material, nunca houve tempo para reclamações. Minha mãe compartilhou histórias sobre seus pais lojistas trabalhadores e os truques inovadores que eles usaram para fazer negócios com seus clientes, apesar da barreira do idioma”, escreve ela. O pai da senhorita Pat queria que ela trabalhasse em um banco, mas, inspirada por sua ídolo, Madre Teresa, ela estudou enfermagem na Universidade de Kingston das Índias Ocidentais. Herdando o espírito rebelde de sua mãe, a Srta. Pat saboreava a liberdade de viver no campus, onde era frequentemente visitada por um jovem bonito, Vincent Chin, para desaprovação de seu pai. “Conhecido por faltar à escola e fumar maconha, Vincent era o típico menino mau, o tipo de pretendente que nenhum pai queria para sua filha”, escreve a Srta. Pat. “Para piorar, ele já tinha um filho (Clive) que era um bebê. Meu pai viu meu pretendente pelo que ele era: problemas.

Em 15 de março de 1957, a Srta. Pat, então com 19 anos, deixou a escola e se casou com Vincent, duas semanas antes de dar à luz seu filho, Gregory. Ele morreu de meningite em seu primeiro aniversário. “Para o bem do meu bem-estar”, escreveu a Srta. Pat, “nunca me disseram onde meu filho foi enterrado”. 

Vincent conseguiu um emprego, instalando jukeboxes em toda a ilha com novos discos de 7 polegadas; Miss Pat acreditava que os discos mais antigos poderiam ser vendidos diretamente ao público. Em 1959, eles abriram uma loja em uma pequena mercearia vendendo os discos usados. Eles chamaram sua empresa de Randy’s Record Mart, em homenagem a Randy Wood, proprietário da WHIN AM, uma estação de jazz, R&B e música country no Tennessee que Vincent ouvia fielmente em seu rádio de ondas curtas. Em 1961, Vincent e Miss Pat mudaram-se para um espaço de 2,5 x 3 metros dentro de um restaurante chinês localizado na 17 North Parade, uma área movimentada do centro de Kingston, próximo a uma rota central de ônibus; eles montaram uma pequena caixa de som do lado de fora, tocando música, o que atraiu clientes. As vendas aumentaram e com um empréstimo do pai da Srta. Pat, o casal acabou comprando o restaurante chinês e o prédio. Pouco depois, Vincent e Pat adquiriram o prédio ao lado e começaram a construir um estúdio de gravação.

Miss Pat e Lee 'Scratch' Perry

A abertura do Studio 17 no andar de cima do Randy’s Record Mart coincidiu com o desenvolvimento da primeira forma de música popular da Jamaica, o ska, o que levou a uma proliferação de gravações que o Studio 17 ajudou a acelerar. “Naquela época, não havia um estúdio onde se pudesse terminar o trabalho do início ao fim. Você tinha que ir a um lugar para fazer a gravação, outro para fazer a masterização. Com cada vez mais artistas e produtores surgindo, e com os estúdios existentes cobrando altas taxas, projetamos o estúdio para ser uma produção full house para que pudéssemos ser completamente independentes”, escreve a Srta. Pat, que executaria as prensagens de teste das gravações na sua loja para avaliar o interesse dos clientes e, em seguida, escolher quais músicas eles iriam prensar em massa para venda.

Vincent Chin começou a produzir seus próprios discos, e um de seus maiores sucessos chegou em 1962, o ano da independência da Jamaica da Inglaterra. “Independent Jamaica”, que não incorporava o ska beat indígena da ilha, era um calipso cantado por Lord Creator, nascido em Trinidad e residente em Kingston; no entanto, tornou-se um hino para o otimismo da nova nação, lançado pelo selo Creative Calypso de Randy.


Miss Pat abasteceu a loja com pelo menos um disco de cada artista que conhecia e pediu a aspirantes a artistas e produtores que deixassem seus discos em consignação, o que acabou por se tonarem como bases para a divisão de atacado de Randy. Os amantes da música corriam ao Randy para ouvir os últimos discos, enquanto os produtores procuravam os cantores e músicos que frequentariam um beco adjacente chamado Idler's Rest ("o epicentro não oficial da música jamaicana", diz a Srta. Pat) para gravar faixas no Studio 17. Muitos ícones de música jamaicana gravava lá, incluindo os cantores Gregory Isaacs, Dennis Brown e Alton Ellis, os trios de harmonia The Wailers e The Maytals e o seminal ska outfit, The Skatalites.

Vários álbuns de reggae de raiz clássicos foram gravados no Studio 17, incluindo o The Wailers 'Soul Rebel', 'Marcus Garvey' do Burning Spear, 'Equal Rights' de Peter Tosh e a estreia do mestre melódico Augustus Pablo com o álbum 'This Is Augustus Pablo', este último produzido pelo colega de escola de Pablo, filho de Vincent; o produtor Clive Chin.



Clive também produziu o (ainda) influente single de Pablo, "Java" e o primeiro sucesso internacional do Studio 17, "Fattie Bum-Bum" de Carl Malcolm, que alcançou a oitava posição na parada de singles do Reino Unido. O falecido cantor americano Johnny Nash, supostamente o primeiro não jamaicano a gravar rocksteady / reggae na ilha, ficou tão impressionado com o Studio 17 que reservou as instalações por três meses consecutivos. Miss Pat atribui o sucesso do Studio 17 à personalidade amável de Vincent. “Ele amava a todos, independentemente de quão pobres fossem; muitos músicos nem mesmo tinham sapatos nos pés, mas Vincent os levava para o estúdio, os encorajava. Tudo era experimentação, ainda não tínhamos uma cultura reggae, tudo começou desde então”, comenta Miss Pat.



Devido à escalada da violência política na Jamaica ao longo da década de 1970, Vincent e Pat migraram para os EUA “Naquela época (sob o governo socialista do primeiro-ministro Michael Manley), se você fosse dono de uma empresa, tinha um pouco mais de dinheiro do que os outros e com a agitação e tumultos acontecendo, nos sentimos muito desconfortáveis ​​e preocupados com a segurança de nossos filhos”, reconheceu a Srta. Pat. Eles escolheram a cidade de Nova York porque o irmão de Vincent estava morando no Brooklyn, onde estabeleceu a Chin Randy’s Records. Vincent e seus filhos Clive e Christopher pousaram no aeroporto JFK da cidade de Nova York no verão de 1977. A senhorita Pat permaneceu em Kingston com seus dois filhos mais novos, Vincent (conhecido como Randy) Jr. e Angela; eles se juntaram à família na cidade de Nova York no ano seguinte.

Vincent e Pat começaram seu novo empreendimento alugando uma pequena loja perto dos trilhos elevados do trem ao longo da Queens, na Jamaica Avenue, de onde forneceriam discos de reggae para alguns estabelecimentos. Quando o governo jamaicano começou a restringir as exportações, Vincent e Pat começaram a prensar seus próprios discos em Nova York; com o aumento das vendas, eles compraram um prédio na 170-21 Jamaica Ave em 1979 de outro proprietário de uma empresa de discos por atacado, Sam Kleinholt. Os Chins batizaram sua loja de atacado / varejo de reggae de VP Records, as iniciais dos primeiros nomes de Vincent e Pat. Eles contrataram a secretária de Kleinholt, Rhoda Bernstein, que trabalhou com a VP por 15 anos, até sua morte. “Ela foi uma dádiva de Deus”, escreve a srta. Pat, “ela nos ensinou tudo que achava que nos ajudaria a nos adaptar; dizer que ela facilitou nossa transição para a vida em Nova York é um eufemismo”.

"Anos depois, percebi que não poderia comprar lá porque éramos de uma cultura diferente, havia uma barreira de cor, ele queria me colocar em outra área onde eu ficaria mais 'confortável'." - Miss Pat

Nem todos os nova-iorquinos foram tão acolhedores. A senhorita Pat se lembra de querer comprar uma casa na (então) comunidade predominantemente branca de Jamaica Estates, a cerca de três quilômetros da VP Records; seu corretor de imóveis a desencorajou, sem explicação. “Anos depois, percebi que não poderia comprar lá porque éramos de uma cultura diferente, havia uma barreira de cor”, ela observa, “ele queria me colocar em outra área onde eu ficaria mais 'confortável'”. Pat também se lembrou de casos em que os clientes VP ligaram para a loja, a colocaram na linha e pediram para falar com um homem. “Eles pensavam que eu não conhecia a música”, ela relembrou. “Trabalhei duro em minhas habilidades; tínhamos tanta música saindo todos os dias, eu tinha que saber o nome do disco, o cantor, o produtor, a riddim de cada faixa; Eu era como uma enciclopédia, sabia tudo sobre música”.

Miss Pat e Sean Paul

À medida que a VP Records cresceu e se tornou um próspero balcão único, cobrindo todas as facetas da música jamaicana, em 1990 os Chins compraram dois grandes armazéns, um na Jamaica Queens, o outro em Miami. À medida que a década avançava, o dancehall e o reggae jamaicano explodia em popularidade com várias das superestrelas do gênero (incluindo Shabba Ranks, Super Cat) assinando com grandes gravadoras e impactando um mercado americano mais amplo. A VP distribuiu os discos desses artistas por anos, então sua familiaridade com a música tornou-se um recurso indispensável para as gravadoras majors na promoção do apelo ao dancehall. O próximo passo dos Chins foi estabelecer o selo VP Records em 1993, no mesmo ano em que lançaram sua série de compilação anual de reggae / dancehall de maior sucesso, Reggae Gold.

O lançamento de 1999 da VP Records, "Who Am I", de Beenie Man, foi um single de ouro certificado. Triunfos ainda maiores chegaram com Sean Paul, que assinou com o vice-presidente Joel Chin, filho de Clive, em 2000. O vice-presidente fez uma parceria com a Atlantic Records, impulsionada pelo grande sucesso de Sean, "Gimme The Light". O álbum de dupla platina de Sean, Dutty Rock, ganhou um Grammy de Melhor Álbum de Reggae. “Esse foi o momento em que respiramos fundo e percebemos, como nós, jamaicanos, diríamos, 'não é uma piada'”, escreve a Srta. Pat.



Vincent, no entanto, não se inspirou no dancehall; ele ficou deprimido e estava, de acordo com a Srta. Pat, "encerrando mentalmente o negócio". Ele lutou contra o alcoolismo, que incluiu várias estadias na reabilitação. A Srta. Pat escreve que o excesso de bebida de Vincent estava ligado a "um espírito perturbado", que ela relacionava desde a infância dele e "ao casamento mestiço de seus pais. O pai de Vincent era proeminente na comunidade sino-jamaicana, mas ele não interagia com sua esposa negra dentro dessa comunidade. Acredito que esse preconceito tácito fez com que meu marido desenvolvesse um profundo sentimento de insegurança, ressentimento e tristeza.

Miss Pat se lembra de sua mãe passando por um dilema semelhante, porque seus pais desaprovavam o casamento de sua filha com um homem indiano. “Meus avós fizeram as pazes com meu pai e minha mãe, mas demorou 12 anos porque, há 100 anos, casar fora da sua cultura (chinesa) era proibido. Mas meus pais estavam apaixonados e sobreviveram a todas as barreiras.” O pai da Srta. Pat também era alcoólatra e sua mãe tentava esconder isso de Pat e de seus irmãos, assim como a Srta. Pat protegeu seus filhos da verdade. “Não ser honesta com meus filhos é um dos meus maiores arrependimentos, é a única coisa que eu faria de forma diferente, se tivesse a chance”, revela a Srta. Pat.

Randy, filho de Vincent e Pat, presidente do VP, desistiu de sua carreira de sucesso na aeronáutica para ingressar na empresa da família em 1995; Christopher é o CEO da empresa e Angela administra o armazém / centro de distribuição da Flórida. Clive trabalhou intermitentemente com o vice-presidente, mas também realizou vários projetos independentes. Em dezembro de 2014, ele entrou com uma ação contra a VP pedindo US $ 3 milhões, alegando que a empresa licenciou músicas que ele escreveu e gravou no Studio 17 sem sua permissão; esse processo foi resolvido discretamente.

"Por uma noite, o reggae assumiu um marco icônico americano. Se eu não sabia antes disso, que tudo era possível, naquele momento eu sabia." - Miss Pat

Além do prêmio no Highline Ballroom, um dos momentos de maior orgulho de Miss Pat foi o show do 25º aniversário da VP Records no Radio City Music Hall de Manhattan em 2004, encabeçado por várias participações dos associados à empresa ao longo dos anos, incluindo Beenie Man, Shaggy e Beres Hammond. “Essa foi a primeira vez que vi meu nome em luzes e com todas as pessoas fazendo fila para entrar, fiquei muito feliz. Por uma noite, o reggae assumiu um marco icônico americano. Se eu não sabia antes que tudo era possível, eu sabia então”, escreve ela. Em 2007, a VP Records adquiriu seu principal concorrente, a Greensleeves Records do Reino Unido, e seu catálogo de 12.000 canções, para se tornar a maior empresa independente de reggae do mundo. Esse status imponente é o resultado final da jornada notável e ainda contínua da Srta. Pat. “Demorou um pouco para que isso acontecesse”, ela escreve. “Quando você constrói algo do zero, as lembranças de vender discos em sua loja de 8' x 10' nunca saem de você.


quinta-feira, 18 de fevereiro de 2021

U-ROY, O DEEJAY LENDÁRIO DO REGGAE, FALECEU AOS 78 ANOS

‘O Originador’ do do canto falado em um disco ajudou a revolucionar a cultura do sistema de som na Jamaica - e inspirou o nascimento do hip-hop.


Eu só falo sobre união com as pessoas’ ... U-Roy se apresentando no festival Jamaica 50, Londres, 2012. Fotografia: Roger Garfield / Alamy

O lendário deejay U-Roy morreu aos 78 anos, confirmou um representante da Trojan Records. Nenhuma causa de morte foi divulgada.

O DJ de reggae britânico David Rodigan foi um dos que prestaram homenagem, descrevendo o U-Roy como “o paradigma da música jamaicana ... Sempre tive admiração por ele; o tom de voz, a cadência, o brilho lírico e a equitação rítmica fizeram dele o ‘aventureiro da alma’.” Ali Campbell, do UB40, saudou U-Roy como "uma verdadeira inspiração, [abrindo] o caminho para muitas gerações e criando um som que viverá para sempre!" Shaggy disse: “Hoje perdemos um de nossos heróis!!

O Rapper Ghostpoet tuitou: "Eles não estão prontos para o seu brinde no céu."

U-Roy não foi o primeiro deejay, mas ficou conhecido como “o criador” por ser o primeiro a colocar seu estilo vocal distinto em um disco, gerando um fenômeno e inspirando a criação do hip-hop. “Sua voz rica proclamou letras fervilhantes e saturadas de flow em vez de simplesmente inserir algumas frases”, escreveu um crítico do Reggae Vibes. "E, além disso, ele percorreu toda a trilha instrumental reduzida (os espaços entre vocal e instrumental), em vez de interferir em pontos cruciais."

U-Roy nasceu Ewart Beckford em Kingston, Jamaica, em 1942. Sua família era musical, sua mãe se apresentando no coro de uma Igreja Adventista do Sétimo Dia local. Ele começou a trabalhar como DJ aos 14 anos. "Minha mãe costumava me dizer: Por que você não apara e faz a barba porque vai ficar muito mais bonito menino?" ele disse ao United Reggae. “E eu costumava dizer:‘ Escute, mãe, eu não te disse para não ser adventista do sétimo dia. Eu não disse para você não tocar aquele órgão naquele coro. Vou fazer o que tenho que fazer e não vou desrespeitar você. Mas o que eu acredito é o que eu acredito.

Ele começou sua carreira profissional em 1961, tocando no sistema de som de Dickie Wong, que dirigia a gravadora e clube Tit for Tat (onde Sly Dunbar conheceu Robbie Shakespeare) em Kingston. Ele mudou de sistema de som antes de um período como o DJ principal do King Tubby’s Hometown Hi-Fi no final dos anos 60.

As versões dub de instrumentais alongados de King Tubby criaram o espaço para U-Roy expandir seu estilo vocal inventivo. “Foi quando as coisas começaram a melhorar para mim”, disse ele ao LA Times em 1994.

U-Roy: Wake the Town

No livro Yeah Yeah Yeah: The Story of Modern Pop de Bob Stanely, o cantor Dennis Alcapone descreve seu testemunho de como a dupla era tocando ao vivo. “Ele (King Tubby) e U-Roy começaram a festa normalmente, e depois de um tempo ele tocou You Don't Care dos the Techniques, então mudou para a versão dub e, depois de algumas falas, tudo que o público pôde ouvir foi ritmo puro. Então U-Roy veio cantar e eles enlouqueceram.

Em 1969, U-Roy fez suas primeiras gravações, com Keith Hudson, Lee Perry e Peter Tosh, embora sua revelação ocorresse um ano depois, quando John Holt testemunhou U-Roy discotecando e cantando com a música de John Holt; Wear You to the Ball, e disse ao produtor Duke Reid para trabalhar com ele.

A parceria gerou três sucessos imediatos, Wake the Town, Rule the Nation e Wear You to the Ball, bem como mais duas dúzias de singles, e inspirou uma onda de produtores que buscam trabalhar com DJs em discos. “Antes disso, o negócio de DeeJays não era algo que as pessoas levavam a sério”, disse ele ao LA Times. “Eu realmente não levei a sério. As pessoas realmente não estavam acostumadas com essas coisas.

U-Roy lançou centenas de singles ao longo dos anos 70, incluindo uma série de sucessos com Bunny Lee. Um acordo com a Virgin o levou ao álbum Dread in a Babylon, produzido pelo Prince Tony Robinson. Isso impulsionou a popularidade de U-Roy no Reino Unido, onde Joe Strummer era considerado um fã.

Do outro lado do Atlântico, DJ Kool Herc e Coke La Rock abordaram o som de U-Roy e Kingston em suas festas no Bronx para diferenciá-los da cena disco de meados dos anos 70, improvisando com um Space Echo e inventando suas próprias gírias. O bloco de apartamentos de Kool Herc no Bronx viria a ser reconhecido como o berço do hip-hop.

Enquanto atuava como intérprete na década de 1980, U-Roy dificilmente gravou novamente até 1991 - quando ele se mudou para LA - quando o produtor britânico Mad Professor o convidou para participar do álbum True Born African. Isso gerou outra parceria criativa duradoura. O último álbum de U-Roy, Talking Roots de 2018, também foi produzido por Mad Professor. “Eu tinha 15 anos quando ouvi a Version Galore e queria trabalhar com o U-Roy”, tweetou o Mad Professor na quinta-feira (18.02.2021).

Em 2019 foi “coroado” por Shabba Ranks em Nova York, que o chamou de “di Picasso da nossa música”. Naquele ano, ele também gravou um novo álbum, Gold: The Man Who Invented Rap, com Sly e Robbie, Zak Starkey na guitarra e Youth of Killing Joke na produção, com participações de Mick Jones do The Clash, Santigold, Shaggy e Ziggy Marley entre outros. A data de lançamento está planejada para o verão deste ano.

Refletindo sobre sua mensagem, U-Roy disse ao LA Times: “Acabei de falar sobre a união com as pessoas. Eu realmente não tento rebaixar as pessoas ou algo assim. A violência é muito feia e o amor é muito lindo. Nunca estive na faculdade ou algo parecido, mas tenho um pouco de bom senso, e o que aprendo, aproveito ao máximo sabe.



sábado, 6 de fevereiro de 2021

OS ÁLBUNS DE BOB MARLEY


Poucos ícones musicais são tão onipresentes quanto Bob Marley. Com sua banda The Wailers, ele transcendeu gênero e até música para se tornar uma figura ícone de rebelião e unidade. Antes da triste morte do cantor em 1981 pelas mãos de um câncer de pele, Marley construiu uma carreira que não apenas brilhou com o talento de um músico além de sua idade, mas também com a mensagem de esperança, amor e paz que havia sido tão prontamente esquecida.

A imagem e a iconografia de Bob Marley são tão percorridas que pode ser fácil cair na armadilha de pensar que você sabe tudo sobre ele. Pensando nisso, graças ao saber os versos de "Three Little Birds" de cor, você pode escrever um imenso catálogo antigo com um bufo de escárnio que rotula o gênero. No entanto, seja você um fã de reggae ou não, conforme examinamos o cânone de trabalho de Marley, podemos ver que seu valor vai muito além de ser o pôster favorito de dormitórios universitários que procuram chatear seus pais.

Formando os Wailers no início dos anos 1960, ao lado de Peter Tosh e Bunny Wailer, Marley flertou com os sons da época para criar uma proposta totalmente nova. Brincando com o skiffle de ska que enchia sua cidade natal de Kingston Jamaica, o trio embarcou na criação de canções que não apenas colocaram as pessoas na pista de dança, mas também as encorajaram a se unirem na sociedade.

No final dos anos 60 e com uma nova década se aproximando, Marley e a banda focaram seu som em algo mais único. Um híbrido de reggae tradicional com o lirismo cúmplice de um som de rock rebelde, o cantor havia encontrado um nicho do qual ninguém poderia tirá-lo. No momento em que os anos 70 realmente chegaram, Marley e sua banda estavam se tornando sensações em todo o mundo, pois seu reggae e som polido fornecia uma pausa para um mundo em fluxo.

Marley sempre desafiou a si mesmo e seu público de forma criativa ao longo de sua carreira relativamente curta. Fez discos que exigiam atenção, discos que eram políticos ou destinados a uma festa. Ele fez uma música que faria sua alma estremecer e sua mente reverberar com suas filosofias simples, mas atraentes, sobre a vida. Sua visão de vida fez dele um herói cultural profundamente enlutado quando morreu em 1981.

Abaixo, estamos comentando os álbuns de estúdio de Bob Marley e classificando eles em ordem de grandeza, do 'pior' para o melhor.

13. Confrontation (1983)

Lançado dois anos após a morte de Marley em 1981, a coleção póstuma de fragmentos de canções e fragmentos de sessões de estúdio provavelmente nunca se igualaria aos trabalhos anteriores de Marley.

Em vez disso, o que temos é um álbum cheio de 'e se'. As canções não são apenas uma coleção de faixas remanescentes de suas sessões de gravação nos anos anteriores, mas uma visão do que estava por vir para Marley. Claro, há também a adição muito válida de 'Buffalo Soldier' ​​que torna o LP valioso por si só.



12. The Best of The Wailers (1971)

Não, não é um álbum de grandes sucessos. Talvez um aceno de sua crescente autoconfiança, os Wailers lançaram The Best of The Wailers em 1971, que compilou o trabalho de suas sessões antes de chegar até Lee 'Scratch' Perry.

O álbum veio depois que o The Wailers tinha acabado de marcar dois álbuns de sucesso depois de trabalhar com Perry como produtor. Procurando lucrar com seu sucesso, eles compilaram canções para esse álbum e o lançaram. Isso empalidece em comparação com seus primeiros trabalhos, mas ainda fala muito bem de todos os envolvidos.


11. The Wailing Wailers (1965)

O álbum de estreia do trio crescente The Wailers é, como tem sido o caso da lista até agora, uma coleção de canções reunidas em vez de uma sessão robusta de canções. Como tal, o álbum carece de uma direção real e, em vez disso, mostra a promessa em mãos ao invés do talento refinado.

Existem algumas escolhas de músicas estranhas no álbum também, com um cover de 'What's New Pussy Cat?' sentindo-se particularmente deslocado. Há, no entanto, uma versão raramente ouvida do hit seminal de Marley 'One Love', que seria reativada em seu álbum Exodus de 1977 - mais sobre isso depois. Mas, se você está procurando um disco de reggae, não vai encontrar aqui, esse disco é puro ska.

10. Soul Rebels (1970)

Os Wailers não começaram a cozinhar com gás até conhecer Lee 'Scratch' Perry em 1970. Juntos, eles produziram pelo menos dois álbuns clássicos, dos quais Soul Rebels de 1970 é um deles. A produção esparsa fornece um pouco de textura extra para Marley e o som universal da banda.

O LP marcou Marley e os Wailers como vozes de uma nova geração. Soul Rebels chega perto de confirmar tudo o que estava à espera de Marley. É um estilo e um som que eles aperfeiçoariam, cultivariam e compartilhariam com todos que pudessem.


9. Survival (1979)

Em 1979, o trem da badalação de Bob Marley havia saído da estação de verdade. A mensagem de amor e união de Marley estava começando a se estabelecer em todo o Reino Unido e lentamente nos Estados Unidos. A Grã-Bretanha, especialmente, havia encontrado uma voz que merecia ser seguida em Marley e estava ansiosa para adotá-lo como seu novo ícone cultural, aprofundando ainda mais sua conexão com Londres.

Seguindo Kaya , um álbum que era mais sobre a vibe do que qualquer outra coisa, Marley fez uma declaração com a Survival . Seu registro mais obviamente político inclui faixas poderosas como 'Africa Unite' e 'Ambush in the Night'. Marley voltou à Jamaica após seu exílio em uma grande cortina de fumaça e percebeu as verdades que o aguardavam lá.

8. Rastaman Vibration (1976)

Com o rock como a escolha de Marley como inspiração musical, ele voltou sua atenção para adicionar seu próprio estilo de rock à sonoridade do reggae. Foi um movimento astuto que mostrou que Marley não era apenas um mensageiro profético de amor; ele também era um empresário.

O álbum se tornaria o único álbum entre os dez primeiros de Marley, além de dar a ele seu único single de sucesso com 'Roots, Rock, Reggae'. Isso mostra que, embora Marley fosse amplamente adorado em todos os lugares, ele ainda lutava para alcançar um público mainstream enquanto estava vivo. Há um poder sutil na vibração do Rastaman que sugere que Marley era muito mais astuto do que muitos acreditam.

7. Uprising (1980)

O último álbum de estúdio que Bob Marley criou sempre deve pesar muito sobre sua carreira. Enquanto Survival foi um dos álbuns mais políticos de Marley, Uprising mostra o cantor alcançando Deus em seu LP mais espiritual.

Mas nem tudo é gospel. Em vez disso, este álbum se alinha quase perfeitamente com os valores do Rastafarianismo. Construído a partir do amor de Deus, bem como de músicas divertidas, o álbum estabeleceu e solidificou a reputação de Marley. O LP termina com 'Redemption Song', um final digno para qualquer álbum. É a maneira mais linda de terminar uma carreira.


6. Kaya (1978)

Nove meses depois de Exodus , o álbum que possivelmente lançou a carreira de Marley na estratosfera, o grupo voltou com o álbum seminal de 1978 sobre erva e sexo; Kaya. O álbum anterior incluía uma mistura inebriante de mensagem política e canções de amor, mas esse álbum vai direto para a pós-festa.

Marley reduziu seu som forte em favor de algo um pouco mais leve. Jams descontraídas se tornaram a principal instrução sonora, e Marley era o melhor em fazer tudo com autenticidade. 'Is It Love' é a música de destaque do álbum, e se encaixa no tema como seria de se esperar. Se você está procurando a introdução mais fácil de por que Marley é um ícone, este é o álbum para revisitar.

5. Soul Revolution (1971)

O segundo álbum The Wailers produzido com Lee 'Scratch' Perry é sem dúvida o momento em que eles saltaram alguns degraus. Após a parceria a banda começar a se afirmar como os líderes da revolução do reggae com o rock. Ainda é um som cru e emotivo, mas Perry continua a refinar seu talento aqui, e isso fica evidente.

É uma mistura genuinamente cativante de ska, reggae e rock 'n' roll que atua como a introdução perfeita para Marley e a banda. O álbum apresenta alguns dos primeiros passos reais de Marley na composição também, incluindo canções como 'Kaya', 'Lively Up Yourself'' e 'Trench Town Rock' que brilham.


4. Burnin ' (1973)

1973 viu dois álbuns de Bob Marley e The Wailers - este é o último daquele ano, e é positivamente repleto de beleza e ritmo vibrante. O álbum sofreu uma mudança de postura quando o The Wailers se tornou Bob Marley And The Wailers, seguindo o crescente domínio do cantor sobre sua produção criativa.

Para confirmar sua passagem de cantor a líder do grupo, o álbum incluiu canções como 'I Shot the Sheriff'' e 'Get Up, Stand Up' que, até hoje, atuam como momentos marcantes na música. Com o lançamento deste álbum, Bob Marley havia se tornado o rei ungido do reggae e, a julgar pelo álbum; ele parece mais do que feliz em assumir o trono.


3. Natty Dread (1974)

Depois de abandonar os confortos com os fundadores originais Peter Tosh e Bunny Wailer e escolher sair por conta própria, Marley lançou seu álbum de 1974, Natty Dread, com aclamação da crítica. O álbum é um dos mais robustos de Marley, compilado com as canções que mostravam que ele sempre esteve destinado a estourar por conta própria.

O single de 1971 'Lively Up Yourself' foi apoiado por 'Them Belly Full (But We Hungry)' e 'Rebel Music', bem como o hino 'No Woman, No Cry'. A música é um exemplo perfeito da escrita de Marley - não só é emocionante e emotiva, mas também salta de todas as maneiras certas e pode convencer qualquer opositor de que o reggae vale mais do que seu peso.


2. Catch a Fire (1973)

Este foi o álbum que enviou Bob Marley e os Wailers para a estratosfera. Enquanto as canções foram todas compostas pelo grupo, o chefe da gravadora e o produtor do álbum Chris Blackwell se encarregaram de ter o instrumental dobrado (com overdubs) por músicos ocidentais. Isso tornou o álbum mais palatável para o público e, portanto, elevou a banda à fama.

De forma inovadora em sua gravação, o LP é um dos momentos mais pertinentes de toda a década de 1970. Embora muitos álbuns de Marley sejam imbuídos de músicas de alta qualidade, este álbum é uma introdução holística a tudo que é ótimo sobre Bob Marley. Rico, texturizado e sempre autêntico, Catch a Fire é quase perfeito.


1. Exodus (1977)

Depois de uma tentativa de assassinato foi feita contra Marley em sua casa em Kingston, ele escapou das garras da morte e foi para Londres para uma híato. Enquanto ele estava lá, o cantor começou a escrever seu álbum mais triunfante, Exodus. É certamente o álbum mais famoso que ele já fez, e há uma boa razão para isso - é de longe o melhor.

Algumas das melhores canções do cantor também podem ser encontradas no álbum, 'Waiting in Vain', 'Jamming', 'Three Little Birds' e 'One Love', todas estão no álbum. É um álbum que grita a qualidade de Marley tanto no estúdio quanto com a caneta. O cantor provou em Exodus que era um superstar em espera.

É um registro histórico que merece seu lugar no topo de todos os álbuns.


domingo, 31 de janeiro de 2021

THE CREATIVE ECHO CHAMMBER: CONTEMPORARY MUSIC PRODUCTION IN KINGSTON, JAMAICA

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O nome do livro - The Creative Echo Chamber - é bom porque o eco produz boas vibrações. Nos primeiros dias dos músicos como (King) Tubby, começamos a criar a música da câmara de eco criativa. Costumávamos pegar sons da TV como a música tema do filme Kojak e trabalhar com o ritmo. Foi daí que algumas das minhas músicas vieram, e chamamos de 'Lee Scratch Presents'. Era como fazer um filme, uma apresentação internacional da música. Mesmo assim, eu estava fazendo coisas de dancehall com Tubby. Era diferente do dancehall de agora.

A música da época era mais espiritual e não apenas para dançar ... ensinar, meditar, piedade, era como um mapa que as pessoas podiam seguir ... ver as crianças crescer e seguir, e geralmente incluía algo que envolvia Garvey, Rastafari e outras coisas como isso. Uma parte disso era ensinar a cultura do Rastafari. Nós, as pessoas, queríamos fugir do governo e realmente não queríamos nos misturar com eles ... era nossa filosofia que vivêssemos nossas vidas e eles vivessem as deles. Costumávamos falar sobre ganja, pois acreditávamos que o ganja deveria ser libertada há muito tempo antes.

As músicas desse período criativo incluem 'Jah Live', 'Man to Man' e 'Small Axe' - essas são as músicas que escrevi para Bob Marley quando ele me pediu para ajudá-lo. Era assim que costumávamos nos ajudar.

Foi assim que a música começou. Começamos a construir uma nação musical para representar a vibração espiritual na Jamaica. Reunimos tudo e construímos a Jamaica com um ritmo e uma bênção especial para tornar possível o impossível. É isso que estamos tentando fazer. Foi-nos dada essa energia e poder para liderar um certo número de pessoas na comunidade, para fortalecer a força da unidade. A combinação importante que temos aqui é a música - alguns podem tocá-lo e outros podem cantá-lo.
Temos a chave - uma chave mestra que deve ser do mestre que fez o bloqueio. O mestre que fez a chave nos trancou, nos fez uma chave mestra e nos mostrou como convocar o mestre para que pudéssemos fazer música representando Deus ... minha música deve estar representando Deus.

Em termos do lado comercial da música, eles (artistas) entram em seu estúdio, e você precisa se certificar de ter algum dinheiro, porque não viriam até você, a menos que você tivesse algum dinheiro.
A partir do momento em que esses artistas vêm encontrá-lo, você começa a pagá-los por causa dos problemas em casa, problemas no bolso. Então, todo esse dinheiro que você dá a eles é dinheiro grátis? E então você não deve voltar atrás ou tentar voltar atrás? Quando você tenta recuperá-lo, o que é dizem é deve ser tomado, ou arrancar deles.

O livro - The Creative Echo Chamber - é uma boa ideia. diga a verdade às pessoas, diga às pessoas o que você sabe. Não coloque no seu bolso ... você compartilha com outras pessoas, você não o coloca (seu conhecimento) no seu bolso e o esconde. Quando você compartilhar a verdade, ela alcançará todos os lugares, porque as pessoas ouvirão sobre ela e outra dirá; 'Você quer saber uma coisa, eu estava lendo um livro e sei exatamente como a música jamaicana começou e se desenvolveu'. E, finalmente, a palavra sai e o mundo sabe, e o livro saiu do escuro para dizer algo que nenhum outro livro diz.

A palavra final sobre o livro é que é uma ideia muito boa para você procurar no escuro e encontrar a verdade, e quando encontra a verdade no escuro, traz a verdade para a luz e a expõe às pessoas. Isso faz de você uma maravilha ou um gênio. História - você encontra a história real, o Black Ark Miracle (O Milagre da Arca Preta) - nem mesmo eu fiz algo sobre isso - e parece exatamente como isso. É por isso que a palavra vem assim - e isso - estava em algum lugar na sua cabeça.

Você esteve lá por muito tempo para ver a verdade, então agora você está aqui para escrever um livro sobre isso. É assim que a obra de Deus aparece e fala com as pessoas, e você ouve a palavra e diz 'É a verdade viva': é assim que Deus opera.


ASIN : B01MCXQO5C
Editora : Ian Randle Publishers (23 outubro 2016)
Idioma : Inglês
Tamanho do arquivo : 9787 KB
Leitura de texto : Habilitado
Configuração de fonte : Habilitado
X-Ray : Não habilitado
Dicas de vocabulário : Habilitado
Número de páginas : 244 páginas


quinta-feira, 21 de janeiro de 2021

O MAIOR EMBATE DO REGGAE :: DUKE REID VS. COXSONE DODD

Beenie Man e Bounty Killer não foram os primeiros gigantes jamaicanos a ter uma treta mortal. Nos primeiros dias da indústria musical jamaicana, batalhas temíveis foram travadas nas ruas do centro de Kingston enquanto os empresários do sistema de som conquistavam seus territórios. Já na década de 1950, as lendas Arthur "Duke" Reid e "Sir" Coxsone Dodd contrataram gangues de rua para frustrar a popularidade uns dos outros, o que significava atrair a maior multidão ou ganhar um confronto de som que muitas vezes custava um preço terrível. David Katz explora a curiosa rivalidade (e amizade) entre o Duke e o Sir, e como a violência - tanto real quanto imaginária - moldou a música jamaicana.

Como Steel Pulse lhe disse, na Jamaica “dois touros não podem reinar no mesmo curral”. Mas no final dos anos 50, dois gigantes emergiram como os governantes supremos do circuito do sistema de som. Seus nomes eram Duke Reid e Sir Coxsone, uma dupla cuja rivalidade acirrada e amizade peculiar ajudaram a alimentar muitos das maiores canções ska, rocksteady e reggae já gravadas.


Arthur Reid estará para sempre ligado ao seu Trojan Sound System. Antes de entrar na indústria da música, entretanto, Reid serviu como policial no centro de Kingston, alcançando o posto de sargento. Seu mandato de uma década na força o deixou com fortes conexões locais e um amor de longa data por armas de fogo, que ele orgulhosamente exibiu na arena musical: se vestindo como um pistoleiro, ele aparecia em bailes com um cinto de balas no peito e uma pistola em cada mão, às vezes carregando um rifle para garantir.

Atos violentos de sabotagem e intimidação foram a chave para o Duke Reid ser coroado o "Rei do Sounds e do Blues".


A loja de bebidas que ele e sua esposa Lucille administravam em uma propriedade extensa na Bond Street, no oeste de Kingston, era frequentada por criminosos da favela Back-O-Wall, e ele contava com temidos líderes de gangues como Woppi King e Dapper Dan entre seus amigos pessoais. Tom The Great Sebastian, costuma ser citado como o primeiro sistema de som jamaicano a obter considerável sucesso, mas os capangas de Reid acabaram por tirar Tom The Great Sebastian da corrida - seus atos violentos de sabotagem e intimidação foram fundamentais para que o Duke Reid fosse coroado o “Rei dos sounds e do blues” na casa de eventos Success Club por três anos consecutivos em meados dos anos 50.


Embora Coxsone Dodd tenha se tornado o maior rival de Duke Reid, ele na verdade começou como um seletor convidado no Trojan Sound System, tocando uma nova leva de discos de rhythm and blues americanos que comprou em sua primeira viagem aos Estados Unidos em 1953, após um período de trabalho agrícola sazonal. Dodd era cerca de dezesseis anos mais novo que o duque e o conhecia desde jovem, porque os Reids eram amigos dos pais de Dodd.

No mundo violento do sistema de som, Dodd inicialmente lutou para atrair multidões para seu próprio sistema Downbeat, em parte porque o público das festas sabia que ele era vulnerável a ataques físicos dos apoiadores do Duke Reid. A arma secreta de Coxsone era o Prince Buster, na época forte no boxe de rua, e ele ra do bairro de Reid. Buster estava disposto a desertar algumas ruas mais ao leste para o Coxsone armar seu acampamento. Buster tinha sido um seguidor leal de Tom The Great Sebastian, que foi efetivamente banido pelos capangas de Reid.


Em um baile realizado no Forrester's Hall no final de 1957, no qual o som do Trojan de Reid colidiu com o Downbeat de Sir Coxsone, Buster não só conseguiu quebrar o canivete do Duque Reid, mas sacou sua faca para evitar emboscadas de seus ex-companheiros de gangue, demonstrando que o recém-chegado de Coxsone a tripulação fortificada não se encolheria diante dos ataques dos melhores do Back-O-Wall.

O Príncipe Buster não só conseguiu quebrar o canivete, mas sacou sua faca para se defender de emboscadas de seus ex-companheiros de gangue.


A sabotagem nem sempre envolveu violência. De fato, Buster se infiltrou nas festas de Duke Reid e outros sistemas de som rivais para descobrir quais discos estavam tocando, a fim de estragar sua exclusividade. E, depois que Buster deixou o sound system de Coxsone para se dedicar a música por conta própria, tarefas semelhantes foram realizadas por Lee "Scratch" Perry. The Upsetter foi resgatado por Dodd após uma briga no quartel-general do Duke Reid, em que Reid espancou Perry levando ele um nocaute - uma resposta não-verbal ao protesto das letras roubadas de Perry.

A exclusividade sempre foi um componente-chave das batalhas do sistema de som, e Reid e Dodd fizeram de tudo para garantir que pudessem manter a vantagem. Dodd até mandou prender um homem em setembro de 1961, quando um membro da Downbeat descobriu que ele havia furtado um dubplate exclusivo.

O lado curioso de tudo isso é que Dodd e Reid mantiveram uma camaradagem íntima com o passar dos anos. No início dos anos 60, Dodd lançou muitas farpas gravadas na direção de Duke, incluindo o imortal Don Drummond ska instrumental "Schooling the Duke", bem como faixas vocais como "Prince and Duke" e "Me Sir", de Lee Perry, gravações de canções que alegremente difamam a aliança temporária que Prince Buster formou com Reid.


No entanto, em meados da década, estava claro que o duque estava em uma situação difícil. Suas vendas estavam diminuindo devido à mudança confiante de Coxsone para o ska com o Skatalites e The Wailers. No entanto, Reid sabia exatamente para onde se voltar e abordou o próprio Sir Coxsone, filho de velhos amigos da família, para fazer uma troca de produção: não apenas Dodd permitiu que Reid manuseasse uma parte de "Green Island" de Don Drummond em troca de um gravação de “Eastern Standard Time” (que apareceu no álbum Best of Don Drummond de Dodd), mas Sir Coxsone também enviou meia dúzia de artistas do Studio One para o QG (Treasure Isle Studios) de Reid na esperança de reviver sua fortuna.

Depois do trágico assassinato da namorada de Don Drummond, que precipitou a separação dos Skatalites, Duke Reid encontrou uma mudança inesperada a seu favor. Depois que o líder da banda do Skatalites, Tommy McCook, se tornou o arranjador interno do recém-construído Treasure Isle Studios de Reid, ele se tornou o epicentro de todo o movimento rocksteady, e Reid se tornou o principal produtor da época.

BB Seaton, Errol Brown, Willie Lindo at Treasure Isle Studios, 1975. Soul Beat

Além de derrotar Coxsone com sucessos imbatíveis de The Melodians, The Sensations, The Paragons e The Techniques, Reid teve vários sucessos consideráveis ​​com Justin Hinds e Alton Ellis. Dodd dificilmente aceitou isso: assim que a oportunidade se apresentou, ele atraiu Ellis de volta ao Studio One, onde o cantor gravou algumas das mesmas canções que ele tocou no Treasure Isle, como "Breaking Up".

Quando o rocksteady se transformou em reggae, Sir Coxsone mais uma vez subiu ao topo ... até que o reggae finalmente deu lugar ao dancehall. Foi quando Reid pegou o manto mais uma vez, inaugurando a mania do DJ ao colocar as letras fluidas de U-Roy sobre seus velhos ritmos rocksteady, resultando nas três primeiras posições nas paradas de rádio e no altamente influente álbum Version Galore do U-Roy. Para não ficar de fora, Dodd rebateu com o popular álbum Forever Version de Dennis Alcapone (embora Alcapone mais tarde gravasse extensivamente para Reid).

Em retrospecto, a rivalidade prolongada entre o duque e o senhor estimulou significativamente mudanças dramáticas na direção criativa geral da música jamaicana. Ao mesmo tempo, a amizade profunda no coração do seu relacionamento, reforçado por laços familiares de longa data, de alguma forma sempre permaneceu intacto.

Esse tipo de rivalidade pública e amizade privada parece quase nativa da música jamaicana. Prince Buster e Derrick Morgan, por exemplo, gravaram uma série de discos de ska "zombando" um do outro, que tiveram um efeito tão dramático nos fãs que o primeiro-ministro teve que intervir - uma reconciliação pública foi encenada, mesmo que os dois continuassem amigos.

Em contraste, durante a era do reggae de raíz, I-Roy e Prince Jazzbo se envolveram em uma espécie de luta justa como se fossem os Beatles e os Stones - mas isso foi apenas um truque de vendas instigado pelo produtor Bunny Lee em nome de uma gravadora canadense, e parece totalmente não relacionado a qualquer relacionamento pessoal entre os dois toasters. Em tempos mais recentes, Beenie Man e Bounty Killer se envolveram em discussões públicas prolongadas, mas a amizade nunca pareceu parte da barganha e sua reconciliação pública não durou. A rivalidade das gangues jamaicanas "Gaza / Gully" entre Mavado e Vybz Kartel, entretanto, é provavelmente a "treta" de reggae mais drástica de todos os tempos e ainda mostra poucos sinais de diminuir,  apesar do encarceramento de Vybz Kartel.

O incrível pós-escrito da saga Duke Reid e Sir Coxsone? O respeito desses gigantes um pelo outro era tão profundo que dizem que Duke Reid realmente convocou Sir Coxsone ao seu leito de morte para discutir certos detalhes de negócios. No mundo canino da música jamaicana, foi talvez o maior elogio que ele jamais poderia ter feito.


quinta-feira, 10 de agosto de 2017

THE UPSETTER :: UMA CONVERSA COM LEE 'SCRATCH' PERRY







Veja o inimitável Lee 'Scratch' Perry fechar o Loop do ano passado (2016) em uma conversa com o diretor musical Emch (Subatomic Sound System) e Volker Schaner, diretor do documentário Lee Scratch Perry's Vision Of Paradise.









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sexta-feira, 14 de outubro de 2016

ROD TAYLOR & DREAD AT THE CONTROLS - HIS IMPERIAL MAJESTY [TRADUÇÃO]




'Dash yuh weh dread... please sir, would you mind saying that again!'

Três nomes principais fazem essa música ser uma das prediletas, essenciais, cruciais e absolutamente todos os termos possíveis para dizer que; É uma das músicas mais importantes do reggae (na opinião desse que escreve). 


Um dos nomes é Rod Taylor, ou apelidado Rocker T. Antes da carreira solo, o veterano formou um grupo de curta duração chamado The Aliens, com nada menos que Barry Brown e Johnny Lee, Taylor gravou seu primeiro single "Bad Man Comes And Goes" em 1975 para Ossie Hibbert. Ele ganhou exposição como parte do coletivo de Bertram Brown, o selo Freedom Sounds (juntamente com outros artistas de reggae como Prince Alla e Earl Zero), lançando o hit single "Ethiopian Kings" (outro predileto do acervo). E essa música foi a que o levou a trabalhar com o segundo músico principal (citado nesse artigo) dessa música (His Imperial Majesty), o produtor e músico Mikey Dread. Já no final dos anos 70 e início dos anos 80, Rod Taylor trabalhou com uma variedade de produtores,  incluindo o Prince Far I, Ossie Hibbert, Prince Hammer, e Nigger Kojak dentre vários outros.

Michael Campbell ou mais conhecido como Mikey Dread nasceu em Port Antonio, um de cinco filhos, e desde cedo Campbell mostrou uma aptidão natural para a engenharia e eletrônica. Como um adolescente, tocou com o Safari and Sound of Music Sound System, e trabalhou na estação de rádio no colegial.

Ele estudou engenharia elétrica na Faculdade de Artes, Ciência e Tecnologia, e em 1976, começou a trabalhar como um engenheiro com a Jamaican Broadcasting Corporation (JBC). Campbell não estava impressionado que o que tocava na JBC consistia principalmente de música pop estrangeira, num momento em que alguns dos grupos de reggae mais potentes estavam sendo gravados na Jamaica. Ele convenceu seus chefes da JBC a lhe dar o seu próprio programa de rádio chamado Dread At The Controls, onde tocou quase exclusivamente reggae. Pouco tempo depois, Campbell (agora usando o nome de DJ Mikey Dread), ele teve o programa mais popular na CMO. Muito conhecido por sua diversão e estilo sonoro aventureiro, o Dread at the Controls (Dread Nos Controles) se tornou um sucesso em toda a Jamaica. Exemplos de locuções de rádio de Mikey Dread, podem ser ouvidos no lançamento nos EUA pelo selo RAS Records, no álbum African Anthem Dubwise.


Ele também começou a trabalhar como músico, com talentos como Lee "Scratch" Perry produzindo sua música com sua assinatura clássica "Dread at the Controls", também gravou para Sonia Pottinger e Joe Gibbs, e fez inúmeros eventos com o Socialist Roots Sound System. Inevitavelmente, o tratamento conservador da JBC e Campbell entraram em confronto, e ele saiu em protesto em 1978, e trabalhou como engenheiro no estúdio Treasure Isle, onde começou uma parceria com o produtor Carlton Patterson. Eles produziram diversos trabalhos Mikey Dread como por exemplo, "Barber Saloon", dentre vários outros artistas e músicos.


No final de 1970 ele começou sua própria gravadora e selo DATC, trabalhando com artistas como Edi Fitzroy, Sugar Minott e Earl Sixteen. Ele também produziu suas próprias músicas. A gravadora lançou álbuns como Evolutionary Rockers (lançado no Reino Unido como Dread at the Controls) e de World War III.

  • KING TUBBY - O PRODUTOR QUE TRANSFORMOU O DUB EM FORMA DE ARTE

O terceiro músico e produtor nessa música é nada menos que Osbourne Ruddock, mais conhecido como King Tubby... o originador ou inventor do Dub como gênero musical.




ROD TAYLOR - HIS IMPERIAL MAJESTY





His Imperial Majesty, Emperor Haile Selassie I
His Imperial Majesty, Emperor Haile Selassie I

Look how long, look how long
Since we've been waiting down here
We have suffered and felt the pain
Year after year

Jah, O Jah Rastafari! Emperor Haile Selassie I
Jah, O Jah Rastafari! Emperor Haile Selassie I

Set me free, set me free
From Babylon's slavery and misery
We are all of one religion
'Cause I'm a true-born Rastaman

Jah, O Jah Rastafari! Emperor Haile Selassie I
Jah, O Jah Rastafari! Emperor Haile Selassie I

(..)
Oh, yeah..
Rastafari.. oh

Set me free, set me free
From Babylon's slavery and misery
We are all of one religion
'Cause I'm a true-born Rastaman

Jah, O Jah Rastafari! Emperor Haile Selassie I
Jah, O Jah Rastafari! Emperor Haile Selassie I

They took us away, from Africa
And bought us down here in Jamaica
To work on the big plantation
All we see was frustration

Jah, O Jah Rastafari! Emperor Haile Selassie I
Jah, O Jah Rastafari! Emperor Haile Selassie I

Oh, yeah..
Rastafari.. oh, yeah


Sua Majestade Imperial, Imperador Haile Selassie I
Sua Majestade Imperial, Imperador Haile Selassie I

Olhe quanto tempo, olha quanto tempo
Desde que estávamos esperando aqui em baixo
Sofremos e sentimos a dor
Ano após ano

Jah, O Jah Rastafari! Imperador Haile Selassie I
Jah, O Jah Rastafari! Imperador Haile Selassie I

Liberte-me, liberte-me
Da escravidão e da miséria da Babilônia
Somos todos de uma religião
Porque eu eu sou Rastaman nascido de verdade

Jah, O Jah Rastafari! Imperador Haile Selassie I
Jah, O Jah Rastafari! Imperador Haile Selassie I

(..)
Oh, yeah..
Rastafari .. oh

Liberte-me, liberte-me
Da escravidão e da miséria da Babilônia
Somos todos de uma religião
Porque eu eu sou Rastaman nascido de verdade

Jah, O Jah Rastafari! Imperador Haile Selassie I
Jah, O Jah Rastafari! Imperador Haile Selassie I

Nos levaram para longe, da África
E nos compraram aqui na Jamaica
Para trabalhar na grande plantação
Tudo o que vemos foi frustração

Jah, O Jah Rastafari! Imperador Haile Selassie I
Jah, O Jah Rastafari! Imperador Haile Selassie I

Oh sim..
Rastafari .. oh, yeah


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