King Tubby, que é considerado o inventor do conceito do remix, foi morto em 6 de fevereiro de 1989, fora de sua casa em Duhaney Park, em St. Andrew. Ele estava voltando de uma sessão em seu estúdio na Drumalie Avenue em Waterhouse.
É no dia 6 de fevereiro o aniversário de grandes nomes do reggae como Derrick Harriot e Bob Marley que a vida de um gênio musical foi extinguida. O produtor musical e engenheiro original Osbourne ‘King Tubby’ Ruddock foi baleado e morto naquele dia de fevereiro de 1989, fora de sua casa em Duhaney Park, St Andrew. Ele estava voltando de uma sessão em seu estúdio na Drumalie Avenue em Waterhouse.
Passando três décadas, a vida e o legado de King Tubby, cujas inovações revolucionárias no estúdio o viram “elevar o papel do engenheiro de mixagem a uma fama criativa anteriormente reservada apenas para compositores e músicos”, serão celebrados de forma gigantesca. Paul Scott, o promotor do show King Tubby, ‘Sound System Club Presents: Firehouse Crew and Friends Tribute to King Tubby 31 Years Since his Passing', é inflexível ao afirmar que a grandeza de King Tubby não deve ser esquecida.
“O evento está sendo planejado para reconhecer as contribuições de King Tubby para a música reggae e música eletrônica em todo o mundo. O evento é um apelo para que King Tubby seja homenageado com distinção e destaque sua contínua representação interminável do maior atributo da Jamaica: a música reggae. Assim que comecei a viajar pelo mundo, meus olhos foram abertos para o respeito concedido a King Tubby e suas criações musicais”, diz Scott, ex-gerente de negócios de Tubby, ao The Gleaner.
HOMENAGEM AO KING TUBBY
Paul Scott - Organizador e ex agente de King Tubby.
Um evento virtual, que será transmitido ao vivo do estúdio do King Jammy em Waterhouse em 27 de março e verá apresentações do The Firehouse Crew, a banda que se orgulha de que sua carreira começou com King Tubby; participaram do evento o protegido de Tubby, Anthony Redrose; o saxofonista Dean Fraser; e os cantores Courtney Melody, Thriller U, Duane Stephenson e Miriam Simone do Suriname. A banda The Firehouse Crew estará lançando um álbum dub, Tribute To King Tubby, especialmente para o evento.
King Tubby, cujos dubs se tornaram a trilha sonora daquela época, tornando-o uma figura de imensa influência, é freqüentemente retratado como alguém vestido de humildade. Scott compartilhou com o The Gleaner que King Tubby era “muito quieto e estudioso” e gostava de ouvir um pouco de jazz, de preferência de Thelonious Monk, no final do dia. George Miller do Firehouse Crew concordou. “Ele não era muito falador. Ele era um gênio. Tubby era uma pessoa calorosa que foi nosso mentor e padrinho”, declarou Miller.
A jornada musical de King Tubby começou quando ele tinha 17 anos e dirigiu seu próprio sound system, o Tubby’s Hometown Hi-Fi em 1958. Ele atraiu U-Roy e Dennis Alcapone, que eram os DJs que cantavam no sound system. Mais tarde, ele se aventurou no mundo da engenharia de estúdio e se tornou excepcional no que fazia. Curiosamente, o trabalho pioneiro do engenheiro de estúdio como eletricista é frequentemente citado como uma das razões de sua experiência no campo da engenharia de som. Diz-se que seu conhecimento de circuitos e equipamento bruto remodelaria a paisagem musical. “O fato de ser eletricista influenciou os sons que ele criou e o conhecimento dos equipamentos com que ele trabalhou. Ele não apenas fez o equipamento eletrônico, [mas] ele poderia mudar a maneira como eles operavam para dar a ele o som que ele queria”, explicou Scott.
Tubby, que conquistou a realeza com sua capacidade de inovação, usou seu pequeno estúdio na comunidade musical de Waterhouse para produzir um som totalmente novo que “redefiniu a música popular jamaicana nas décadas de 1960 e 1970”. E, de acordo com Scott, King Tubby estava ciente de sua própria grandeza. “Sim, mas ele não se gabava disso. O título 'Rei' veio de sua inovação e do comando que ele tinha sobre os aspectos criativos do dub, que ele transformou em uma forma de arte”, elaborou Scott.
Segundo uma de suas biografias, King Tubby pode ser considerado o inventor do conceito do remix, que mais tarde se tornou comum na produção de dance e música eletrônica. Seu dub mais famoso e um dos mais populares de todos os tempos foi King Tubby Meets Rockers Uptown de 1974. Diz a lenda que a sessão original foi para uma música de Jacob Miller chamada Baby I Love You So, que apresentava o baterista de Bob Marley, Carlton Barrett, tocando um ritmo tradicional 'one drop'. Quando Tubby completou o dub, que também contava com Augustus Pablo na melódica, a bateria de Barrett se regenerou várias vezes e criou um ritmo totalmente novo, que mais tarde foi marcado como "rockers". Esta faixa seminal também apareceu mais tarde no álbum de 1976 de Pablo de mesmo nome, King Tubby Meets Rockers Uptown.
KING TUBBY É UMA DAS MAIS IMPORTANTES FIGURAS DA MÚSICA POPULAR JAMAICANA.
Durante a década de 1960 e início de 1970, Tubby era responsável por transformar o dub em uma forma de arte, o criativa re-mix , fez dele pioneiro em um pequeno estúdio no gueto de Waterhouse, tendo um impacto de longo alcance . Como seu amigo e rival em algum momento , Lee ' Scratch' Perry, Tubby fazia parte de um punhado de visionários jamaicanos cujas inovações não só mudou a forma de reggae, de forma sem precedentes, mas que também formaram um modelo para tantas outras produções musicais contemporâneas, seja no rap e hip- hop, jungle , garage e grime , ou várias formas de música eletrônica - especialmente dubstep, o filho bastardo britânico do dub jamaicano.
Muito mal compreendido , e às vezes sub-representado na literatura música, King Tubby não era um produtor de discos padrão até muito tarde na sua vida, e sua ocupação regular foi fornecer transformadores para estabilizar a corrente elétrica de empresas e sistemas de som parecidos. No entanto, a cultura do remix, hoje está largamente dependente da engenhosidade de Tubby , as técnicas que ele introduziu indelevelmente mudando a maneira como a música popular contemporânea é feita e emitida.
Ele nasceu Osbourne Ruddock em 1941, e foi criado com três irmãos e quatro irmãs perto do porto de Kingston em High Holborn Street, uma das estradas mais proeminentes no lado leste do centro. Então, no início de 1950, ele se mudou com sua mãe para 18 Dromilly Avenue , no bairro Penwood de Waterhouse, uma extensa área de Kingston ocidental, onde uma série de novos empreendimentos habitacionais recentemente tinham sido construídos. Em comparação com a grave superlotação do centro da cidade , Penwood deve ter se sentido como um passo no mundo. No entanto , o bairro mais tarde se tornaria um outro distrito inflamado, uma vez que a violência politicamente motivada se tornou um problema sério.
Ao invés de se referir a tipo físico (que sempre foi magro), o apelido de "Tubby" decorre do sobrenome de sua mãe, Tubman. Ele desenvolveu um interesse em eletrônica na adolescência, e estudou o o tema na Faculdade de Artes, Ciência e Tecnologia em Kingston, e se aprimorou através de cursos por correspondência a dos EUA. Ele começou a construir rádios a partir de peças descartadas e recuperados de lixeiras, e logo abriu uma oficina de reparação elétrica na parte de trás da casa de sua mãe. Além do trabalho, mais tarde ele fez um transformador nas instalações, Tubby começou a construção e manutenção de amplificadores para sistemas de som locais, e em 1958 ele fez um para si mesmo, um pequeno conjunto inicialmente conhecido como Hometown Hi-Fi, que tocou rhythm and blues americano, e só apareceu para selecionar em locais de turísticos no início. No entanto, sua popularidade levou à coroação de King Tubby na sequência de um clash de som em Waterhouse no início dos anos 60, e no final daquela década, uma vez U Roy se tornou parte, King Tubby Hi Fi começou a tocar para um público maior. Seu sistema de som também foi o primeiro a usar reverb em público - uma grande inovação sonora no momento. Tragicamente, o som foi destruído pela polícia em 1975.
Em meados dos anos 1950 , Tubby foi como um mentor para seu vizinho mais jovem, Lloyd ' Jammy' James (que viveu algumas casas para baixo, no número 92), e de acordo com Jammy , ele operou brevemente uma estação de rádio pirata na era do ska (chamada TRS, a estação de rádio de Tubby), mas foi desmantelada quando soldados foram enviados para encontrar a fonte , uma vez que as emissões da estação entraram em confronto com as de frequência de rádio mainstream Jamaicana. Tubby e Jammy permaneceriam extremamente perto nas décadas que se seguiram - mesmo quando Jammy , eventualmente, decidiu tornar-se um produtor rival.
Tão pouo foi documentado naquele momento, o envolvimento precoce de King Tubby na música, por vezes, tem sido deturpado. O sobrinho de Tubby recentemente esclareceu que, embora ele manteve seu equipamento no estúdio Treasure Isle de Duke Reid durante o final dos anos 60, ele não era um engenheiro aprendiz ou produtor de dub local, como tem sido afirmado muitas vezes. Além disso, diz a lenda que Tubby estava presente quando Redwood Rudolph 'Ruddy' foi engenheiro residente, e Byron Smith mixou alguns dubplates para o seu sistema de som, em que o vocal foi inadvertidamente removido, abrindo o caminho para o fenômeno da "versão" nos lados B, em que canções vocais previamente gravados teriam suas faixas de ritmo removido para versões instrumentais alternativos ou espaços para o deejay, embora Tubby uma vez alegou que ele foi o primeiro a fazer isso. Em ambos os casos, Tubby adquiriu uma máquina de fita de duas pistas que ele começou a usar para misturar acetatos como dubplates e 'versões' para sistemas de som. O cantor Pat Kelly, que era engenheiro de áudio para Tubby nos primóridos, diz que ele estava trabalhando com King Tubby a partir, talvez, já em 1969, embora outros tenham questionado as memórias de Kelly.
As coisas definitivamente deram grande passo após Bunny Lee ajudar Tubby a adquirir uma mesa (de som) MCI da Dynamic Sounds em 1971, levando Tubby a transformar a sala da frente na 18 Dromilly Avenue em um estúdio de remixes, adicionando delay e reverb para o 'versão' que ele estava mixando, criando assim o dub como nós o conhecemos agora. Logo os mais importantes produtores de discos independentes, sem estúdios próprios estavam batendo em sua porta, com Niney The Observer, Lee 'Scratch' Perry, Keith Hudson, Yabby You e Augustus Pablo estando entre os mais notáveis para beneficiar Tubby em seu trabalho. A partir de 1972, o espaço foi utilizado regularmente para a colocar voz nas faixas, bem como, embora não fosse grande o suficiente para uma banda completa para gravar lá. De acordo com Cornell Campbell, que afirma que sua interpretação de 'Never Found A Girl' foi a primeira música gravada nas instalações, Tubby era inicialmente relutante para gravar artistas lá, mas depois de ouvir os resultados, e com o incentivo de Bunny Lee, ele transformou um banheiro um áquario para as gravações. Em seguida, ele se tornou uma referencia para os produtores independentes que levavam suas faixas de para que Tubby mixasse em seu estúdio, bem como para ter suas versões dub mixadas lá.
King Tubby também foi fundamental para fazer um álbum dub de forma viável para a ser lançado, levando à crescente popularidade no exterior nos meados dos anos 70 . No entanto , a natureza limitada do equipamento de gravação de Tubby tem estimulado muito debate ao longo dos anos . Um elemento importante da mesa de som foi seu filtro high-pass , que Tubby usava para efeitos dinâmicos em muitos de seus maiores dubs . E foi sempre uma equipe de engenheiros que estavam trabalhando lá, ao invés de apenas Tubby. Nos primeiros dias de seu estúdio, o cantor Pat Kelly foi um dos engenheiros residentes em uma base on-off , mas ele foi substituído por Philip Smart no final de 1973 ; quando o Smart posteriormente migrou para os EUA, isso levou a um retorno temporário de Kelly, até Prince Jammy voltar à Jamaica no início de 76 para se tornar o braço direito do Tubby . Perto do final da década de 70, o jovem Scientist tornou-se outro aprendiz importante, e Peter Chemist e Professor foram engenheiros de som de algumas músicas de Tubby no início dos anos 80 também.
Enquanto isso, Jammy estava no processo de romper com Tubby , a construção de seu próprio estúdio em sua casa na cidade vizinha de St Lucia Road. O enorme sucesso que Jammy teve com o teclado Casio 'Under Mi Sleng Teng", em 1985, convenceu Tubby para atualizar seu estúdio e a fazer uma mudança para o digital e programação em computador. No entanto, uma vez que o estúdio foi instalado e funcionando, Tubby tomou ainda mais de um papel de passageiro por trás de algumas produções, deixando associados, tais como Peego , Phantom e Fatman Thompson para realizar a maioria de suas sessões de gravação. O resultado final foi que ele foi muitas vezes ficou na sombra de Jammy no inicio da fase digital, embora tenha lançado alguns sucessos notáveis de sua própria autoria também.
A vida de King Tubby acabou tragicamente 6 de fevereiro de 1989, vítima de outro assassinato sem sentido. O atirador não identificado levou dinheiro , jóias, e mais notavelmente, arma de fogo licenciada de Tubby , que foi, provavelmente, a razão pela qual ele foi alvo em primeiro lugar. Embora o assassinato de Tubby foi como um golpe terrível para o reggae , a música que ele fez é verdadeiramente imortal. O que segue são dez exemplos supremos de trabalhos maravilhosos produzidos no estúdio de King Tubby , concebido e mixado pelo próprio King, junto com alguns de seus parceiros mais próximos.
Cantor e produtor Glen Brown tem o seu início com o Sonny Bradshaw 7 em meados dos anos 60, quando eram o principal grupo de jazz da Jamaica. Seu profundo amor pelo jazz sustentou sua abordagem eclética para a produção de música, e deu-lhe um grande espaço com Tubby. Na verdade, os dois cresceram no mesmo bairro no centro de Kingston, e desfrutaram de uma longa amizade. 'Merry Up' foi em grande parte o resultado de sabotagem: Brown construiu o riddim no estúdio Dynamics para uma música que ele produziu com Ken Boothe e BB Seaton, " Welcome To My Land ", mas um produtor rival tinha apagado os vocais quando ele voltou para a estúdio com dinheiro para recuperar a fita. Ele chamou Joe White para tocar um pouco de escaleta na música, e fez as linhas de voz. Mas o último mix-down foi feito por King Tubby em seu estúdio, e da forma como Tubby introduz a canção com uma dose de atraso aguado significava que ele estava carimbando sua identidade em todo a gravação.
Lloyd & Kerry - ‘Tubbys In Full Swing’ (High School/Attack 7”, 1972)
O dub abriu todos os tipos de possibilidades para a experimentação de áudio, incluindo piadas audíveis. Esta gravação malandra, creditada os vocais a Carey 'Wildman' Johnson e o cantor Lloyd Young, foi produzido por Tony Robinson 'Prince', e é provavelmente o primeiro a referenciar King Tubby pelo nome. Quando a música começa a tocar, Johnson dá um selvagem grito na introdução, o tipo de coisa que você pode ouvir em um evento de sistema de som; alguns versos dos Staples Singers 'I’ll Take You There' no começo e Johnson coloca um fim, e um tambor reverberando da espaço para um órgão reggae e trombone instrumental. Este tipo de truque de áudio não era comum fora da Jamaica, e King Tubby foi um pioneiro do processo.
Augustus Pablo - ‘King Tubby Meets Rockers Uptown’ (Yard Music/Island 7”, 1975)
Embora suas primeiras produções foram feitas no Randy's e Dynamics, Augustus Pablo tinha uma grande afinidade com King Tubby e a maioria de seus maiores dubs foram mixados no estúdio de Tubby. Essa parceria ecoa na faixa de Jacob Miller, 'Baby I Love You So', uma prévia da composição de Pablo 'Cassava Piece'; Tubby modificou tudo, deixando alguns fragmentos do vocal de Miller, em vez de se concentrar no bumbos de Lloyd 'Tin Legs' Adams, deixou um baixo pulsante, e a melodica e teclado em partes desconexas . O resultado foi tão surpreendentemente excelente que o dub foi lançado no lado A do single.
Fatman Rhythm Section - ‘King Tubby’s Version’
(Arab/Ty Disco Rockers 7”, 1975)
Depois de não conseguir produzir uma versão crível de sua própria ‘None Shall
Escape The Judgement’, o cantor de Greenwich Farm, Earl Zero começou a gravar esporadicamente para produtores independentes. Sua música ‘Please
Officer’ (o título é um equívoco , uma vez que ele fala dos ‘Peace Officers’ (oficiais da paz) na música) foi o primeiro gravado por Ian e Roger Lewis do Inner Circle , e tornou-se uma música obscura tão influente que Jimmy Cliff, fez uma versão de sua autoria. O single original veio com um dub minimalista mas altamente eficaz, com o nome de King Tubby no título.
The Aggrovators - ‘A Rougher Version’
(Jackpot 7”, 1976)
Desde que Bunny Lee ajudou King Tubby para estabelecer seu estúdio e lhe deu o impulso inicial para gravar, faz sentido que Lee iria ficar a maior parte da produção criativa de Tubby. Lee ajudou Johnny Clarke a se tornar uma grande estrela por ter gravado a música de Earl Zero ‘None Shall
Escape The Judgement’, que foi gravada e mixada pelo próprio King Tubby; a música de Clarke ‘Don’t
Trouble Trouble’ é um de seus maiores sucessos para Lee, e embora a canção foi gravado como uma farpa musical que visa a cabeça de Jacob Miller (ao invés daa atração de vida do vândalo, como em seu igualmente excelente ‘Don’t Want To
Be A Rude Boy’), o lado B de Tubby é puro dub mágico, com fogo de metralhadora, ruídos submarinos e outros sons assustadores de detonação no topo de um riddim do Aggrovators, com o seu maravilhoso horn fanfare (trombetas).
Tommy McCook - ‘Death Trap’
(Prophets 7”, 1976)
Yabby You aka Vivian Jackson, foi outra figura musical que sentiu uma forte afinidade com King Tubby. Quase todos os seus dubs foram mixados no estúdio de Tubby, a maior parte de seu trabalho também foi gravado lá, e de fato Tubby é o homem que deu a Jackson seu invulgar e duradouro apelido quando ele começou a gravar aproxidamente em 1972. Tal como acontece com Glen Brown, o desfigurado fisicamente Yabby You teve muitas idéias , mas com pouco tato para finanças, muitas vezes batalhando a vida, ou apostando em corridas de cavalos. Algumas das primeiras produções de Yabby baseou-se em riddims adquiridos de Bunny Lee; ouvintes interessados notaram que a flauta estranha de Tommy McCook, 'Death Trap', usa o mesmo riddim de Linval Thompson 'Big Big Girl'; ambos apresentam o estilo flying cymbal (chimbal) que estava dominando a Jamaica em 1974-5, com base em um padrão de chimbal aberto e fechado, adaptado da música tema do programa Soul Train. Para ter uma idéia melhor da arte de Tubby , ouça a versão, 'Living Style', credita a ele.
I Kong - ‘Zion’s Pathway’
(Top Ranking/Cavlip 12”, 1978)
Errol Kong, sobrinho do lendário produtor chinês-jamaicano Leslie Kong, começou a gravar como Ricky Storme e mais tarde tomou o nome que I Kong, em referência à sua ascendência Africana e sua adesão à fé Rastafari. ‘Zion’s Pathway’ é uma das músicas mais marcantes da era roots reggae, co-produzido por Geoffrey Chung com uma infinidade de músicos talentosos , incluindo membros do Third World e alguns dos melhores metais da Jamaica, mas não foi amplamente distribuíd , e continua a ser um clássico um pouco esquecido (embora uma reedição recente da Iroko possa resolver sua obscuridade). Sua versão extendida no 12inch faz uso máximo de parte dub Pat Kelly, um dos maiores dubs que ele já mixou no estúdio de King Tubby.
Mikey Dread & the Instigators - ‘Robbers Roost’
(40 Leg 7”, 1978)
Michael Campbell mudou a forma de rádio jamaicana com seu Dread
at the Controls na JBC, que tocava nada mais do que reggae jamaicano, a noite toda em determinados dias da semana, durante o final dos anos 70. O show atraiu um culto de seguidores em todo o mundo, com a banda Clash tornando-se grande fã dele. E quando o re-nascido Mikey Dread começou a entrar em produção musical própria, King Tubby foi uma grande parte da experiência. ‘Robbers Roost’ é um dub fascinante de Edi Fitzroy ‘Country Man', em si uma excelente música, mas dado o tratamento de Tubby completo com efeitos sonoros esse saltam fora de seus alto-falantes em todas as direções.
King Tubby - ‘Cus Cus Dubwise’ aka ‘Dread Dub’
(Tads/Vista Sounds LP, 1981)
Lloyd Robinson primeiro gravou a censurada 'Cuss Cuss' para o produtor Harry J em 1968. A canção era tão à frente de seu tempo que ele ainda soava atual no final dos anos 70, quando uma série de outros artistas regravaram a música, incluindo Horace Andy para o Wackies. Não é inteiramente claro quando King Tubby mixou "Cus Cus Dubwise", também conhecida como 'Dread Dub' ( ou, na verdade, se realmente Tubby mixou, ou outro engenheiro em seu estúdio). O produtor sediado em Nova York Tad Dawkins foi quem a colocou em um alguns de seus álbuns. Mas em qualquer caso, o próprio dub é poderosamente impressionante, sendo o baixo uma grande parte da música, sobressaindo sobre o restante dos instrumentos.
Anthony Red Rose - ‘Tempo’ (Firehouse 7”, 1985)
Protegido de Tubby, Prince Jammy tornou-se o homem do momento depois que ele lançou 'Under Mi Sleng Teng' em 1985. Os processos de produção mudaram durante a noite, e Tubby atualizaou seu estúdio para começar com o programação de músicas . Embora tenha permanecido na sombra de Jammy por grande parte dos anos seguintes, ele começou a produzir sucessos significativos, dos quais o mais notável é certamente ' Tempo', a música de Anthony Red Rose sobre a batalhas dos sistemas de som. O próprio título é, aparentemente, um equívoco, uma vez que Anthony fala da "paciência" (ou temperamento) dos soundmens, ao invés do 'tempo' de uma música.
No ano passado, tive o prazer de entrevistar um dos pioneiros do dub e reggae: Hopeton Overton Brown, o engenheiro de gravação e produtor jamaicano que alcançou a fama na década de 1980 misturando música dub como The Scientist.
Scientist foi apresentado à eletrônica por seu pai, um técnico em consertos de televisão e rádio. Ainda jovem, ele começa a construir seus amplificadores e a comprar transformadores de (King) Tubby. Enquanto estava em seu estúdio, ele pediu a chance de mixar uma faixa, então se tornou o assistente de Tubby. Seu nome está ligado, mais uma vez, ao estúdio. Durante uma sessão, Tubby disse a Bunny Lee: 'Droga, esse garotinho deve ser um cientista' - referindo-se à proficiência técnica do Scientist . E assim nasceu um nome lendário.
O final da década de 1970 viu Scientist como o engenheiro principal do Channel One, trabalhando em uma mesa de mixagem de 16 canais, em vez das quatro canais que Tubby usava. Seu nome começou a chamar a atenção no início dos anos 1980. Ele lançou uma série de álbuns pela Greensleeves Records com títulos temáticos em torno das conquistas ficcionais do Scientist: lutando contra Space Invaders, Pac-Men e Vampires, mas também vencendo a Copa do Mundo (World Cup). Sua música era tocada pela banda Roots Radics, seus colaboradores mais frequentes.
Não apenas seus lançamentos o colocaram no mapa, mas também suas habilidades únicas de engenharia, que se tornaram uma marca registrada. Ele foi o engenheiro favorito de muitos produtores, para os quais mixou álbuns apresentando músicos como The Roots Radics e Sly & Robbie.
Em 1982 ele deixou o Channel One para trabalhar no estúdio Tuff Gong e, a partir de 1985, começou a trabalhar como engenheiro em estúdios de gravação na área de Washington, D.C.
Após a entrevista, você conhecerá o gênio musical e o prolífico artista por trás do nome The Scientist. De técnicas de mixagem a capas visuais de LPa e o legado de King Tubby, nossa conversa fez um tour por esse impressionante trabalho de engenharia do artista.
Legado do King Tubby e histórias amargas da Jamaica
Minha primeira oportunidade foi no estúdio de Coxsone, e trabalhei entre ele e (King) Tubby. Meu relacionamento com King Tubby era muito bom.
Mas o que eu quero falar são as falsas alegações e fraudes na música jamaicana - Prince Jammy, que também estava no estúdio com Tubby, há algo que deve ser dito quando se trata do álbum temático de ficção científica 'Scientist and Jammy Strike Back'! Jammy nunca mixou uma faixa naquele disco! Era tudo falso marketing para vender álbuns, Jammy não está nesse nível de engenharia. Eu posso dizer isso a ele.
'E o que aconteceu com Strike Back acontece hoje em dia também. Os produtores estão fazendo todos os tipos de truques de marketing para atrair compradores.'
Eu me tornei professor desses caras. Tem muita pirataria acontecendo, depois da morte do Tubby, tinha muitos discos saindo com o nome dele quando era meu trabalho, com minhas mixagens. Por exemplo, 'King Tubby's vs Channel One in Dub' é uma fraude completa, e nós desmentimos isso. Tubby tinha uma máquina de quatro canais e, quando você ouve o reverb, pode ouvir que é a mesa de mixagem do Channel One. O som de reverberação é exclusivo para cada estúdio neste mundo. O Channel One tem um reverb muito distinto, assim como Tubby.
Quando você tem uma gravação de quatro faixas como a de King Tubby, é impossível separar, por exemplo, o bumbo da faixa de bateria, ou o órgão do resto da seção rítmica. Então, se você tirar a trilha rítmica, você tira o piano e tudo dentro da seção rítmica, como piano, órgão, guitarra base, o mesmo para a bateria, você não pode tirar a bateria sem tirar a percussão. agrupados com a bateria no momento da gravação. É impossível fazer isso com um gravador de quatro canais. Mas no álbum pirata Tubby, que foi mixado por Peter Chemist, você pode ouvir a faixa do órgão separadamente. O que acontece com esses produtores é que eles ficaram sem ideias, então recorreram à pirataria. Além disso, as mixagens são tão embaraçosas que parecem que meu vizinho do lado ou algum cara bêbado mixou aquele álbum.
Cada engenheiro, produtor e mixer lá fora na história da música tem uma assinatura única. As pessoas os amam por sua assinatura. Nesse álbum, nada soa como Tubby, e novamente a mesma coisa aconteceu com o álbum 'Dangerous Dub', onde supostamente 'King Tubby Meets the Roots Radics'. Isso é uma fantasia. Tubby nunca mixou nenhuma música com os Radics. O que essas gravadoras fazem é inventar e lançar suas idéias malucas. A pior parte é vender esses discos sob o nome de Tubby e ficar com todo o dinheiro para eles. É uma vergonha e uma vergonha quando eles deveriam ser responsabilizados pelo que estão fazendo.
Desastres acontecem na indústria musical. Já vi músicos acabar sendo indigentes e sem-teto, enquanto as gravadoras, com sua moral pobre, mantêm todas o lucro para si. Quando eles têm a oportunidade de tirar vantagem, eles o fazem. Você pode considerar um conto de fadas quando ouve aquelas histórias de como muitos artistas de jazz e blues foram recompensados em bebidas pelas gravadoras. Mas também aconteceu na Jamaica. Artistas assinaram papéis que eles não entendem. Os advogados que trabalhavam para as gravadoras estavam fazendo esses contratos imorais. E duvido que alguém renuncie a seus direitos por alguns drinques ou algumas centenas de dólares.
Esta situação tem sido uma vergonha e as coisas estão melhorando lentamente. Pode acontecer novamente amanhã, a menos que o governo mude a lei, então, quando você for assinar um contrato com qualquer uma dessas gravadoras, deverá ter um advogado externo independente. Se o dinheiro for substancial, muito generoso, cerca de 500 milhões de dólares, você poderá entender por que alguém simplesmente desistiria de seus royalties. Eu não acho que ninguém em sua mente consciente assinaria (um contrato cedendo) seus direitos por um donut! Mas a lei é muito vaga agora e os artistas precisam de mais proteção. Quando você vai contra essas gravadoras, elas têm advogados criminais de grande porte. Um advogado sempre visa ser ganancioso e ver quanto pode obter do artista para seus clientes. Isso é o que conta como um bom advogado neste negócio. Você pode ouvi-los se gabando:
Ei, fiz com que os Wailers cedessem seus direitos por cem dólares.
É um advogado desonesto e canalha! Os jamaicanos no passado não tinham ideia do que significava trabalho para alugar. Eles apenas viram pessoas vindo até eles com papéis para assinar. Nos anos setenta, 500 dólares pareciam muito dinheiro. Eles me procuraram com os mesmos papéis e eu recusei. Do meu ponto de vista, no mundo da música há uma necessidade de proteger mais os artistas e as pessoas que colocam todo o esforço e estão fazendo o trabalho duro.
Mesmo que você venda maçãs, a corporação chega até você com um acordo. E parece que você sempre encontra o tipo de pessoa que pega o helicóptero para viajar dois quarteirões até sua casa, enquanto algumas pessoas trabalham e são escravas. Estamos falando de alguém que não perderia 10.000 dólares do bolso, mas que não pagaria um artista ou trabalhador direito.
Reggae e o mundo
Deixe-me colocar desta forma: o reggae é o gênero mais difícil de projetar. Você tem que entender que fui o pioneiro desse som na Jamaica. Depois de fazer tanto trabalho de estúdio no reggae, na Jamaica, do meu ponto de vista, qualquer outro gênero é facinho. Não deixe as pessoas distorcerem isso. O reggae é a referência para todos os gêneros. É por isso que fiz o 'Scientist Launches Dubstep into Outer Space'. Todos eles vêm de nossas inovações de frequências graves e usando a mesa de mixagem como um instrumento. Reggae é muito mais difícil de mixar do que rock, música clássica ou jazz. Todo o gênero (vertente) do reggae estabeleceu os padrões para música de alta fidelidade em todo o mundo.
Quem ensinou o mundo sobre o baixo, as frequências mais baixas, os médios e os agudos adequados? Não era reggae e o dub? Se você voltar no tempo e buscar gravações lendárias em outros gêneros, poderá ouvir alguns grandes artistas com composições incríveis, mas a técnica de gravação e a qualidade não são as melhores. Para mim, trabalhar por tanto tempo na Jamaica com tantos artistas de primeira linha, agora levando músicas para remixar e mixar de outros gêneros é fácil de trabalhar. Como eu disse: facinho.
Mas gosto de ouvir todos os tipos de música. Para mim, ouvir uma gravação é como aprender um idioma. Gosto de ter uma coleção e conferir uma grande variedade de sons e gêneros, mas a composição tem de ser perfeita. Se alguém quiser entrar em contato comigo para trabalhos, pode fazer por meio do meu gerente. Gosto de manter as coisas tão simples e profissionais assim.
Mas pense um pouco sobre isso, o reggae se torna uma música de azarão. Se você for para a América Latina, eles têm música latina, mas também tem reggae. Você vai para a África onde eles têm sua música, mas também tem artistas de reggae, como Alpha Blondy e Jah Tiken Fakoly. Em qualquer lugar do mundo, da Ásia ao Oriente Médio, há reggae. Não se engane, as pessoas ouvem principalmente dois tipos de música: sons que vêm da Jamaica e música que vem da América. Quantos artistas da música chinesa, balinesa, vietnamita você vê no centro das atenções? Corrija-me se eu estiver errado, algum desses países tem música nas paradas?
Muitas culturas incorporaram o reggae em sua música moderna, e as músicas que eles têm nas paradas são sons de reggae. Eu agradeço a isso! É um privilégio ter voz, falar contra a injustiça que está passando ao som do reggae. Está em toda parte, e as pessoas precisam parar de considerá-lo um gênero azarão. Estamos vivendo em um mundo onde algumas pessoas tentam parecer melhores do que outras, como se fossem mais inteligentes. Quem sabe, talvez daqui a cem anos, você encontrará escrito nos livros de história que o reggae foi inventado em algum outro país que não a Jamaica. Eu vi isso através das décadas, bem na frente dos meus olhos, como as pessoas tentaram reescrever o reggae.
Afrobeats e riddims
Quando se trata de respeitar, tenho isso para qualquer cultura e nacionalidade e, portanto, para qualquer gênero musical. Fiz um remix da música 'Body & Soul' do músico nigeriano William Onyeabor, e é respeito isso quando ouço um som que copia a música jamaicana. Então, como eu não as discrimino eu não discrimino os músicos. Claro, todos são livres para fazer seu som e ser influenciado por quaisquer sons e gêneros estrangeiros que quiserem.
Mas não há diferença entre mixar e fazer um dub de Sly & Robbie ou do Roots Radics. Você deve se lembrar, eu mixei muitas músicas com Sly & Robbie e quase todo mundo, então não há uma abordagem especial. Eu mixei, por exemplo, o irmão justo Marvin Gaye, trabalhei sua música 'What's Going On'. Esse tipo de música tem uma ótima composição. Marvin Gaye é insubstituível. Ele foi um compositor e intérprete maravilhoso. Mas, na verdade, o que faltou foi o desenvolvimento tecnológico que foi pioneiro e iniciado na Jamaica. Não quero parecer muito fanfarrão, mas fui o pioneiro nesse tipo de som. Há muito o que aprender com o reggae e o dub. Algumas pessoas não querem engolir. Nosso som jamaicano teve muita influência em todo o mundo em todos os diferentes tipos de gêneros.
As capas musicais e inspirações
Eu vejo a arte da gravação da seguinte forma: você tem que atrair a pessoa para pegar sua música. Muitas pessoas são atraídas pela qualidade da música, mas uma boa arte aumenta a chance de estranhos comprarem sua música quando nunca ouviram falar de você.
Posso comparar ir a uma loja de música a comprar uma camisa. Quando você vai a uma loja de roupas, pode vestir para ver se cai bem em você, mas a primeira coisa é atraente aos olhos. Assim como a cor e o padrão perfeitos de uma camisa, a arte visual é importante para um produto musical. Essa é a primeira atração. Primeiro você precisa ser seduzido pelo que vê e, então, tentar conseguir com seu interesse, ou então seria uma perda de tempo. É aí que entram essas capas de álbuns incríveis de Tony McDermott, Jamaal Pete e Willy Dread.
As pessoas me perguntam sobre isso, o que inspirou Rids the 'World of the Evil Curse of the Vampires'. Quando eu estava crescendo, havia alguns programas de terror na TV, 'Dark Shadows' com o vampiro Barnabas Collins e 'The Munsters' com o Frankenstein Herman Munster. Essas foram as estrelas dos shows de terror clássicos dos anos 60 e tiveram uma influência direta na música e na cultura popular jamaicana.
Gênero, cor, raça e nacionalidade não são ignorados pelo Coronavírus, por exemplo. O Sr. Corona veio e desligou o mundo inteiro. Não importa se você pensa que é um superstar, o vírus não dá a mínima! Não importa quem é seu presidente ou quantas armas nucleares seu governo possui, quantas bombas a mais você pode lançar e qual é seu poder militar. Corona vai chutar sua bunda como se nada estivesse acontecendo.
Então agora é o melhor momento para todos respeitarem a todos. É hora de o mundo se unir como uma comunidade, e os políticos precisam parar com essa loucura de invadir outro país com um exército de soldados bombardeando uns aos outros. No meio, há pessoas inocentes pegas no fogo cruzado. Meu ponto é - vamos respeitar uns aos outros e respeitar a música. Não importa se um gênero deseja copiar o reggae. Se você é criativo na música, que seja para melhor! É assim que vejo o mundo.
Na Parte 1 e na Parte 2 da nossa História do Estúdio Como Um Instrumento, olhamos para trás e vimos alguns dos pioneiros da composição com som gravado, e rastreamos os antecessores mais antigos das técnicas de sampler, loop e sequenciamento. A história continua com o surgimento do dub, krautrock e a discoteca; todos os estilos musicais que estão intimamente ligados a alguns produtores criativos, que pressionam a ideia do instrumento além do que anteriormente era possível.
No final dos anos 60 e início dos anos 70, o dub - como um estilo distinto de música definido por um conjunto de técnicas de manipulação de som em evolução - emergiriam para transformar profundamente a música reggae. Usando (e abusando) de delays, reverbs, filtros e máquinas de fita, os praticantes do dub tomariam faixas gravadas anteriormente, tirando tudo, exceto a bateria, graves, algumas notas de piano, metais, alguns fragmentos de vocais ou melodia, e retrabalhando essas estruturas esqueléticas, para novas formas hipnóticas. Em essência, o dub marcou o nascimento da remixagem; tendo material existente e criando composições inteiramente novas a partir dele. Como uma abordagem (se não for necessariamente um som), o dub é uma parte importante do DNA da produção de música contemporânea. Do hip-hop ao techno, do grime ao jungle, do drum 'n bass, e (talvez mais obviamente) o dubstep. Muitos gêneros de música atuais podem ser rastreadas com pelo menos algumas de suas raízes, voltam à tradição do dub.
King Tubby no seu estúdio em Kingston
Na vanguarda do movimento dub jamaicano estava King Tubby. Nascido Osbourne Ruddock em 1941, a família de Tubby mudaria do centro de Kingston para Waterhouse, uma área expansiva do oeste de Kingston, no início dos anos 50, e se instalou na casa onde Tubby acabaria por criar seu estúdio lendário. Mostrando uma propensão para a eletrônica em sua adolescência, Tubby passou a receber treinamento formal na Faculdade de Artes, Ciência e Tecnologia da cidade de Kingston. Inicialmente, Tubby usou seu treinamento para encontrar trabalho corrigindo os transformadores que estabilizaram a eletricidade para empresas e casas em torno da Jamaica, mas ele logo começou a usar seus conhecimentos em benefício de sistemas de som locais também. Por volta de 1958, Tubby estabeleceu seu próprio sistema de som da cidade Hometown Hi-Fi e tornou-se conhecido por tocar música americana (rhythm & blues). De acordo com as exigências da cultura do sistema de som, na tentativa de enfrentar os concorrentes do Hometown Hi-Fi, Tubby desenvolveu constantemente maneiras de configurar seu sistema para melhorar, e ser melhor do que o restante e - como a legenda - ser o primeiro sistema de som para reverberar e ser Rei.
Como uma progressão natural de seus anos de sistema de som, Tubby eventualmente abriu caminho para o lado do estúdio da música jamaicana, embora seja exatamente conhecido sobre seus primeiros dias atrás das mesas de som. Eventualmente, Tubby pegou nas mãos uma máquina de fita de duas pistas, que ele começou a usar para fazer mixagens exclusivas de "versões" para sistemas de som - revisões de músicas vocais gravadas anteriormente, com tomadas instrumentais alternativas ou ovações em nome de vários DJs e sistemas de som.
Em 1971, Tubby adquiriu uma mesa de mixagem MCI do estúdio Kingston Dynamic Sounds - o estúdio mais avançado da Jamaica na época. O aparelho expandiu consideravelmente as capacidades de produção de Tubby quando foi trazido para a sala da frente de sua casa na 18 Dromilly Avenue. Com seu alcance técnico recém-ampliado, Tubby agora conseguiu encaminhar as partes individuais de suas versões através de copiosas quantidades de reverberação e delay, e filtram e silenciam elementos com muito mais controle e fluidez; Foi assim que nasceu o dub. Um primeiro exemplo inicial é a sua reformulação do "Baby I Love You So" de Jacob Miller ; nas mãos de Tubby, os ritmos do delay, a adição da melodica de Augusto Pablo e o delay aplicado com moderação, mas precisamente, transformar a faixa suficientemente boa em algo par de ordens de grandeza mais pesadas:
King Tubby's Meets Rockers Uptown
Logo, o estúdio de Tubby começou a atrair o interesse dos talentos locais, alguns dos quais passariam a estar entre as figuras mais importantes do dub, incluindo pessoas como Augustus Pablo, Niney the Observer, Keith Hudson, Yabby You e parte colaboradora / rival Lee "Scratch" Perry. Configurando uma cabine vocal em uma casa de banho convertida em sua casa, o estúdio de Tubby tornou-se o lugar para adicionar vocais a faixas de ritmo pré-gravadas, mas, o mais importante, fez do estúdio o lugar onde esses artistas chegaram a ter suas versões dub mixadas, muitas vezes pelo próprio Tubby. (Note-se que Tubby foi sempre assistido por uma equipe de engenheiros, incluindo Pat Kelly, Philip Smart, Prince Jammy e Scientist). As marcas registradas do estilo de Tubby - inundações de reverberação cavernosa, trilhas de ruídos, atrasos de feedback, filtragem extrema, fase e modulação - tornaram-se os pilares do gênero dub.
I Trim The Barber - King Tubby’s a reformulação radical de “Ali Baba” de John Holt
Infelizmente, a vida de KingTubby chegou a um final trágico em 1989, quando ele foi roubado e baleado por um homem armado não identificado. Embora seu tempo tenha sido cortado cedo demais, Tubby foi extraordinariamente prolífico durante sua vida, deixando um legado que não só mudou o reggae, mas teve um impacto profundo na onda de gêneros de produção que emergiriam nos anos 70 e 80, e continua até o presente dia. É difícil exagerar: o surgimento do dub foi verdadeiramente um momento visionário, uma mudança fundamental na relação entre música e produção, cujos traços permanecem discerníveis em quase todas as veias da criação de música moderna.
A Imaginação Indescritível de Lee "Scratch" Perry
Embora King Tubby possa ser mais ou menos creditado como o invetor do dub, Lee "Scratch" Perry provavelmente estendeu seus limites o mais longe que pode, infundindo-o com elementos de humor e misticismo ao elaborar seu próprio estilo distinto em mais de 50 anos de trabalho de estúdio.
Perry nasceu em uma vila jamaicana rural em 1936, e depois de chegar a Kingston, começou sua jornada musical na década de 1950, trabalhando pela primeira vez para o artista de ska Prince Buster e vendendo discos para o Sistema de Som Coxsone Downbeat de Clement "Coxsone" Dodd. Em pouco tempo, Perry começou a produzir e a gravar grupos para a lendária operação do Studio One de Dodd, onde emprestou seus talentos a inúmeras canções de sucesso. Em 1968, Perry deixou o Studio One para seguir com seu próprio selo independente, o Upsetter. O primeiro single lançado por ele foi "People Funny Boy", um recorde que não só vendeu extremamente bem, mas também marcou o início de uma nova evolução no reggae, iniciando a mudança do gênero de ritmos rápidos como era o ska para um mais lento, com mais loping, baixo - O lapso inicial que se tornaria conhecido como o "riddim".
Lee Perry - “People Funny Boy”
No início dos anos 70, Perry ouviu as surpreendentes experiências do dub de King Tubby, e como estava trabalhando, e viu como seu conhecimento de estúdio e experiência de produção poderia ser usado para efeito semelhante. A partir daí, uma inundação de mixagens de batidas de Perry, e o levou a abrir seu próprio estúdio em 1973: chamado de Black Ark. Uma nova liberdade artística tomou posse de vez assim que Perry teve um estúdio próprio, e embora o equipamento estivesse longe do estado da arte, ele não teve problemas para criar faixas fascinantes e expressivas no pequeno espaço que ele havia construído no jardim da frente de sua casa em Kingston.
Sala de controle do estúdio Black Ark de Lee 'Scratch' Perry
Nos primeiros dias da Black Ark, o equipamento principal era um gravador de fita de 4 pistas Teac, ao lado de uma mesa de mixagem Alice, um reverb de mola Grampian e um delay analógico de fita Echoplex - mais tarde um Roland Space Echo e um Mutron Phaser. Esparsamente talvez, mas essas poucas peças de artes, combinadas com a engenhosidade de Perry, resultaram em obras-prima do dub e do reggae como Max Romeo & The Upsetters - 'War Ina Babylon, The Congos - Heart of the Congos, e seu próprio Super Ape, Cloak And Dagger e Blackboard Jungle Dub- entre muitos outros álbuns.
The Upsetters - “Fever Grass Dub”
No final de 1978, Perry tinha atingido um ponto de ruptura, e então começou a extinção da Arca Negra. Em primeiro lugar, Perry tornou-se recluso, segundo notícias, começou a destruir sua engrenagem antes que o estúdio fosse queimado misteriosamente. Isso, é claro, não foi o fim da produção musical de Perry. Nos anos que se seguiram, Perry tornou-se um tipo de nômade musical, embora ele, pelo menos, se estabelecesse o suficiente para eventualmente construir outro estúdio, o Secret Laboratory, na Suíça (que infelizmente também queimou no final do ano passado). Na verdade, Perry permaneceu um produtor ativo por mais de cinco décadas, continuando a evoluir o seu estilo no dub, colaborando e explorando todo o tipo de novos territórios musicais, já que o seu impressionante catálogo continua a alcançar novas gerações de produtores através de uma série de inúmeras reedições e antologias. Mesmo que Perry tivesse parado depois que Black Ark queimou, provavelmente não teria feito muita diferença; Perry, Tubby e todos os seus dubs compatriotas já haviam transformado o reggae e o processo de estúdio, estabeleceram as bases sobre como os produtores interagem com o áudio nas próximas décadas.
Conny Plank Redefine o Produtor
Com o advento das máquinas de fita de 24 pistas, o surgimento de ferramentas de estúdio cada vez mais sofisticadas, e a proliferação de estúdios de gravação profissional que começaram nos anos 70 e 80, a era moderna da produção musical nasceu. Os consoles de mixagem maciços permitiram que combinados, isolados e fossem superados ainda mais combinados, mais novos e mais sofisticados, com delays, reverberações e efeitos que podem ser combinados para que sons e espaços auditivos pareçam tão reais ou artificiais quanto a música. Essencialmente, essa explosão de ferramentas de áudio preparou o cenário para o estúdio se tornar uma ferramenta composicional na elaboração de quase todas as gravações.
Ainda assim, há alguns que abraçaram mais plenamente as novas possibilidades. Um visionário era Konrad "Conny" Plank, um engenheiro e produtor alemão cujo trabalho com grupos como Kraftwerk, Can, Neu!, Kluster/Cluster, Ultravox e muitos outros lançaram um novo caminho em efeitos sonoros criativos. Depois de um período como engenheiro assistente e produtor em Colônia, Plank embarcou sozinho como produtor freelancer no final da década de 1960, trabalhando inicialmente com a lendária banda krautrock Kluster e gravando o álbum de estréia auto-intitulado do Kraftwerk em 1970.
Neu! - “Hallogallo” de 1972, pran early Conny Plank production
Embora ele tenha sido extremamente dotado em termos técnicos, Plank viu seu papel de produtor não só como técnico, explicando uma vez em uma entrevista, "O trabalho do produtor - além do aspecto tecnológico - é, como eu entendo, criar uma atmosfera que é completamente livre de medo e reserva, para encontrar aquele momento totalmente ingênuo de "inocência" e para apertar o botão no momento certo para capturá-lo. É isso. Todo o resto pode ser aprendido e é meramente artesanal." Ainda assim, As produções de Plank foram notáveis por sua profundidade de som e pelas vibrantes cores tonais que ele persuadiu dos instrumentos.
Em 1974, Plank abriu seu próprio estúdio de gravação em uma fazenda fora de Colônia. Aqui, ele produziu discos inovadores, como o inovador LP Autobahn do Kraftwerk e Viena do Ultravox, incentivando ambas as bandas a abraçar o mundo do som sintético com uma filosofia simples: "Eu gosto de sintetizadores quando tocam como sintetizadores e não como instrumentos", diz Plank. Uma máquina de bateria para música eletrônica é boa, mas não se você tentar fazê-la parecer um baterista real." Nos anos que se seguiram, uma grande quantidade de kosmische, krautrock, produções de vanguarda e outras gravações sem controle de fronteiras continuaram a ser lançados do estúdio de Plank, incluindo álbuns de Echo & The Bunnymen, The Eurythmics, Devo e até Brian Eno (que mais tarde apresentaram Plank para o U2 com esperança de que Plank consideraria gravar o próximo álbum da banda Joshua Tree, como a história continua, Plank disse: "Não posso trabalhar com esse cantor", depois de conhecer a banda.
Kraftwerk - “Autobahn”, produzido por Conny Plank
Um músico por direito próprio, Plank ficou doente enquanto estava em turnê na América do Sul e faleceu em 1987. Em sua direção, Plank deixou um catálogo de música incrivelmente abrangente que essencialmente estabeleceu as bases para o papel que um produtor se tornaria nas próximas décadas.
Patrick Cowley Faz Uma Ponte Sobre a Barreira Eletrônica
Patrick Cowley era um produtor e músico residente em São Francisco, cujo período de produção musical foi curto, mas no entanto, profundamente impactante. Em 1971, Cowley se mudou de Buffalo para a Califórnia, e para Nova York aos 21 anos e logo começou a mexer com o equipamento de música eletrônica, limitado naquela época e que ele conseguiu colocara as mãos no Colégio da Cidade de São Francisco. Inspirado por artistas como Wendy Carlos e Giorgio Moroder, Cowley usou o equipamento limitado da escola para iniciar um Laboratório de Música Eletrônica para experimentar combinando elementos musicais sintetizados e instrumentação do mundo real para criar composições híbridas.
Patrick Cowley com Sylvester
Cowley ganhou rapidamente uma reputação como um mago do sintetizador, e eventualmente, ganhou a atenção do artista de discotecas de São Francisco, Sylvester. Os dois formaram uma estreita parceria, juntos oram pioneiros do som Hi-NRG de San Francisco com músicas como "You Make Me Feel (Mighty Real)" e "Dance Disco Heat", que eriçavam com ritmos rápidos e coravam com tons eletrônicos da era espacial. O talento de Cowley era mais poderoso em sua habilidade de desfocar as linhas entre sons reais e sintéticos, encontrando maneiras para que eles se encaixassem perfeitamente. Juntamente com a sua série de máquinas eletrônicas, Cowley disse manter uma coleção de loops de fita percussiva em seu estúdio, classificados por sons de bateria específicos (bumbo, caixa, chimbal, etc.) e BPM para que eles pudessem ser reutilizados em faixas diferentes, essencialmente antecipando as bibliotecas de sampler e loop, que a maioria dos softwares de música inclui esses dias.
"Mind Warp" de Patrick Cowley - uma mistura espaçada de instrumentos reais e sintéticos
Um homem homossexual que não tinha liberdade no auge da cultura gay de São Francisco, a música de Cowley muitas vezes se revelou na liberdade que ele experimentou nessa comunidade (títulos de músicas como "Menergy" não eram suposições). Como um artista solo, Cowley lançou uma série de singles em sua própria gravadora Megatone Records (incluindo o hit Hi-NRG de Paul Parker "Right on Target") e lançou um álbum inovador próprio em 1981, Megatron Man. Tragicamente, pouco depois do lançamento do album, Cowley ficou doente com o que mais tarde seria conhecido como AIDS - uma vítima da epidemia que varria a população homossexual dos EUA, um evento catastrófico que por vezes ofuscava as realizações da comunidade da música e cultura local, e colocou Cowley como um pioneiro um pouco subestimado. Isso mudou nos últimos anos no entanto, com material novo dos cofres de Cowley (especificamente, suas trilhas sonoras para arty porn studio Fox), aparecendo e mostrando um lado mais experimental e aventureiro para o produtor pioneiro. Com o auxílio da retrospectiva, é muito mais fácil ver quão longe do tempo que Cowley realmente era.
Patrick Cowley - “Somebody To Love Tonight” de 1979
Onde Nos Encontramos Agora
Como ressaltamos na introdução desta história imperfeita, seria impossível cobrir verdadeiramente todos os pioneiros da era pré-digital e pré-software. Essencialmente, todo produtor de hip-hop que usou um sampler, todo artista de techno que manipulou e automatizou um som gradualmente, e todos os pensadores de estúdio que derramaram reverb e delay em lugares que outros pensavam que não deveria fazer, e participaram e contribuiram para a evolução do estúdio, tornando-se um componente integral da arte musical. Artistas como o Prince - que, entre muitas outras realizações - projetaram e tocaram 27 instrumentos diferentes em seu álbum de estréia, For You e super-produtores como Nile Rodgers e Brian Eno que contribuíram imensamente para essa linhagem. As técnicas, os sons e a estética inicialmente definidos pelas luminárias do hip-hop de Afrika Bambaataa, The Bomb Squad e J Dilla, ou pioneiros do techno como Juan Atkins, Derrick May e Kevin Saunderson são mais evidentes na música popular hoje do que em qualquer momento antes - um testamento para o quão avançado pensavam em suas invenções musicais. Nos apoiamos nesses e muitos outros inovadores gigantes à medida que seguimos nossos próprios caminhos criativos e nos expressamos como artistas, músicos e produtores.
Hoje, o poder equivalente de um estúdio inteiro de décadas passadas se encaixa dentro de um único laptop. Embora esta conveniência seja notável, é importante lembrar que esses programas e plataformas de áudio são apenas o último passo em uma evolução que remonta a quase 100 anos.
O singjay Dennis Anthony Thomas (nascido em 1964), ficou mais conhecido como King Kong, e é um dos grandes deejay/cantor jamaicano, mais conhecido por seu trabalho no início da década de 1980.
Nascido em Kingston, Thomas gravou pela primeira vez como um deejay nos estúdios da Tuff Gong em 1982, trabalhando inicialmente com o pseudônimo Junior Kong, por causa do seu pai. Seu primeiro single foi "Pink Eye". Trabalhou com GT e montou seu próprio sistema de som do Love Bunch, e gravou para o selo do Firehouse de King Tubby, cantando em um estilo similar ao de Tenor Saw. As primeiras gravações de King Kong para Tubby foram sobre os primeiros ritmos digitais, e incluiu canções como "AIDS" e "Babylon", e o colocou como um artista conhecido. Seu primeiro lançamento foi dividido com outro dos cantores de Tubby, Anthony Red Rose, com Two Big Bull Inna One Pen lançado pelo selo Firehouse.
Durante 1986 e 1987, Kong gravou para vários dos principais produtores da Jamaica, incluindo Prince Jammy, com quem ele lançou seus maiores sucessos com "Trouble Again" (a faixa-título de seu álbum de estreia produzido por Jammy). King Kong também trabalhou com Black Scorpio, Harry J, Errol Thompson, Ossie Hibbert, Bunny Lee e Prince Jazzbo. Enquanto muitas de suas canções tratavam do que acontecia na época, várias de suas canções também tinham temas políticos e culturais.
Ele lançou vários álbuns durante meados dos anos 80 antes de se mudar para Nova York, e depois para o Canadá no final da década de 1980, onde lançou algumas músias pelo seu selo Conscious Music. A morte de Tenor Saw em 1988 levou King Kong a lançar "He Was A Friend" como tributo. Em 1989 ele se mudou para a Inglaterra, e gravou com Mafia & Fluxy e Gussie P no início de 1990. Ele começou a gravar mais regularmente novamente na década de 2000.
Em meados dos anos 2000, King Kong se mudou para a Etiópia onde reside até hoje.
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