Alguns até podem dizer que não, mas Bunny Lee é uma das figuras chaves na evolução do gênero musical que conhecemos como Reggae. Dentro do seu extenso currículo, Bunny Lee exerceu o papel do produtor musical nos principais estúdios da Jamaica, e teve ao seu lado os principais músicos e engenheiros de som ao seu lado, principalmente no decorrer dos anos 60 e 70.
Talvez o maior mérito de Bunny Lee, seja ser o responsável por dar abertura e liberdade criativa, o permeou toda a obra do produtor, e principalmente por aquilo que ele lançava. Diferente de muitos outros produtores, que traziam para si todo o processo criativo, Bunny Lee tirava proveito da capacidade criativa e de inovação de todos que trabalhavam para ele. Talvez, a descoberta mais notória e o investimento que mais lhe deu retorno tenha sido com Osbourne Ruddock, que ficou mais conhecido como King Tubby, e Lee visionário investiu nas técnicas desenvolvidas por quem viria a se tornar o pai da produção não-linear moderna... o Dub.
Durante os anos 70 de Bunny 'Striker' Lee se proliferaram pela ilha e pela Europa, e ele criou um número razoável de diferentes selos para colocar a venda tudo aquilo que ele produzia. Dos selos mais importantes de Bunny Lee na época, foram Attack, Justice e Jackpot.
"Eu tenho diversos selos. "Lee's" foi meu primeiro selo... eu tinha alguns "white labels" (títulos sem selo), e então eu lancei o "Lee's", com apóstrofe. Nos anos 70 muitas das musicas foram lançadas pelo Jackpot... você sabe que ele foi desenhado na Jamaica.
Eu tinha selos que algumas vezes não me lembrava até vê-los! Algumas vezes vezes você criava um selo no calor do momento. Você me entende? Naquela época tínhamos muitos selos "blanks" também... Os discos "blanks" eram legais, mas as pessoas queriam saber o nome do artista, então tínhamos os "backgrounds" onde podíamos imprimir o nome. Era mais fácil. Você podia colocar o nome no Jackpot ou no Aggrovators porque naquela época você precisa fazer tudo rápido! A gráfica começava a fazer eles e todo mundo do selos olhava da mesma forma mas com nomes diferentes. Isso significava que que qualquer um poderia fazer seu próprio selo mas tinha que lançar o vinil rápido.
Yeah Man... Eu tinha Jackpot, Justice, Agro, Gas... Unity foi um selo que iniciei com a Pama... com a Pama Supreme... Eu tinha vários. Attack e Jackpot ao lado da Trojan... O selo Jackpot começou comigo e com Lee Gopthal, junto com o selo Big Shot para lançar as produções em UK." - Bunny 'Striker' Lee
Bunny Lee sempre trabalhou e foi muito próximo de King Tubby, que construiu seu primeiro sound system em 1957, mas Tubby sentiu que as coisas mudariam de rumo quando Ewart 'U Roy' Beckford foi seu deejay em 1968. Tubby poucos depois comprou uma mesa de dois canais junto de equipamentos de gravação, que ele instalou junto com sua prensa de acetatos, e tornou o que viria a ser um home studio, no quarto de sua casa onde guardava seus discos de jazz em Dromilly Avenue. Quando Byron Lee deu um upgrade no Studio B no notório Dynamic Sounds, adquirindo uma mesa de dezesseis canais em 1972, Bunny Lee fez um acordo junto com Tubby para adquirir a antiga mesa de quatro canais do estúdio. Junto do pacote, veio o console MCI que Tubby usaria para criar grande parte do que viria a ser o catálogo de Bunny Lee, e de diversos outros músicos, o restante é história.
A nova curadora, traz uma nova exposição sobre a história e o significado da cultura dos sistema de som jamaicano, Seb Carayol dá The Vinyl Factory um pouco da história da cena, e apresenta cinco dos sons mais influentes.
Uma breve introdução à Hometown Hi-Fi e da cultura do sistema de som.
A exibição:
Meu objetivo era reposicionar a cultura do sistema de som jamaicano onde ele pertence, no início de todas as práticas da música moderna urbana; DJing, eletro, a arte do remix, você denomina. Muitas vezes, pessoas que não estão no reggae especificamente - especialmente na França, de onde eu sou - tendem a acreditar que tudo foi inventado em Nova York para o hip hop, ou em alguns armazéns de Detroit ou Chicago para o electro. Parte disso foi, parte disso veio de uma pequena ilha no Caribe.
No Reino Unido e nos EUA é bastante diferente: por exemplo, pessoas como James Murphy referem frequentemente a importância da cultura sistema de som jamaicano no que ele se tornou hoje. Ou você tem Andrew Weatherhall que é um aficionado total de King Tubby!
É por isso que eu foquei minha exposição sobre o sistema de som como um instrumento musical real, mais do que apenas no reggae em geral. Em um mundo ideal, o objetivo final seria a de que, quando um local vê uma equipe que passou meses e investiu milhares de dólares na construção de um sistema de som personalizado, a administração entende que é por uma razão. Você diria a Jimi Hendrix, "Claro, a guitarra que você tem é muito legal, mas acabamos de comprar esta nova que funciona muito bem, pode usar a nossa no lugar da sua"?
A história:
É a inventividade nascida da pobreza, em um sentido. Se a Jamaica tenha sido esse país opulento, todo mundo teria comprado seus próprios aparelhos de rádio para suas casas após a Segunda Guerra Mundial ... mas não, só algumas pessoas poderiam ter recursos e aparelhos de rádio, e assim eles se tornaram os lugares onde as pessoas iriam para ouvir a última melodias R&B de estações de rádio de Nova Orleans ou da Florida. E à medida que mais pessoas vieram, isso significava que você tinha que amplificar um ponto, em seguida mais um ponto ... Você tem um cara como Basil Galbraith, que é padrinho da construção de amplificadores na Jamaica, mas ele mal conhecida a qualquer um, e ainda esta vivo e bem.
Há toneladas de histórias assim. Sugar Minott, que basicamente criou um centro de comunitário e social no coração do gueto, em torno de seu Youth Promotion Sound System e selo musical para manter as crianças fora das ruas ... é incrível. Quanto mais você vive, mais você aprende sobre a história do sistema de som, e mais viciado você se torna.
Os Alto-Falantes:
Cada uma das caixas que mostramos (a sub construido a partir do original do "Hometown Hi-Fi" de King Tubby, salvo de um quintal jamaicano onde tinha sido usado como um banco ao longo de décadas, uma outra sub do "The Wasp" e médios de "Sir Harry’s Active Hi-Fi") tem provavelmente uma história - ou para ser mais preciso: é a sorte de ter uma história. Se não fosse por pessoas como Jeremy Collingwood, Nico "Planno" na França ou Tradition Records em Birmingham, a maioria destes conjuntos teria provavelmente se tornado lenha. A Jamaica não tem uma grande tradição de preservar o seu próprio passado, sempre olhando para o futuro, razão pela qual também, a ilha tem sido sempre tão inovadora. A desvantagem é a falta de amor para o "vintage".
O Vinil:
Vinil ainda é muito importante porque os discos são, por vezes, o único traço "limpo" deixado por um registro, especialmente os 45s. Você tem dezenas de jóias que foram prensadas uma vez em pequenas quantidades, cujos selos foram perdidos ou destruídos - o que significa que a única existência física destas canções está no que restou de muitas cópias do real 45.
Com o reinado de arquivos de áudio, os dubplates de acetato físicos, talvez tenham tido um papel menor em termos de exclusividade que eles usaram para cuidar. Mas é a mesma coisa, eles são às vezes o único vestígio de uma (ou nunca lançada) música pré-lançada, ou de uma combinação exclusiva de mixagem em um dia.
Os Cinco Sounds Mais Influentes:
Tom The Great Sebastian, final dos anos 1950, Jamaica
Ele foi o primeiro sistema de som local "conhecido" - pelo menos um dos primeiros a alcançar a fama. O proprietário era dono de uma loja de ferragens e, basicamente, lançou as carreiras de algumas lendas - Count Machuki, Duke Vin. Em uma nota de rodapé, o som foi batizado por causa um trapezista em algum circo! Depois que o proprietário cometeu suicídio no início dos anos 70, um os seus dee-jays (como em "homem do microne" - na Jamaica o dee jay é a quem conversa sobre as músicas, não as toca, o que é trabalho do seletor), Lou Gooden , participou do sound por um tempo antes de se tornar um escritor muito opinativo.
Hometown Hi-Fi de King Tubby, final de 1950 e final de 1970, Jamaica
Porque Tubby revolucionou a qualidade do som, e trouxe o grande U-Roy para a mesa - o pai dos deejays modernos e rappers. Eu não estou dizendo que Tubby tenha inventado oequipamento, é apenas a forma como eles re-propôs todas as artes e importou-o dos EUA, que deu origem a algo novo. Basicamente, sendo um engenheiro eletrônico de profissão, o que lhe permitiu ter o seu aprendiz Scientist, que uma vez o chamou de "uma visão do raio X da mesa de mixagem" - e de equipamentos de sistema de som em geral.
Este sound pertencia ao amante de música, produtor e traficante Henry "Junjo" Lawes, que foi morto a tiros em Londres em 1999. Ele, sozinho, lançou o estilo dancehall, que mais tarde se transformou no ragga. Juntando-se com o engenheiro de som Scientist (outro herói não reconhecido), ele tinha as músicas mais fodas, e os cantores mais fodas, de Barrington Levy até Yellowman, até Toyan...
Difícil escolher um entre os reis dancehall dos anos 90 (poderia ser Stone Love também), mas eu vou ser eternamente grato a Killamanjaro, por ter lançado um álbum com a maioria dos seus "especiais" de Garnett Silk - todos os acordos exclusivos e mixagem chegaram do melhor cantor dos anos 90, que morreu em 1994. Para mim, os sons desta era realmente resumem a cultura do dubplate - canções pontuais com mixagens especiais, onde se deseja regravar uma canção popular com o seu cantor original, mas onde você poderia mudar as letras para eles adorarem o nome de sistema de som em turnê. Ou em muitos casos, destratar o seu adversário em um soundclash.
Jah Shaka, 1990, London
Pura lenda. As histórias são inúmeras, ele atingiu proporções míticas - supostamente ninguém sabe seu nome verdadeiro ... mas todo mundo faz um bocado. Basicamente, ele é o exército de um homem que nunca se desviou dos anos 60, com a tradição de tocar em apenas um toca discos (uma vintage Garrard 4HF) e continuou a tocar a maioria das músicas mais pesadas, com a mensagem pesada que ninguém iria saber onde conseguir, só sabemos mesmo o que esssas músicas eram. Com um testemunho de como o lendárias suas músicas eram, o fanzine Boom Shaka Lacka publicou um artigo de página dupla chamado "100 Melhores Jah Shaka Dubplates" no início dos anos 90 ... Só para ver esta propagação integrada da música, em uma de suas peças de arte, criada pelo artista contemporâneo Tom Sachs, alguns anos atrás!
O estudante da música jamaicana Frederick R Dannaway fala sobre a ascensão da tecnologia e máquinas - e a mudança do papel do produtor - a partir das raízes do reggae e através do dub até o dancehall digital.
“Computer world, we in a computer world” – Lee Van Cliff (“Computer World”) [Mundo do computador, estamos em um mundo de computador]
Ritmos Rizomáticos
As raízes do reggae para são profundas nos solos africanos, ressurgindo como filamentos digitais e radículas na criação de dub, dancehall e reggae digital. A complexidade rotativa de instrumentos filtrados através de vários tipos de mixers e efeitos especiais mudou a própria concepção de música. A partir dos quartos de dormir para estúdios profissionais de ponta, o hardware digital está sempre nascendo com novas combinações. O Dub como a sombra mística de versões vocais sempre teve um toque de magia em suas traduções, ecoando com ritmos de one drop. Os produtores são os 'cientistas' e 'professores', 'organizadores', 'doutores' ou 'químicos' em suas receitas de poções de áudio que vibram de seus laboratórios de estúdio.
Toda música que não é apreciada ao vivo e em pessoa é submetida a introdução em dispositivos de gravação, equipamentos de estúdio, microfones e amplificadores. No entanto, alguns dos equipamentos do estúdio vintage pareciam transmutar as gravações exclusivamente - os produtores modernos tentam voltar a invocar essa assinatura e como a música soava. Portanto nesses períodos musicais, antes das saídas de estúdio, eram definidos pelo ambiente tonal único do equipamento de gravação. Certos equipamentos são lendários, como a Ampex 351, o Santo Graal das artes de gravação. No exterior, a Ampex estava gravando Elvis e The Beatles, marcando a era pelo seu som característico. Na Jamaica foi imortalizado por gravação de grupos como The Wailing Wailers com Bob Marley no Studio One.
Estúdios constantemente atualizam seus equipamentos, seduzido por diferentes sons de instrumentos e cantores, permitindo um canal separado para cada componente e efeito. mesas de mixagem personalizadas e de linha profissional produzidas em linha de produção, combinados com reggae e dub, dando a mixagem uma rugosidade e reforço no processo, em vez de diminuir a precisão geral. O Channel One Studios se graduou com uma Ampex MM1200 assassina de 16 pistas nos anos 80, e a partir de USD 38.000, o console API que Hoo Kim comprou, foi o custo para iniciar o estúdio em 1972. O primeiro lançamento do estúdio, "Can I Change My Mind" por Delroy Wilson era um marco nas paradas e sucesso, e uma mudança marcante na som de ilha, estendendo o domínio do Channel One para a próxima época.
Mesa de Mixagem de King Tubby - Anotações por Chris Lane
A extensão lógica disso é que a própria mesa de mixagem torna-se um instrumento, transmutando certos tons de ecos fantasmagóricos, reverb e delays, que envolvem a música em um quente brilho aural, quase sobrenatural. A magia da mesa de mixagem é permissiva para o overdubbing de instrumentos, como é exemplificado por Freddie McGregor em muitos clássicos Studio One - incluindo a maior parte das produções de Sugar Minott para Coxsone - que revigorou riddims antigos. A mesa de mixagem clássica usada pelo Channel One, a API 1604, é uma obra-prima tecnológica e trabalho de arte que rivaliza com os instrumentos de madeira mais finos em estética e charme - mesmo, ou especialmente, se ele evocar o mesmo design dos controles baseados em filmes de ficção científica dos foguetes.
É possível visualizar a magia desencadeada sobre as massas na Jamaica em 1968, quando King Tubby e o Hometown Hi-Fi estrategicamente colocaram caixas de som com base em suas frequências, para revelar sua manipulação acidental de versões que deu origem ao gênero Dub. Este foi um momento marcante na música, que elevou o produtor a artista, e o equipamento de estúdio - como a linda MCI modificada, mesa de mistura de King Tubby - para os instrumentos que iriam remixar e reinterpretar a música de uma forma profunda. Os 12 canais, e depois de 16 canais e mais além, mesas de mixagem - como Tubby e Jammy usaram - permitiu que as camadas distintas da música fossem dissecadas (e às vezes mixadas em até quatro faixas), permitindo que o baixo e percussão pudessem relaxar e arder em um minimalismo intenso, paternalizando o reggae digital reducionista do final dos anos 80 através dos anos 90. Deejays que conversam sobre as versões dub minimalistas, era a música rap antes de existir hip hop. As ramificações da música de raiz para as instrumentais versionadas criadas através do dub como seu próprio gênero. A estética do dub na Jamaica na década de 1970, expandiu-se para o electro, house e dubstep. Esta música avant-garde tocada com som, textura, tom e escala como um pintor tentando capturar a luz com sombras e contrastes cromáticos, alterando para sempre a evolução da música.
Deejays que conversam sobre as versões dub minimalistas, era a música rap antes de existir hip hop. A estética do dub na Jamaica na década de 1970, expandiu-se para o electro, house e dubstep.
Dubwise e Otherwise
Um sinal analógico é variável, em comparação com um sinal digital - nascido da tecnologia do circuito de um 'computador' datado no início do século 20 - que é constante e geralmente toma dois níveis. A instrumentação eletro-acústica é datada de meados do século 18, e futurista, a vanguarda oferecia a partir da arte de Russolo - The Art Of Noises até Zinovieff, considerando já o computador em composições já na década de 1960, e em alguns aspectos eles são precursores de muitas das explorações de dub e na música digital. Contemporâneos da mesma tecnologia são os sintetizadores de tubo a vácuo analógicos da década de 1920, como o Trautonium, que utilizou a mesma tecnologia que viria a ser tão cobiçada em amplificadores e teclados, como o órgão Hammond B3.
Lloyd 'Matador' Daley não foi apenas o proprietário de uma das primeiras sound systems, ele também criou e modificou alguns dos mais poderosos Amplificadores KT88 para sound systems no final de 1970, como Jack Ruby Hi-Fi e Joe Chin. Seu equipamento definiu e dirigiu a cultura do soundclash e extinguiu-se a sede de graves claros, profundos e nítidos, mantendo a integridade dos sinais médios e altos. A proeminência da bateria e baixo foi uma forma nascente na produção incial da música digital. Atados com ruídos exóticos e raios lasers encharcados de eco e reverb, iniciado por produtores como King Tubby, Lee 'Scratch' Perry, Joe Gibbs e Michael Campbell.
A psicodelia de certas influências como rock e soul do exterior são encontrados muito cedo na música jamaicana, como no pioneiro Derrick Harriot e "Psychedelic Train" com o The Chosen Few em 1970. Derrick Harriot & The Crystalites, com o produtor Errol Thompson, gravaram músicas vanguardistas como "Bombshell", incorporando vários samplers na composição, embora no álbum Harriot ser creditado com os efeitos sonoros. Microfones de válvula - como o AKG C-12 fotografado em algumas fotos do Channel One - absorver e transmitir sons com uma espessura e pureza perdida, mesmo nos microfones de ponta de hoje, onde o foco em clareza limita o som a certos campos, sacrificando a o sinal substancialmente.
Blackboard Jungle Dub, lançado Lee 'Scratch' Perry em 1973, com a percussão acústica obeah-voodoo, combinada com a tecnologia moderna da época para capturar e criar sons, que usavam jarros de barro com água, que passariam através de phasers e flangers. Ele estava criando paisagens sonoras inter-cósmicas gotejando com modulação, e oscilação de ressonância filtrada, que revolucionou a música em todo o mundo. Falsos começos, fitas rebobinadas, tons nunca usados e comandos vocais para a banda estavam todos perfeitamente integrados na gravação final, tornando a produção quase holográfica, como as introdução com o som de rebobinar as mixagens com o segundo take de gravação. Sirenes, lasers, tiros de lasers sintetizados, efeitos analógicos, e depois o Atari 8-bit digital - tais como aqueles que ficaram famosos por Jack Ruby - foram usados para transitar uma melodia enquanto o registro estava sendo trocado em certas festas, e acabou encontrando seu caminho para a música.
Um pioneiro no Reino Unido foi Jah Shaka, cujo uso do Syndrum Synare 3 e da sirene NJD SE-1, tocavam através de máquinas de eco confortavelmente invadidas pelos riddims de steppers acústicos, bem como Shaka e outras músicas steppers digitais - que ainda permanecem enraizadas na terra e no orgânico. Sirenes e efeitos se tornaram instrumentos importantes em muitos dos álbuns de Shaka e certamente em suas sessões ao vivo.
Os anos 80 e 90 viram as mesas de mixagem com os efeitos incorporados ao lado dos (botões) de frequência mencionados e osciladores de onda senoidal, e os sound systems aproveitaram-se para separar as unidades que abrigavam esses efeitos, conhecidos como máquinas lickshot. Estas máquinas permitiam explorar um sinal escolhido através de diferentes efeitos, velocidades e tons.
Os enfeites do dub com efeitos de feixes de laser e com som de sintetizadores, eventualmente se tornaram o ponto tonal focal das raízes evolutivas do som rub-a-dub do início dos anos 80, que foi incorporando syndrums, overdubs e sintetizadores. O clássico do Studio One "Rub A Dub Style", de Michigan & Smiley acentua o riddim "Vanity" com a acústica do vintage mixado com o sintetizador digital, com sons de pop's e da bolhas enquanto os deejays rimam. Os efeitos sonoros foto-digitais, montados em cima do riddim e, em seguida se tornando o foco central sobre a versão dub instrumental, foi um marco em 1979. Outro marco nesse som foi Jimmy Riley de "Love And Devotion" de 1981 com elementos do pop digital embrionário, caracterizado igualmente no dub por Massive Dread. Produtores como Tubby, Errol Thompson e a manipulação de Lee Perry no dub, é como um negativo de fotografia da trilha acabada, e foi alimentado através de várias máquinas, como o Echoplex, o auto-personalizado reverb Fisher de Tubby, bem como o Bi-Phase da MuTron e o Space Echo da Roland.
O Computador Diz Isso
Muitas vezes eu ouvi jamaicanos mais antigos, como Audley Coxsone na loja do Studio One na Philadelphia, lamentar o desaparecimento da música de raiz quando a música digital "mudou tudo." Em certo sentido, o acústico vs analógico vs debates digitais pode ser comparado a ervas vs sintético drogas ou luz natural vs lâmpadas de halogéneo: seus processos são um pouco artificial ou virtual em essência, ainda orgânica (para citar Jah Shaka, ou seja, "direto da terra"), mas em um domínio que transcende ou transforma a natureza. O uso de drum-machines atrai críticas de alguns puristas, assim como a invenção do metrônomo no século 19. Augustus Pablo o usava para mapear suas batidas em uma máquina de batidas, para ter os padrões combinados pelo baterista Noel Alphonso na bateria eletronica Simmons. E assim, com os primeiros riddims digitais, em que o crepúsculo (ou amanhecer como é o caso), entre o produtor e programador, os padrões digitais foram tocados, não 'loopados' (repetição de um mesmo número de compassos), mantendo um componente distintamente humano para a música. Mas quando o programador é um músico mestre, tais como Sly Dunbar ou Clevie, suas habilidades na bateria e máquinas de ritmos traduzem em software, ao produzir a música quente, complexa e orgânica, enquanto que outros programadores, menos competentes podem criar mais padrões polidos, sons anêmicos e sem qualquer textura. Cortes digitais, como remakes de Dawn Penn na música "No No No", assustadoramente atualizado (e aos meus gostos, é uma versão superior) de Carlton & The Shoes ' "Forever And Always" (ambos produzidos e tocados por Cartlon Manning, e ele remixou sua própria canção) fornecem exemplos de clássicos re-imaginado através do filtro da tecnologia.
Quase todo livro ou artigo sobre reggae digital irá citar o riddim "Sleng Teng" como o primeiro riddim digital. Mas músicas como "Sensi Addict" de Horace Ferguson de (1984), e "Get Flat" de Paul Blake & The Blood Fire Posse, eram essencialmente músicas digitais, embora não tenham sido quebrado o paradigma como o riddim da Casio com a voz de Wayne Smith. As tecnologias em evolução dos osciladores, combinados com frequências filtradas controladas por tensão, que deram origem as lentas flutuações sintéticas de "Sleng Teng", e remontam as primeiras canções de reggae com o Moog infundido. O poeta Mel Cooke, residente erudito do reggae no The Jamaica Gleaner, tem um artigo que tem Redrose alegando que ele e Tubbys, com o riddim "Tempo" antecederam o riddim de King Jammy - quando havia lançado "Sleng Teng". E dizendo; "Nós fomos os primeiros homens a cantar em um (riddim) computadorizado." Redrose continua "foi como ele ter uma das frutas da caixa de loops..."
"A capacidade de montar precisamente um riddim totalmente programado, um riddim automatizado definiu o futuro..."
Não importa quem foi o primeiro, a evolução (ou morte) estava ligada, e a música jamaicana nunca mais seria a mesma. Quase todas as noites, canções 'computadorizadas' no título eram lançadas, com os cantores ostentando que poderiam montar um (riddim) computadorizado e que não poderia - as implicações, senriam que aqueles que se sincronizavam com a nova tecnologia, iriam passar para uma nova era de dancehall, enquanto vocalistas ludicos, iriam se reconciliar e teriam o seu regresso, se "recordando" das antigas festas. A capacidade de montar precisamente um riddim totalmente programado, um riddim automatizado definiu o futuro, e produtores como Jammy, Gussie Clark, Dixon Robert 'Bobby Digital" e Fattis Burrel, marcaram o início de uma nova era. Músicas Nicodemos, Early B, Yellowman e Uglyman inauguraram o tema e as implicações de um mundo que iria se tornar "informatizado". Tão cedo B pondera, "mais computador, menos mão de obra, estas são as palavras de todos os líderes." Ele continua a perguntar: "O que vão fazer com os dez dedos do Sly?" É claro que, fora do dancehall - onde o canto e improvisos feitos em relação às versões no vinil - as riddims digitais iriam receber tratamento orquestral com uma banda ao vivo, e é a mágica para vigiar uma melodia como o riddim "Punani", que foi tocado com uma só mão por um mestre tecladista pioneiro mestre em um show.
Digital Somos Digital
As tecnologias mutantes chegaram à ilha, de ataques reversos afiados e decaimentos naturais de notas, renderam a mesma precisão programada de um hardware militar. O caminho para o som computadorizado tinha sido um disco rígido, de músicos planejando e tocando as batidas em máquinas, e músicas inteiras programadas por software. Insira o domínio de ondas senoidais, ondas quadradas inventadas a partir de tom puro, e serras dentadas de formas completamente desconhecidas na música 'natural'. O salto da fita para o computador e memória MIDI, e a dublagem de gravados (diga-se dubbing), faixas com camadas permitindo combinações quase infinitas e remixes. O sampler e o looping permitiu ao hip hop, técnicas inovadoras de reciclar e reinventar a alma do R&B de seus pais, cortes, scratchs e mixagens junto com uma drum-machine TR 808. Uma inovação, tão evolutiva na história da música como a notação foi para a música clássica, onde as improvisações poderiam ser gravadas, priorizadas e preservadas - e agora tudo na ponta do dedo com programas de computador que realizam instantaneamente tarefas, que levariam horas antes. As grandes bandas e estúdios que foram necessárias para produzir o reggae raiz tornaram-se redundantes. A nova tecnologia democratizou a produção da música, através de pequenos estúdios em pequenos quartos, com um equipamento mínimo que mudaria o som, como o minimalismo de Mad House de Dave Kelly. O solista pode se tornar orquestral com a tecnologia, e qualquer um pode produzir, mixar, comercializar, promover e vender uma canção, e tudo do mesmo laptop.
O laptop de 8 bits lo-fi, capturou o reggae em muitos aspectos, e continuou a evolução musical que se apropria de tecnologias em busca de frequências únicas e sonoridades. Estes podem ser de jogos de Atari, ou do Commodore 64 MOS Technology SID que produziu as trilhas sonoras de jogos de videogame, a partir do qual os efeitos são usados para pontuar uma melodia em uma sessão ao vivo. Os softwares Vocoder e Auto-Tune podem ter atingido o pico como uma moda no hip hop, embora perduram de uma forma mais sutil no dancehall; música híbrida africana ragga está saturada com este efeito de produção. Enquanto no seu pior, ele cria e inflige alguns crimes contra a música, nas mãos de alguns artistas - como Gappy Ranks, Busy Signal ou o Fokn Bois e Popcaan - pode embelezar seus talentos existentes, em vez de confiar nele inteiramente para ficar afinado.
É um refrão comum em fóruns na internet e em revistas de reggae que o melhor reggae digital está saindo da Europa - o que é verdade, como os produtores de lá imergem no equipamento da idade de ouro do reggae digital, para suas próprias produções. O reggae digital mais atual de grupos como Mungos Hi-Fi e do Bush Chemists (que inclui a música "Digital Rock" de Brother Culture), induz o mesmo êxtase cerebral que as primeiras canções computadorizadas devem ter sido invocadas em meados dos anos 80 no dancehall maciço na Jamaica. Festas virtuais são profetizadas por Mr. Williamz e Mungos Hi-Fi em "Computer Age", prevendo uma nova era onde o maciço pode conectar-se a simular sessões da Escócia para o Tibete completas com firewalls antivirais.
As raízes digitais e fios da nova geração de produtores têm continuamente atualizado dancehall. Se algumas das letras alienam o público fora da Jamaica, os riddims de produtores como o filho de Freddie McGregor; Stephen 'di Genius' abraçam uma universalidade que cria hits do Brooklyn até Berlim. Com outros produtores como Seanizzle, Notnice e Don Corleon nos controles, o som do dancehall digital irá continuar expandindo sua influência futurista "outernationally' (internacionalmente). Produtores estrangeiros, como russo e Dre Skull trazem seus riddims únicos. para a ilha hibrida de gêneros e mantém as vibrações atualizada e sempre atual. A cena reggae digital explodiu na Europa, provando que todo o mundo vai ser "computadorizado'. E como Brother Culture diz com Riddim Tuffa na atualizada "Digital Rock 2012"; "Riddim computadorizado faz o público arrebentar..."
O DJ de reggae britânico David Rodigan foi um dos que prestaram homenagem, descrevendo o U-Roy como “o paradigma da música jamaicana ... Sempre tive admiração por ele; o tom de voz, a cadência, o brilho lírico e a equitação rítmica fizeram dele o ‘aventureiro da alma’.” Ali Campbell, do UB40, saudou U-Roy como "uma verdadeira inspiração, [abrindo] o caminho para muitas gerações e criando um som que viverá para sempre!" Shaggy disse: “Hoje perdemos um de nossos heróis!!”
O Rapper Ghostpoet tuitou: "Eles não estão prontos para o seu brinde no céu."
U-Roy não foi o primeiro deejay, mas ficou conhecido como “o criador” por ser o primeiro a colocar seu estilo vocal distinto em um disco, gerando um fenômeno e inspirando a criação do hip-hop. “Sua voz rica proclamou letras fervilhantes e saturadas de flow em vez de simplesmente inserir algumas frases”, escreveu um crítico do Reggae Vibes. "E, além disso, ele percorreu toda a trilha instrumental reduzida (os espaços entre vocal e instrumental), em vez de interferir em pontos cruciais."
U-Roy nasceu Ewart Beckford em Kingston, Jamaica, em 1942. Sua família era musical, sua mãe se apresentando no coro de uma Igreja Adventista do Sétimo Dia local. Ele começou a trabalhar como DJ aos 14 anos. "Minha mãe costumava me dizer: Por que você não apara e faz a barba porque vai ficar muito mais bonito menino?" ele disse ao United Reggae. “E eu costumava dizer:‘ Escute, mãe, eu não te disse para não ser adventista do sétimo dia. Eu não disse para você não tocar aquele órgão naquele coro. Vou fazer o que tenho que fazer e não vou desrespeitar você. Mas o que eu acredito é o que eu acredito.”
Ele começou sua carreira profissional em 1961, tocando no sistema de som de Dickie Wong, que dirigia a gravadora e clube Tit for Tat (onde Sly Dunbar conheceu Robbie Shakespeare) em Kingston. Ele mudou de sistema de som antes de um período como o DJ principal do King Tubby’s Hometown Hi-Fi no final dos anos 60.
As versões dub de instrumentais alongados de King Tubby criaram o espaço para U-Roy expandir seu estilo vocal inventivo. “Foi quando as coisas começaram a melhorar para mim”, disse ele ao LA Times em 1994.
U-Roy: Wake the Town
No livro Yeah Yeah Yeah: The Story of Modern Pop de Bob Stanely, o cantor Dennis Alcapone descreve seu testemunho de como a dupla era tocando ao vivo. “Ele (King Tubby) e U-Roy começaram a festa normalmente, e depois de um tempo ele tocou You Don't Care dos the Techniques, então mudou para a versão dub e, depois de algumas falas, tudo que o público pôde ouvir foi ritmo puro. Então U-Roy veio cantar e eles enlouqueceram. ”
Em 1969, U-Roy fez suas primeiras gravações, com Keith Hudson, Lee Perry e Peter Tosh, embora sua revelação ocorresse um ano depois, quando John Holt testemunhou U-Roy discotecando e cantando com a música de John Holt; Wear You to the Ball, e disse ao produtor Duke Reid para trabalhar com ele.
A parceria gerou três sucessos imediatos, Wake the Town, Rule the Nation e Wear You to the Ball, bem como mais duas dúzias de singles, e inspirou uma onda de produtores que buscam trabalhar com DJs em discos. “Antes disso, o negócio de DeeJays não era algo que as pessoas levavam a sério”, disse ele ao LA Times. “Eu realmente não levei a sério. As pessoas realmente não estavam acostumadas com essas coisas.”
U-Roy lançou centenas de singles ao longo dos anos 70, incluindo uma série de sucessos com Bunny Lee. Um acordo com a Virgin o levou ao álbum Dread in a Babylon, produzido pelo Prince Tony Robinson. Isso impulsionou a popularidade de U-Roy no Reino Unido, onde Joe Strummer era considerado um fã.
Do outro lado do Atlântico, DJ Kool Herc e Coke La Rock abordaram o som de U-Roy e Kingston em suas festas no Bronx para diferenciá-los da cena disco de meados dos anos 70, improvisando com um Space Echo e inventando suas próprias gírias. O bloco de apartamentos de Kool Herc no Bronx viria a ser reconhecido como o berço do hip-hop.
Enquanto atuava como intérprete na década de 1980, U-Roy dificilmente gravou novamente até 1991 - quando ele se mudou para LA - quando o produtor britânico Mad Professor o convidou para participar do álbum True Born African. Isso gerou outra parceria criativa duradoura. O último álbum de U-Roy, Talking Roots de 2018, também foi produzido por Mad Professor. “Eu tinha 15 anos quando ouvi a Version Galore e queria trabalhar com o U-Roy”, tweetou o Mad Professor na quinta-feira (18.02.2021).
Em 2019 foi “coroado” por Shabba Ranks em Nova York, que o chamou de “di Picasso da nossa música”. Naquele ano, ele também gravou um novo álbum, Gold: The Man Who Invented Rap, com Sly e Robbie, Zak Starkey na guitarra e Youth of Killing Joke na produção, com participações de Mick Jones do The Clash, Santigold, Shaggy e Ziggy Marley entre outros. A data de lançamento está planejada para o verão deste ano.
Refletindo sobre sua mensagem, U-Roy disse ao LA Times: “Acabei de falar sobre a união com as pessoas. Eu realmente não tento rebaixar as pessoas ou algo assim. A violência é muito feia e o amor é muito lindo. Nunca estive na faculdade ou algo parecido, mas tenho um pouco de bom senso, e o que aprendo, aproveito ao máximo sabe.”
Sua técnica inspiradora transformou o canto falado em um fenômeno internacional, mas ele foi extremamente modesto até o fim.
U-Roy fotografado em sua casa em Kingston, Jamaica, 2005. Fotografia: Tom Oldham / Rex / Shutterstock
Desde que existem sistemas de som, existem Deejays cantando com eles. Conhecido como “O Criador”, U-Roy estava longe de ser o primeiro, mas ninguém havia causado um impacto significativo fora da Jamaica antes dele. Em 1970, seu álbum Version Galore desembarcou em Londres, cortesia da Trojan Records. Nunca tínhamos ouvido nada parecido. Houve homens do sistema de som promovendo suas festas e seleções de uma maneira improvisada, muitas vezes intrusiva, mas nada que levasse o que era essencialmente falar sobre discos a sério o suficiente para criar sua própria forma única de arte rítmica. Embora a mixagem e a técnica de estúdio magistral de Duke Reid fornecessem o ambiente perfeito para brindar clássicos do rock steady como The Tide Is High, Tom Drunk e Everybody Bawling, foi o toque leve de U-Roy, de noção musical e senso geral de celebração que fizeram essas faixas tão especiais.
Se a história do rap pode ou não ser rastreada até U-Roy e sua inspiradora vocalização lírica, a rima precisa é um argumento que dificilmente será resolvido tão cedo. O que não se pode duvidar é que, sem seu jeito singularmente musical em uma letra, o deejay no estúdio de gravação poderia ter terminado em 1970. U-Roy montou os ritmos com uma energia tão lúdica, melodiosa e compulsiva que anulou qualquer argumento de que o canto falado era nada além de alguém gritando uma música perfeitamente boa. Ele conduziu os compradores de discos tão facilmente para o outro lado da música, que os estúdios imediatamente abriram suas portas para outros talentos. A importância de U-Roy na linhagem do reggae não pode ser superestimada.
Quando U-Roy ainda era conhecido como Ewart Beckford, ele fugia para as festas para ouvir Count Matchuki e King Stitt fazendo um brinde ao sistema de som de Kingston e praticar seus gritos de "Wow!" e “Yeah yeah!” no banheiro de sua avó. Aos 15 anos, ele superou sua timidez para apresentar os cantores do sistema de som Dynamic de Dickie. Fã de Louis Jordan e Louis Prima, ele evoluiu seu estilo de conversa fiada para subir no mundo dos sistemas de som até chegar à companhia estelar de Coxsone e King Tubby. Como ele disse: “Eu costumava treinar muito, como um jogador de futebol que adora bola - sempre que ele acorda, ele está com a bola. Esse era eu - sempre que ouço música, comecei a falar cantando na minha cabeça e foi a maior alegria que pude sentir naquele momento. A questão era trabalhar com o disco, você não queria atrapalhar o cantor ou coisa parecida. Você falava nas entrelinhas, não precisava dizer muito, mas quando você adiciona suas partes a um disco, ele se torna pessoal para o público daquela época - o disco deles. Um bom Deejay pode tornar um sistema de som famoso.”
(King) Tubby dominou as gravações de Duke Reid, uma conexão que levou U-Roy a compartilhar músicas com o estábulo de gigantes do rock steady do produtor. À medida que o reggae evoluiu para o roots, o DJ abraçou o rastafarianismo e lançou uma série de álbuns culturais clássicos: Dread in a Babylon, Natty Rebel e African Roots.
Seu álbum Rasta Ambassador, de 1991, não poderia ter sido mais apropriadamente intitulado: U-Roy era o garoto-propaganda ideal para uma fé construída sobre paz, amor e compreensão. Ele era uma das pessoas mais suaves e agradáveis que você poderia esperar encontrar. Entrevistei ele formalmente três vezes e, em todas as ocasiões, ele foi generoso e muito divertido. A primeira vez que ele me convidou, então um perfeito estranho, para sua casa em Kingston, um bangalô confortável em uma área que não era totalmente no centro, mas ainda tinha um pouco de vida (reveladoramente as únicas pistas sobre quem morava lá eram alguns pôsteres emoldurados de sistemas de som vintage). Outra vez, sentamos em um bar de beira de estrada local, onde ele foi tratado como um rei: como um Rasta devoto, ele bebeu cerveja de gengibre e ergueu uma sobrancelha curiosa quando eu pedi cerveja de verdade.
A última ocasião foi no estúdio do Mad Professor em Crystal Palace, sul de Londres, onde ele estava escrevendo as letras para alguns especiais do sistema de som e possíveis faixas do álbum. Foi um verdadeiro privilégio sentar-me na cabine com Daddy U-Roy e observar o trabalho de um mestre. Ele não parecia incomodado com a interrupção. Como um aficionado por tecnologia, ele ficou fascinado pelo meu gravador digital do tamanho de um cartão de crédito e riu cordialmente ao concluir que teria sido inútil para King Tubby, pois ele não poderia ter desmontado e melhorado.
Em 2007, U-Roy foi premiado com a Ordem de Distinção da Jamaica por sua contribuição para a música. No entanto, ele foi afetuosamente modesto até o fim. Lembro-me de perguntar a ele se ele ficou surpreso com o resultado do canto falado nos sistemas de som de Kingston: "Se você me dissesse naquela época que eu poderia comprar duas camisas, duas calças e dois pares de sapatos ao mesmo tempo com o dinheiro que ganho com isso," Ele disse, "Eu teria dito a você para parar com essa estupidez!"
Semana recheada de Steppas e Digikillers, e repleta de lançamentos e oldies, e discos de volta ao estoque. Dois toppa a tops 10inch's do Black Redemption e Blackheart Warrior, produçao de King Alpha. Hiher Regions lançou o 7inch com I Kong (limitado a 250 cópias), além de Murray Man, Tena Stelin, Ras Nyto, Ras Teo com os lendários Prince Alla e Fred Locks. Produções novas de Akashic e Afrikon Blood e os preferidos da casa, Vibronics pelo clássudo selo Scoops. Atenção especial ao selo/banda Firehouse Crew, apadrinhados por nada menos que King Tubby.
Originalmente um trio, formado pelo baterista George Miller, Danny Dennis no Baixo e Paul Crosdale no teclado, eles não foram em sua época tão reconhecidos na Jamaica no seu inicio quanto Sly & Robbie ou Steely & Clevie, mas depois de trabalhar no estúdio do King Tubby e serem apadrinhados pelo pai do dub. Em meados dos anos 80, produziram coisas tão boas quanto Jammy's, Scorpio, Xterminator, Techniques. As produções, mixadas com batidas pré programadas e instrumentos serve como referencia para muitos selos novos famosinhos de hoje em dia.
Músicos:
Juda Skender Tafari, Ital Mick, The Prophets, Fred Locks, Ras McBean, Russ Disciples, Jonah Dan, Tony Tuff, Singing Cologne, Turbulence, Prince Allah, Icho Candy, Vania Colours, Sista Beloved, Wellete Seyon, I Jah Solomon, Kibir La Amlak, Tena Stelin, Roots Hi Tek, I David, Sista Miko, Brizion, King Evereall, Little Meeky, Daddy Meeky, Anthony Red Rose, Little John, King Kong, Lady P, Sanchez, Vibronics, Boney L, Ranking Joe, Afrikan Simba, Radical Gee, Alldubb, Habitat Sound System, Murray Man, Ras Teo, Zebby Blax, Ras Nyto, I Kong...
Selos:
Black Redemption, Blackheart Warriors, Firehouse, Skinnie Internatinal, Awful Music, Scoops, THC Records, One Dropp Music, Gematria Records, River Bank, Reggae Remedy, Intergalaktik Sound, Forward Bound, Akashic, Afrikon Blood, Higher Regions...
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Alguns até podem dizer que não, mas Bunny Lee é uma das figuras chaves na evolução do gênero musical que conhecemos como Reggae. Dentro do seu extenso currículo, Bunny Lee exerceu o papel do produtor musical nos principais estúdios da Jamaica, e teve ao seu lado os principais músicos e engenheiros de som ao seu lado, principalmente no decorrer dos anos 60 e 70. 
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